cabezote_diseño_2011.jpgLinea-diseño.jpg


Politécnico Grancolombiano
Comunicación Social y Periodismo
María José Burdiles Aburto
wiki.jpg





VIDEO ARTE

susosossoso.gif




El videoarte, es utilizado como medio para la creación artística, nace cuando un grupo de artistas vinculados a las vanguardias de los años sesenta comienza a utilizar la nueva tecnología de la imagen electrónica con fines artísticos.

Cuando en 1965 se lanzan al mercado las primeras cámaras portátiles de video y, por lo tanto, la tecnología del video se vuelve accesible, una nueva generación de artistas visuales incursiona en el arte de la imagen en movimiento. Un magnetoscopio portátil permite que las imágenes electrónicas se registren sobre una cinta magnética. La cámara de mano aportó movilidad, facilidad y, sobre todo, accesibilidad al arte de la imagen en movimiento.

Aunque eran costosas, estas cámaras eran mucho más económicas que las cámaras de televisión y que las cámaras cinematográficas de 16 mm. -hasta entonces la herramienta utilizada por artistas independientes. Con las nuevas cámaras portátiles desaparecían las restricciones impuestas por Hollywood y por las productoras de televisión. Rápidamente estas cámaras se convirtieron en un medio autónomo de la industria televisiva en manos de artistas, documentalistas, coreógrafos, que veían en ella una herramienta que les permitiría acceder a los espacios antes reservados a las productoras de televisión.

El video arte defiende un lenguaje audiovisual que se conforma en la indagación de cualquier razón alternativa para sintetizar y articular códigos expresivos procedentes de diversos ámbitos del audiovisual. Sus producciones se diferencian de otras prácticas como el video clip, el video documental y el video de ficción, porque, sobre todo, intenta crear nuevas narrativas y nuevas formas de visualizar al operar con presupuestos que no se restringen a las premisas de estos géneros. De manera que se trata de una manifestación que significa una ruptura con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros espacio-temporales e interactivos completamente distintos.

Relación del videoarte con el cine y la televisión

El video, desde el punto de vista de la tecnología y del soporte, es un medio que se diversifica de la industria televisiva. En este sentido, para alcanzar su autonomía y constituirse en objeto y práctica independiente tuvo que cortar ciertas ataduras umbilicales que lo unían a la TV. Este divorcio de la televisión fue necesario para gestar su definición; los artistas visuales hicieron de él un instrumento indagatorio, experimental, para responder al espíritu de creación que comienza por la voluntad de revisar y de reinventar los lenguajes. De hecho, las primeras obras de videoarte, a las que nos referimos previamente, consistieron en manipulaciones de la imagen televisiva, como una crítica al discurso de los medios masivos. En ocasiones crearon señales de transmisión alternativas con propuestas experimentales e innovadoras que tenían un carácter crítico de la TV.

La necesidad de diferenciarse de la televisión y del cine se traduce –durante los primeros años- en la renuncia a la narratividad, en la ausencia de personajes y de actores en los términos que imperan en esos medios. El video rompe desde el principio con los códigos y principios del cine y de la TV en la medida en que no busca imágenes que sean fieles imitaciones del natural. Por el contrario, la creación se orienta a investigar los valores plásticos de la imagen electrónica, su estructura, el tratamiento de la luz y del color, la percepción, etcétera. La imagen lábil, magmática, inestable, de menor definición, ha favorecido y estimulado mayores niveles de manipulación. Los defectos e incluso los errores de las máquinas –imprevistos o provocados- se convierten en materia de creatividad. De por sí, la imagen electrónica, y luego las imágenes producidas digitalmente, son más manejables y versátiles, más moldeables y dóciles a los propósitos del artista que las imágenes producidas con medios analógicos (como las imágenes cinematográficas).

La tecnología, entonces, favorece esta manipulación de los elementos propios del lenguaje video gráfico, las tramas y texturas de la imagen electrónica, las mezclas de colores y de imágenes, la luminosidad, las incrustaciones, la yuxtaposición de imágenes por razones de afinidad estética y no sólo por la sucesión de tiempos.

En este sentido, el video cuenta con una ventaja adicional respecto del cine: la posibilidad de controlar, verificar y modificar en tiempo real las características de la obra, del mismo modo que en el proceso de pintar un cuadro.

Estas son algunas de las características que distinguen al videoarte de los otros medios que trabajan con imágenes en movimiento: el cine y la televisión. En la definición de una identidad propia, el videoarte se nutrió de las artes plásticas, el arte minimal, el arte conceptual, la performance, la música y el teatro.

Por eso puede decirse que el videoarte es en sí mismo un arte multimedia, que amalgama los otros medios, y en el que se cruzan las diferentes disciplinas. En este carácter híbrido está su riqueza.




Fuentes:
http://www.espacioft.org.ar http://es.wikipedia.org http://www.youtube.com



El ARTE CINÉTICO

450px-David_Ascalon_Kinetic_Sculpture_Mobile_memphis_TN.JPG400px-Whirligig.jpg

El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan. Este término apareció por primera vez en 1.920 cuando Gabo en su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Utilizó esta expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla de acero movida por un motor y da valor al término utilizado hasta ese momento en la física mecánica y en la ciencia, pero comienza a utilizarse de forma habitual a partir del año 1.955.

Pero específicamente el Arte cinético es una corriente artística, principalmente pictórica y escultórica, basada en el movimiento. Las obras cinéticas están dotadas de movimiento real, juegan con efectos ópticos que lo simulan o incluso provocan que sea el propio espectador el que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones.

Debido a la gran diversidad de obras existentes dentro de la tendencia artística del Cinetismo, se ha realizado una clasificación de las mismas para clarificar y diferenciar estas aportaciones.

En primer lugar, se encuentran las obras de carácter bidimensional o tridimensional con movimiento real. Generalmente, están dotadas de mo­tores que permiten que toda la obra, o bien determinadas piezas de la misma, se mueva. Se incluyen dentro de esta tipología las realizaciones basadas en proyecciones lumínicas, pues se considera que el movimiento luminoso también corresponde a este grupo en el que el dinamismo es fundamentalmente real.

En segundo lugar, se consideran las obras bidimensionales o tridimensionales estáticas, pero que poseen efectos de carácter óptico. Esta topología corresponde al denominado Op-Art (abreviatura del Optical Art).

Y, por último, las obras bidimensionales o tridimensionales transfomables, en las que se requiere el desplazamiento del espectador para ser aprehendidas en su totalidad, o bien la manipulación directa que éste pueda realizar sobre ellas, con la que se logra un movimiento que puede ser vibratorio, de vaivén, etc.

La segunda tipología apuntada, la que corresponde al Op-Art. es sin duda, la que más adeptos tuvo; y, no obstante, para ciertos sectores de la crítica de los años sesenta, no debía incluirse en el seno del Cinetismo, pues en sus obras el movimiento no es real sino ilusorio, ya que proviene de toda una serie de efectos derivados de la incapacidad de la retina hu­mana para situar como estáticos determinados objetos que, por el modo en que están constituidos, dan la sensación de movimiento.

Aún así, según el historiador Frank Popper -el mayor estudioso del Arte Cinético- todas las tipologías mencionadas corresponden a esta ten­dencia artística, pues lo esencial es la sensación que se produce en el observador.

Dentro de la modalidad del Op-Art existen obras muy distintas, pues responden a diferentes tipos de ilusiones ópticas. Así, entre las piezas más significativas que generan ilusiones de carácter óptico pueden distinguir­se dos grandes grupos: por un lado, las figuras de carácter ambiguo, for­madas por un juego de figura-fondo o bien por un juego de perspectivas opuestas; y, por otro, las que suponen una agresión a la retina, creadas gracias a imágenes persistentes, al efecto de muaré o a la ubicación inestable de formas y colores.




soto1.jpg

Fuentes:

http://html.rincondelvago.com/arte-cinetico.html http://www.saberia.com http://historiadelarte4.blogspot.com




DANZA CONTEMPORÁNEA


14817837_1.jpg


La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de más de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana.

Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida.

La danza son movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados generalmente de música y que sirven como forma de comunicación o expresión. Todo ser humano tiene la cualidad de expresarse a través del movimiento. La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios, por ejemplo, una acción tan normal como el caminar, al realizarse en la danza de una forma establecida, en círculos o en un ritmo concreto y dentro de una situación específica.

La danza contemporánea o moderna es un estilo creado para expresar los sentimientos. Así como los sentimientos cambian, los bailarines contemporáneos deben cambiar constantemente. Es importante el individualismo, la abstracción y la entrega al arte. Los bailarines tienen poco en común además del rechazo de las tradiciones existentes y del deseo de reexaminar los principios fundamentales de la danza como medio de comunicación. Actualmente existen dos técnicas: La Graham y la Cunningham, pero los bailarines contemporáneos suelen revolverlas.

La danza contemporánea surgió como una reacción en contra de las posiciones y movimientos estilizados del ballet clásico, alejándose de su estricto criterio tradicional y romántico, de cualquier código y regla académica. Fue conocida después de la I Guerra Mundial y ha sido la portadora de una importante función: la comunicación.

Según muchos, esta danza se define más a través de lo que no es que de lo que es. En la danza contemporánea la dinámica del cuerpo proviene de la energía de la persona haciendo que el movimiento alcance cada parte del cuerpo. El espacio es utilizado como una vía natural de expresión a través de cada gesto y del dinamismo del movimiento. Influenciada por diferentes estilos que fueron desarrollados durante el último siglo en América y Europa, sólo uno de ellos es permanente en la danza contemporánea de hoy: la libertad.

Su ejecución no sólo se desarrolla en posición vertical, es tan rica que se pueden usar diferentes posiciones y niveles. La forma en la que ocurre es siempre caracterizada por la simplicidad y elegancia de su técnica.








danza_contemporánea.jpgimages.jpg




LAND ART

land-art.png

land-art-B52.jpg

Desde sus inicios, el arte siempre ha buscado la forma de crear nuevos medios, lenguajes, materiales y significados para crear obras novedosas, pero siempre manteniendo su fin real: la reflexión de la existencia humana y de los mundos que la rodean. Y uno de esos mundos es el de la naturaleza, el cual guarda un gran respeto y misticismo que el ser humano siempre trata de comprender. Y tal vez una de esas formas de descifrarlo es a través del Land Art.El Land Art es una corriente artística contemporánea que usa los paisajes y elementos de la naturaleza como escenarios y medios para realizar una obra de arte. Nació en la década de los 70's, y tiene como fin recordar la naturaleza que no sólo estamos olvidando, sino también maltratando. El principio más importante del Land Art es intervenir en el espacio de la naturaleza, pero en ningún momento quiere ni busca maltratar el espacio, todo es con sentido artístico. Estas obras son realizadas en lugares muy remotos, lejos de la mirada de los espectadores, y son de tamaño monumental. Sin embargo, la mayoría del Land Art es efímero, y desaparece con el paso del tiempo, ya que fenómenos como la erosión, la lluvia, las mareas van desgastando los materiales hasta demolerse por completo.Es muy difícil poder llegar a observar el Land Art en vivo y en directo, ya que sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial y sólo llegan a ser conocidas por medio de registros como las fotografía, videos o dibujos que se exponen en museos y galerías, o que pueden ser compradas por coleccionistas.Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. El paisaje es parte fundamental de la obra, el que indica muchas veces el que hacer. El arquitecto dialoga primero con el entorno y posteriormente la obra seguirá esta conversación. Así podrá surgir esta transformación que permita esta experiencia artística, recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, pensamientos y sensaciones. Muchos artistas meticulosamente realizan una creación de documentos con fotografías y vídeos para tener un registro. Especialmente en el caso de instalaciones de arte a distancia, estos registros pueden ser vitales, ya que permiten a la gente a ver el arte sin tener que viajar. Y otros artistas consideran que la interacción física con el Land Art es una parte importante del proceso de visualización.descarga.jpg descarga_(1).jpgLAND_ART_Wolfgang_Buntrock-_fish.jpgdescarga_(2).jpg ine06.jpg
Land_Art_n2.jpg

Fuentes: http://arte-tierraymaya.blogspot.com http://lular.es/a/arte/2010/10/Que-es-el-Land-Art.html http://www.xatakafoto.com


ARTE KITCH

369976_79832.jpg


La palabra kitsch se utilizaba en los mercados de arte de Munich, entre los años 1860 y1870, para describir los dibujos y los bocetos de artistas, que se comercializaban baratos y de manera fácil. Además define al arte considerado como copia inferior de un estilo existente, o cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de mal gusto. En Alemania sudoriental se utilizaba la palabra, que origina el término kisch, para referirse a hacer la limpieza en las calles de manera apresurada, y por consiguiente se aplicó la misma a los trabajos realizados de manera precipitada y con descuido, provocando que los críticos hablaran del kitsch como un arte "chatarra" que se fabrica con el único interés de satisfacer el gusto popular, la ganancia económica y como respuesta a las masas consumidoras en las sociedades del siglo XX.

La nueva y adinerada burguesía de Munich creía que podría alcanzar el status de la clase tradicional de elite copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales. Lo que provoca que adquirieran estos objetos de gusto mediocre para aparentar status social.

Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido, de mala manufactura, fraudulento, no auténtico, de imitación y moralmente dudoso. Busca dar un efecto sentimental y convencer a otros de comprarlo, apelando

directamente a las emociones sobre la razón. Existe la versión de que este término pudo derivarse del inglés sketch (bosquejo), término utilizado por los turistas estadounidenses en Europa, y que vendían a bajo costo.

En realidad todos los significados que se le atribuyen, independientemente del origen etimológico, son las acepciones con que el concepto es utilizado. Un objeto puede ser kitsch por sí mismo, o convertirse en kitsch según su contexto o uso. El "arte" kitsch no es necesariamente barato, puede incluso ser más caro y hasta coleccionarse; son objetos destinados a divertir o satisfacer al comprador momentáneamente.

El kitsch muestra objetos industrializados sin gusto definido, por ejemplo: conejos, perros, gatos o patos de cerámica, gnomos de yeso, Nigüentas de yeso, reproducciones de pinturas enmarcadas, tapetes de plástico, flores de papel, ropa con leyendas de todo tipo, objetos con el diseño de ítems de películas o de animales en poses humanas, madonas de plástico, figuras de miniatura en el jardín, plantas, flores y fruta de imitación y otros. Son imágenes que despiertan el sensacionalismo, sentimentalismo, patriotismo, romanticismo,simplificación y clichés sociales.

Para muchas personas el kitsch representa el apogeo de arte malo y la falta de buen gusto; sin embargo, es más que eso y está mucho más extendido de lo que usualmente se admite.

Esta palabra se utiliza tanto para arte como para el entretenimiento, la política o la religión. El mal gusto no es el atributo principal de lo kitsch, también puede implicar un gusto corrompido o una originalidad fingida, dándole un sentido más de ética que de estética. Corresponde a la falta de originalidad, a las cuestiones comunes o trilladas, la hipocresía o la deshonestidad en diversas formas



2264991102_33f7f3f4f0.jpg
Imitación de Frutas
Flores-papel-crepe-divertidas.jpg
Flores de Papel


Fuentes:

http://www.educatico.ed.cr http://www.decoralis.com



HAPPENING
9.jpg
Assemblages, Environments & Happenings se tituló el histórico libro de Alan Kaprow sobre las nuevas artes que relacionan concepto, acción, instalación, encuentro y vida cotidiana. Aquí durante el Happening – Environment The Yard. Pasadena 1967 U.S.A.



Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación.

El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

A partir de las experiencias realizadas en 1952 por el músico y compositor norteamericano John Cage y su discípulo Allan Kaprow, surge este movimiento.

Es difícil establecer características comunes a los artistas pertenecientes a esta corriente, puesto que cada uno de ellos lo adapta a su forma personal. Entre los representantes más significativos podemos mencionar a: Beuys, Vostell y Kaprow; quienes aunque hayan sabido dibujar y llevar a cabo importantes obras, no implica que sean considerados pintores.

El Happening no ha tenido gran repercusión, ni ha aportado demasiado a la historia de la pintura. Pero en Japón, durante la década del ‘50, los miembros del grupo Gutai se dedican íntegramente al Happening, emprendiendo interesantes trayectorias dentro de la pintura. De todos ellos, el más destacado, es el jefe Jiro Yoshihara. Entre los representantes argentinos de este movimiento podemos destacar a Marte Minujin.

En sus principios en los Estados Unidos de América donde se rea­lizaron las primeras manifestaciones de happenning, es­timuladas por las obras neodadaístas de Jasper Johns y de Rauschenberg. En la Reben Gallerg, Kaprow montaría, en octubre de 1959, su primer happening, que llevaba por título 18 happenings in 6 parts. A este le siguieron otros, como Coca Cola Shirley Cannonball?, A Spring Happen­ing, The Courtyard, A service for the Dead. Kaprow se sentía muy cercano al automatismo de la «action painting», en especial al de Pollock, porque existían diferencias notables, pues mientras ésta prescindía de la capacidad crítica de reflexión, el «arte acción» de Kaprow activaba no sólo la imaginación, sino también la reflexión, así como el distanciamiento del espectador con respecto a la acción. Con similar intensidad, y dentro del contexto americano, han realizado happenings Robert Whitmann, que trabajó, fundamentalmente con celofán; Claus Oldenburg, que utilizó objetos en movimiento (los hombres entraban, asimismo, en la categoría de “objetos”); y Jim Dine. Para algunos críticos, estos montajes no fueron más que manifestaciones antiburguesas; un rechazo o una crítica al conformismo desplegado por los artistas pop.

En cambio, en Europa, el happening adoptó un carácter más agresivo y revolucionario, introduciendo en sus montajes motivos o acontecimientos extraídos de la realidad político-social. Pretendió influir sobre ésta para crear una conciencia del individuo, que hiciera “prevalecer en plena realidad el derecho a la vida psíquica”, tal y como aparece recogido en un documento firmado en 1966 por Jean-Jacques Lebel, Wolf Vostell y Jóseph Beuys, entre otros. No obstante, muchas de las situaciones políticas utilizadas no fueron más que simples pretextos para explorar su lado estético y catártico. Para Lebel, que participó en el happening permanente del Barrio Latino en el mayo del 68, la revolución del arte termina justo en el acto mismo de su realización (con motivo del incendio de la Bolsa de París el 24 de ese mes declararía a Vostell haber experimentado un “orgasmo absoluto” ante el mismo). Las cosas fueron muy otras cuando se entabló la lucha callejera entre los estudiantes y la policía, poniendo en evidencia los equívocos o interpretaciones ilusorias de la pretendida identificación arte-vida o arte-política. Los happenings de Vostell realizados en Amsterdam en 1962­ y 1963 constituyeron, asimismo, otra muestra del divorcio existente entre la provocación artística y la provocación política. Sin embargo, no podemos negar el carácter de crítica simbólica que estos happenings tuvieron respecto de una determinada realidad social y política.


5144d9894dd9b95144d989g.jpgSpencer_Tunik_4.jpgSpencer Tunik
Fuentes:
http://es.wikipedia.org
http://www.oni.escuelas.edu.ar
http://www.actuallynotes.com
http://ntic.educacion.es




PERFORMANCE

performance4.jpg


La historia del "performance" empieza a principios del siglo XX , con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret de Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

En la performance, el cuerpo del artista asume la creación redefiniendo todo espacio tradicional y actúa como un medio para desafiar la noción de representación.Esta corriente permite siempre la reflexión acerca de nuevas formas de relación, cada vez menos previsibles, entre artista y espectador. Esta voluntad de desafiar y hacer estallar los límites desde la acción escénica le otorga a la performance un rasgo de inmediatez que la caracteriza y la inscribe como un arte del presente, del aquí y ahora, un arte de fuerza y vitalidad.

“La performance nace en el campo de las artes visuales con el surgimiento del informalismo en la pintura, entre los años ’40 y ’50. Hasta el momento, la problemática del cuerpo sensible estaba excluida pero, a partir de este movimiento aparece, además de la materia pictórica, el gesto del artista. Algo similar sucede con la denominada escultura expandida, que rompe con el volumen y la especialización, creando obras que involucran al espectador” explica Jorge Zuzulich.

En este sentido, el arte performático cuestiona la idea de la obra como un hecho cerrado y propone la reflexión en torno al cuerpo, tanto el del artista como el del espectador. Según Zuzulich, “ambos cuerpos, artista y público, con todos sus sentidos despiertos, componen sus fuerzas para generar un espaciamiento, esto es, delimitar un territorio para que algo suceda, para que algo se construya”.

Mediante la necesidad de integrar la acción al arte, se redefine entonces la noción de “espacio” sumando, a la vez, el comportamiento del cuerpo en dicho espacio y su relación con el espectador, factores intrínsecos de la performance como nueva tendencia. Desde el advenimiento de la instalación, los cruces con otras prácticas son posibles: “Las instalaciones apelan a todos los sentidos del receptor de la obra, ya que incluyen texturas, sonidos y hasta aromas. Por otra parte, en los happenings el artista convoca a un público que es además autor para una participación activa con gran dosis de azar y de juego, de componente lúdico”, dice Zuzulich.

Como arte de acción, la performance es un espacio en el que pueden converger distintas disciplinas artísticas en cruces que la fertilizan. La fotografía y el video se acoplan como nuevas posibilidades de generar obras, de registrar acciones realizadas para la cámara en una especie de “performance en solitario”.

A principios de los años ’70, el video ya no es sólo registro, sino que adquiere autonomía y pasa a formar parte del acontecimiento performático. En el reciente evento “5.5 Performance”, organizado por el Grupo de Estudios de la Performance (GEP) del IUNA, estos cruces se reflejaron claramente: cada una de las performances presentadas tuvo como correlato un videoperformance. Zuzulich, quien tuvo a su cargo la curaduría de la muestra, señala: “Buscábamos producir tensión entre ambos soportes, performático y videográfico, partiendo del mismo concepto y marcando cercanías y distancias”.

El evento, de carácter internacional, reunió trabajos de artistas que llegan al IUNA desde distintas ciudades del mundo para especializarse en Tendencias Contemporáneas de la Danza.

Así como la fotografía y el video se incorporaron en su momento a la performance, las denominadas Nuevas Tecnologías proponen otros cruces a través de interfases y sensores que, adosados al cuerpo del performer, ponen en funcionamiento secuencias lumínicas, grabaciones o proyecciones y posibilitan nuevos modos de acción-interacción entre éste, su público y la obra.


20090206elpepucul_16.jpg

Fuentes:
http://infouniversidades.siu.edu.ar/ http://es.wikipedia.org




SONIDOS NO CONVENCIONALES
La expresión de sonidos no convencionales (también llamados experimentales o informales) se aplica a todos los objetos que nos rodean con los que podemos producir sonidos y, también, a los instrumentos confeccionados con el fin de obtener nuevos sonidos. Muchos de estos instrumentos se construyen aprovechando los más diversos objetos y materiales de desecho. Por ello, además de su inmenso valor sonoro, al construir y usar este tipo de instrumentos podemos contribuir a la conservación del medio ambiente ya que estaremos reutilizando objetos que, de otro modo, solo servirían para aumentar la cantidad de basura que generamos cada día. Instrumento de nueva invención:



El Hang es un instrumento musical de percusión creado por Felix Rohner y Sabina Schärer en el año 2000, hace solo siete años, en un cantón de Suiza. Es un instrumento muy portátil a pesar de su aparente volumen. Hang significa mano en dialecto de Berna y está compuesto de dos partes de metal en forma lenticular que le da una apariencia de OVNI musical. Se toca usando las manos directamente, golpeándolas suavemente sobre los huecos del instrumento. Cada uno de estos huecos equivale a una nota musical, llegando a cubrir una escala entera. Su sonido tiene la sugerencia de los instrumentos exóticos como la marimba pero metálico y armonioso que crea un ambiente sonoro como de campana oriental. Su aspecto lo aproxima a las formas más atrevidas de la escultura contemporánea y con ciertos parentescos con alguna de las obras del gran escultor Gabriel a quien bien seguro no le importaría que sus obras produjeran sonidos escondidos y primordiales04.jpg


Instrumentos convencionales utilizados como no convencionales.




Unpiano preparado es un piano cuyo sonido se ha alterado colocando objetos (preparaciones) en sus cuerdas.

El compositor americano John Cage fue el pionero de esta técnica que ha tenido sus seguidores pero que actualmente ha caído en desuso, salvo en algunos reductos académicos. La música de John Cage se caracteriza por combinar elementos novedosos junto a formas musicales caóticas. Por ejemplo, modificaba los sonidos originales de los instrumentos y con los mismos generaba armonías completamente caóticas, alejadas de los cánones armónicos tradicionales. Para esto, el Zen oriental fue una de sus influencias que lo llevó a incluir en su música silencios muy largos, sonidos atonales, sonidos eventuales del ambiente y elementos no tradicionales



blog-piano-preparado.jpg



Una guitarra preparada es aquella cuyo timbre ha sido alterado mediante la colocación de varios objetos sobre o entre las cuerdas de dicho instrumento, incluyendo otras técnicas extendidas. Esta práctica suele ser llamada guitarra sobre mesa ya a que muchos guitarristas preparados no sostienen al instrumento de la manera usual, sino que en su lugar colocan la guitarra en una mesa con el fin de manipularla de ese modo. Si bien raramente es clasificada como una “preparación”, sino más como una técnica extendida, las técnicas slide para guitarra, usadas aproximadamente desde comienzos de los 90’, también merecen ser mencionadas.



teoriamusica.jpg



Fuentes:

http://www.todo-es-muy-raro.balearweb.net www.pianomundo.com.ar http://www.youtube.com




STOMP OUT LOUD
image002.jpg


Se trata de un grupo de baile que usa su cuerpo y todo tipo de objetos cotidianos para crear ritmos, dando como resultado un musical bastante inusual e impresionante. La obra está dividida en sketches. Aunque no dicen ni una palabra, la intensidad de los bailes, la espectacularidad de sus movimientos y el componente cómico, consiguen que el musical no las necesite ni se haga pesado en ningún momento.
Stomp se creó en 1991 en Reino Unido, fruto de años de colaboración entre Steve McNicholas y Luke Cresswell, sus creadores. Después de años y años de actuaciones, apareciendo en cientos de festivales, Stomp consiguió meter cabeza en bandas sonoras como la de Tank Girl o álbumes como Q’s Jook Jointde Quincy Jones. El salto a la televisión lo hizo por medio de anuncios tan espectaculares como el Ice Pick de Coca-Cola o el Freestyle de Nike.

Posteriormente crearon una serie de cortos para Nickelodeon, todo basado en sus coreografías, y en el verano del 97 nació “Stomp Out Loud”, una producción especial de 45 minutos para la HBO, donde se intercalaba material de sus musicales con nuevas piezas hechas para televisión, consiguiendo cuatro nominaciones a los Emmy. Probablemente fue el punto más álgido de Stomp.
Mediante todos los objetos que utilizan muestran una serie de notas musicales sacadas admirablemente de esas cosas que no fueron creadas para tal fin, cabe señalar que no cuentan con un solo instrumento musical ni diálogos por lo que demuestran que el arte es posible en todo objeto, iniciando por el propio cuerpo humano que también fue utilizado para obtener otras rutinas de percusión y comunicación. Algunos objetos que utilizan son: bandejas, cilindros, rines, tapas de ollas, tuberías corroídas, llaves, cajas, pelotas de básketbol, estanques con agua, arena, escobas tapas de basura, bolsas, envases plástico, papel, etc.
Éste espectáculo es estético ya que cumple con las reglas del ritmo obtenido con los instrumentos de percusión, los movimientos corporales, el desplazamiento escénico y el desarrollo de las diversas rutinas que arrojaron un excelente equilibrio, simetría y el balance tanto auditivo como escénico por la disposición de los sonidos y la puesta en escena. En este tipo de arte se puede percibir la energía y un ritmo fluido, en una completa unidad y armonía lograda en los elementos de percusión, el vestuario y la decoración del escenario.


image004.jpgStompOutLoud-100.jpg



Fuentes:

http://www.pisitoenmadrid.com http://tichiortega.blogspot.com





DECORACIÓN E INTERVENCIONES EN EL CUERPO COMO SOPORTE EN LAS DIFERENTES CULTURAS A TRAVÉS DE LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD.

A lo largo de la historia los humanos se han identificado por tener una cultura que los identifique como individuos, esta se adopta según el contexto social en donde se desarrollen, es decir, la forma en que viven. Es por esto que vamos a presentar diferentes culturas totalmente diferentes las cuales decoran e intervienen su cuerpo para tener una mejor representación de su tierra y gente.

Las llaman las mujeres de cuello de jirafa, las cuello largo, o las padaung, su nombre en birmano, calificativo que detestan. En realidad pertenecen a la etnia kayan, y se sienten orgullosas de su cultura.

Según el folclore de sus tribus, arribaron a la zona central de Myanmar (antigua Birmania) hace alrededor de 2.000 años, procedentes del desierto de Gobi, en lo que es ahora la República de Mongolia. Más tarde los birmanos los obligaron a desplazarse a las montañas de Myanmar oriental y hoy, las últimas 12 aldeas de los kayan están situadas en el estado de Kayah, entre la capital, Loikau, y el lago Inle.

El mismo término padaung (en birmano) significa “cuello largo”, aunque ellos prefieren su nombre étnico: kayan. Se cree que antiguamente, la finalidad de estos anillos era la protección contra los ataques de los carnívoros, que habitualmente mataban a sus presas mordiendo su garganta. En aquellos tiempos la sociedad padaung era matrilineal y monógama, pero finalmente se convirtió en polígama dada la escasez de individuos, mermados por las guerras. Esto situó a los varones en una especial situación de poder, en la que la fidelidad de las mujeres tenía un importante papel. Así pues, la infidelidad de la cónyuge, era castigada con la retirada de la espiral de anillos de cobre u oro, con la consiguiente incapacidad de sujetar con normalidad la cabeza, ya que los músculos del cuello se habían atrofiado a lo largo de los años. Estas mujeres tendrían que resignarse a vivir recostadas o sujetar la cabeza con sus propias manos.

Estos anillos, además de ser un adorno, son indicativos de la posición social de su dueña y en el pasado todas las mujeres lucían oro en sus cuellos. Hoy en día, este peculiar collar consiste en una espiral de cobre, adornada con objetos brillantes, que es limpiada dos veces al día para evitar que el metal produzca heridas en el cuello, además de prevenir la formación de moho en el mismo.

Aunque hoy en día aumenta el número de mujeres que no se colocan estos anillos, perdura entre las que lo llevan desde la infancia dada la imposibilidad de retirarlo.

Entre las que todavía adoptan esta costumbre, las niñas se preparan desde los cinco años estirándose el cuello unas a otras. La colocación de la primera anilla conlleva una ceremonia de iniciación. El pueblo se engalana y la fiesta se aduana de la aldea. la niña en cuestión recibe un largo masaje, con un ungüento, cuya fórmula es secreta aún en nuestros días. Tras relajar el cuello, se ejercita éste durante una hora, haciendo girar la cabeza de la niña en todas la direcciones, para finalmente proceder a la colocación de la pieza, cuya anchura es de unos diez centímetros.

cada dos años se repite la ceremonia, añadiendo una anilla más alta. Cuando una mujer llega a la extensión máxima de su cuello, ya no podrá volver a mover el cuello.

El collar es un símbolo de riqueza. Cuanto más largo sea, más rica es la familia de la que procede la mujer. Además, se supone que la mujer que más aros lleve es la más bella.

También es un símbolo de respeto y fidelidad de la mujer hacia el hombre. El gobierno birmano trató de hacer desaparecer la costumbre intentando cambiar la imagen de país poco desarrollado, por ello muchas mujeres rompieron la tradición, pero viendo que los turistas en los últimos años van buscando a las famosas mujeres de cuello de jirafa y que es un negocio rentable no han permitido que se pierda la tradición.

56304127_3a710ee40b.jpg




DECORACIÓN ARABE EN EL CUERPO

El mundo árabe es un tema que atrapa no a sólo a los pertenecientes a esa cultura. Hay muchos occidentales que se ven intrigados por todo aquello que rodea a la cultura árabe: su historia, sus símbolos, sus creencias, sus costumbres. Pero lo que más atrae, a la hora de pensar en un diseño de tatuaje, es el idioma árabe. Seguramente lo atractivo de este idioma sea que no tiene ningún carácter similar a aquellas lenguas que provienen del latín. Una persona que no pertenezca a esa cultura, seguramente no pueda entender absolutamente nada de un tatuaje con frases en ese idioma.

Este idioma es lengua oficial en veinte países y se ha erigido como una de las 6 lenguas oficiales declaradas por la Organización de las Naciones Unidas. Algunos de los países que la tienen como su lengua oficial son: Arabia Saudí, Argelia, Egipto, Iraq, Marruecos, Libia, Líbano, Sàhara, Emiratos Árabes Unidos, entre otros. Aunque no lo crean es una de las lenguas que tiene más hablantes alrededor del mundo: 280 millones de personas hablan árabe como primera lengua, a los que se les suman 250 millones más que lo hablan como segunda lengua.

Seguramente dentro del mundo árabe los tatuajes con símbolos y palabras árabes sea lo habitual. De todas maneras éstos cada vez ganan más terreno en el mundo occidental, donde lo distinto es lo elegido. Yo creo que es atractivo llevar algo escrito en tu cuerpo, del que solo tú conozcas el significado. De todas formas creo que todo tatuaje árabe expresa cierto vínculo de la persona tatuada con esa cultura, por lo que en los días que corren esto puede generar tanto rechazo como aceptación.

tatuajes-arabes.jpg

EN ÁFRICA

Las mujeres Masai alargaban sus lóbulos mediante gigantes carretes metálicos hasta los hombros. Deformaban su boca con discos que van ampliando de tamaño. Hacia la pubertad debían arrancarse los 4 incisivos inferiores. En los Mursi se conserva actualmente el uso de estos platillos. Los Kanure se aplican una especie de doble tapón en los lóbulos de las orejas y decoran sus mejillas con escarificaciones. Los guerreros Potok llevan en el tabique nasal una hoja de árbol, el disco labial y cicatrices en la espalda.

Se dice que en algunas culturas africanas las mujeres consideran la Escarificación como una forma de belleza.

La Escarificación es la acción de producirse escaras en la piel. Son cicatrices producidas por cortes superficiales o profundos o por quemaduras provocadas por fuego o por un agente químico. Las heridas generan una costra que por lo general es de color oscuro, resultante de la muerte de tejido vivo.

El ombligo anillado era un signo de la antigua realeza egipcia y prohibida a todos aquellos que no fuesen nobles. En aquellos tiempos, los ombligos muy profundos eran los más apreciados.

En muchas tribus de África (poblados Suya, Sara, Lobi, Kirdi) es muy común esta práctica y existe la tradición de que las jóvenes solteras comiencen a agrandar su labio en el momento en que se prometen. Este proceso dura todo el noviazgo y hasta el momento de la boda. Es la prometida la que realiza un plato de barro cocido que progresivamente irá cambiando por otro más grande. A mayor tamaño del plato, mayor será la dote que la familia del novio pagara a la familia del novio.


La_Escarificación.jpgmujere_Masai.jpg
tribu.jpg


El Branding tiene sus orígenes en países como Brasil y el continente africano, y quizá la referencia más conocida fue durante la época del esclavismo, cuando se marcaba con un hierro caliente a los sujetos para indicar a qué persona pertenecían, de la misma forma que se hacía con el ganado.

albrandingeartknot.jpg

Fuentes:


http://www.videos-star.com/watch.php?video=FFXlY0q8diA http://www.taringa.net http://yurynice.blogspot.com http://www.cuerpoyarte.com http://es.wikipedia.org/http://mapahumano.fiestras.com/servlet/ContentServer?pagename=R&c=Articulo&cid=1115363528799&pubid=982158433476 http://es.wikipedia.org/wiki/Padaung http://www.elmundo.es/magazine/num111/textos/jirafa1.html




TATUAJES





¿Qué es exactamente un tatuaje?

Un tatuaje es una herida punzante en las capas profundas de tu piel, que se llena con tinta. Se realiza penetrando la piel con una aguja e inyectando tinta en la zona, generalmente creando algún tipo de diseño. La razón por la que los tatuajes duran tanto es que son profundos: la tinta no se inyecta en la epidermis (la capa superior de la piel que continuamos produciendo y cambiando a lo largo de toda la vida). Por el contrario, se inyecta en la dermis, que es la segunda capa de piel más profunda. Las células de la dermis son muy estables; por lo tanto, el tatuaje es prácticamente permanente.

Los tatuajes solían realizarse en forma manual, es decir que el artista encargado de realizar el tatuaje pinchaba la piel con una aguja e inyectaba la tinta manualmente. Si bien este proceso aún se emplea en algunas partes del mundo, la mayoría de los talleres de tatuajes utilizan una máquina para tatuajes. Una máquina para tatuajes es un instrumento eléctrico de mano, semejante al torno de un dentista. En un extremo, tiene una aguja esterilizada, conectada a tubos que contienen tinta. Se utiliza un pedal para encender la máquina, que mueve la aguja hacia adentro y afuera mientras deposita la tinta aproximadamente 1/8 de pulgada (casi 3 milímetros) debajo de la piel.

La mayoría de los artistas que realizan tatuajes saben hasta qué profundidad llevar la aguja, pero si no se llega a la profundidad necesaria, el tatuaje parecerá borroso, mientras que si la profundidad es excesiva, puede haber sangrado y mucho dolor. Realizar un tatuaje puede llevar varias horas, dependiendo del tamaño y del diseño seleccionado.

Los tatuajes fueron una práctica eurasiática en tiempos neolíticos, y se han encontrado incluso en una momia del siglo II d.C. En 1991 se encontró una momia neolítica dentro de un glaciar de los Alpes austro-italianos, con 57 tatuajes en la espalda. Esta momia es conocida como el Hombre del Hielo o como Otzi, es el cadáver humano con piel más antiguo que se ha encontrado, y su antigüedad varía según distintos autores: Cate Lineberry, del Smithsonian, calcula para él unos 5,200 años de antigüedad. A partir de este descubrimiento se puede decir que el tatuaje es tan antiguo como el propio ser humano. Sin embargo, las distintas culturas que utilizaron el tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto como arte, en el sentido de creación de significados rituales o simbólicos, como ocurría en el antiguo Egipto, como para marcar o señalar a los criminales, que es el caso de las antiguas Grecia y Roma. Incluso se cree que, por su posición en el Hombre de Hielo, las marcas cumplieron un fin terapéutico.

En su principio, el tatuaje fue simplemente ornamental y decorativo; después sirvió para distinguir a los miembros de una familia, de una tribu, de un pueblo, a la vez que de adorno, caracterizando así tipos étnicos. Y después fue un signo de posesión. El tatuaje debió comenzar en un principio solamente en la cara y extenderse después al resto del cuerpo.

Esta práctica se puede definir de manera muy general como la modificación del color de la piel, la cual se logra rompiendo el tegumento para introducir sustancias colorantes en las heridas. El proceso en tiempos prehispánicos quizás haya sido el siguiente: realizar en la piel pequeñas punciones o piquetes, con un instrumento de dientes agudos, por medio de los cuales se introducía la materia colorante, provocando el grabado permanente de la figura dibujada anteriormente sobre la piel. Otra forma de realizar el tatuaje, quizás haya sido el paso de un hilo impregnado de colorante, colocado en una aguja muy delgada, a guisa de cedal, a través de la piel.

Hay escritos y figurillas que muestran que los guerreros mayas se pintaban la cara y el cuerpo de varios colores, con el fin de espantar a sus enemigos. A la gente del pueblo no se le permitía tatuarse.

Hay afirmaciones que los antiguos yucatecos eran considerados tanto más valientes cuanto más tatuados estaban. El guerrero joven comenzaba con una o dos figuras, y por cada nueva víctima que hacía, pedía una nueva inscripción. Se menciona que los mayas hacían el dibujo con tinta y después le aplicaban pintura. Las mujeres mayas no se pintaban la cara, pero se tatuaban el cuerpo hasta la cintura, a excepción de los senos, con labores más finas que las de los hombres.

Pero no todos los tatuajes son iguales o de las mismas categorías hoy en día se pueden encontrar los siguientes:

Tatuaje Biomecánico. Se basa en las películas e historias de ciencia-ficción. Son dibujos que suelen representar desgarros en la piel que dejan ver partes mecánicas o componentes electrónicos. Habitualmente se suelen hacer a gran tamaño y en blanco y negro.

Tatuajes Célticos. Es una variante del estilo tribal. Utilizan diseños geométricos a base de nudos y lazos que se entrecruzan entre sí, aunque también pueden incluir piedras preciosas o animales.

Tatuajes Con color. Actualmente se pueden conseguir prácticamente todos los colores, aunque con el tiempo pueden perder brillo e intensidad. Aquí lo primordial no es el contorno, sino las luces, sombras y los difuminados a color. Suelen ser tatuajes de tamaño medio o grande.

Tatuajes Tradicionales: Son los tatuajes de toda la vida, agrupando los temas marineros, religiosos, águilas, tigres o diablos, por decir algunos. Su demanda ha descendido en los últimos tiempos.

Tatuajes Tribales: La gran mayoría se realizan en negro, o si no, con pocos colores. Se inspiran en diferentes culturas: tribus africanas, indios, aborígenes... Los diseños son muy variados.

Sombras y difuminados: En estos tatuajes el juego de sombras cobra protagonismo. Suelen ser diseños grandes, normalmente inspirados en temas fantásticos, así como animales mitológicos o diablos.

Estilo japonés: Los dragones, carpas y las flores son las estrellas de esta variante, donde destacan los colores, las sombras, el volumen o la sensación de movimiento.

Retratos: Se suelen realizar en blanco y negro, llegando a parecer verdaderas fotografías. La mayoría son de familiares, actores o cantantes.



tamokobx6.jpg
todotattuado.jpg1ca1bfef9179204ba9ae90eaac040676.jpgbocaza.jpg
Fuentes
http://www.youtube.com/watch?v=QvtsLEVsqbU http://kidshealth.org http://es.wikipedia.org http://www.tattoomania.net



EXPRESIÓN CORPORAL

Expresion_corporal.jpg
Aún antes que el hombre encontrara los medios artísticos formales para expresarse, él supo gozar de la sensación de dar un paso, girar, balancearse, mecerse, zapatear y saltar, simplemente porque hay una infinita alegría en danzar. Danzar es un medio para la afirmación de sí mismo y un medio para canalizar la abundancia de su energía, en un modo supremo de expresarse (Walter Sorell).

La Expresión corporal como expresión artística se basa en la forma en que se interpreta emociones por medio de nuestros movimientos, se caracteriza por la disciplina que lleva a expresar emociones. Nos sirve para poder comunicarnos sin usar el lenguaje oral. El propósito principal es sentir libertad en la ejecución de cada movimiento basado en los sentimientos que quieren expresar, ejemplo: si se quiere hacer una ejecución de éstas, se utiliza la creatividad para inventar formas y movimientos, además de que tienen que sentirse completamente en libertad.Para profundizar un poco más en la definición dada de Expresión Corporal diremos que se trata de la Actividad Corporal que estudia las formas organizadas de la expresividad corporal, entendiendo el cuerpo como un conjunto de lo psicomotor, afectivo-relacional y cognitivo, cuyo ámbito disciplinar está en periodo de delimitación; se caracteriza por la ausencia de modelos cerrados de respuesta y por el uso de métodos no directivos sino favorecedores de la creatividad e imaginación, cuyas tareas pretenden la manifestación o exteriorización de sentimientos, sensaciones e ideas, la comunicacion de los mismos y del desarrollo del sentido estético del movimiento.Los objetivos que pretenden son la búsqueda del bienestar con el propio cuerpo (desarrollo personal) y el descubrimiento y/o aprendizaje de significados corporales; como actividad tiene en sí misma significado y aplicación pero puede ser además un escalón básico para acceder a otras manifestaciones corpóreo-expresivas más tecnificadas.El lenguaje corporal adquiere así la función de “lenguaje”: la búsqueda de “un vocabulario” propio de movimientos que, organizados en una unidad significativa de forma-contenido permita transmitir, al igual que otros lenguajes artísticos, ideas, emociones y sensaciones personales y subjetivas, posibles de ser objetivadas en una elaboración externa al individuo. En este caso, el producto es una danza.Para enriquecer este lenguaje utiliza metodologías para el desarrollo de habilidades propioceptivas, motrices y comunicativas, así como los principios de la investigación y composición coreográficas.Todos los seres humanos desde que nacemos poseemos la capacidad de expresarnos corporalmente a partir de nuestra Expresión Corporal Cotidiana, por lo tanto todos podemos llegar a elaborar nuestra propia manera de danzar. De esta conducta, específicamente humana, se desprende la Expresión Corporal-Danza, como lenguaje extra verbal. Todas estas manifestaciones artísticas tienen en común la corporización y traducción en mensajes corporales organizados, de los movimientos internos psíquicos o sea lo relacionado con el pensamiento, las imágenes, los afectos, las emociones, las fantasías.


expresion-corporal.jpgfotolia_10668036_xs.jpg

Fuentes:
http://www.leonismoargentino.com.ar http://es.wikipedia.org http://www.monografias.com http://www.rieoei.org/deloslectores/376Ros.PDF


BODY PAINT

99999.jpgbodyart8.jpgcuerpos_pintados_body_painting_013.jpgimages.jpg

El cuerpo humano fue el primer soporte para la pintura para los primitivos, a nuestros antepasados se les ocurrió muy pronto que su piel quedaba mucho más atractiva, o mucho más terrorífica, si la cubrían con símbolos y pigmentos. Con el tiempo, la práctica de decorarse la propia anatomía quedó restringida al muy limitado campo de la cosmética facial, pero hoy hay una disciplina que intenta recuperar la magia transformadora de aquellas primeras experiencias, esta práctica se llama Body Painting. Esta se realiza con medios mucho más sofisticados que la de nuestros ancestros, como puede ser la henna, pinturas naturales o acrílicas, etc. Pero esta disciplina aún no es algo muy común y quedan personas que la pueden llegar a ver con ojos retrógrados, debido a la desnudez de los cuerpos que van a ser decorados. Actualmente se conoce al Body Paint como una expresión artística que persigue la representación de ideas y sensaciones fomentando la liberación corporal y mental. La realización de un Body Paint no es una tarea sencilla, digamos que todo lo contrario, ya que esta requiere de la aplicación de diversas técnicas y una gran cantidad de horas de trabajo dedicado. Su aplicación se puede ver en diferentes ramas del arte representativo como el teatro, cine, danzas, disfraces, televisión, etcétera. Algunos de los pasos para poder desarrollar este arte es conseguir un modelo y luego comenzar a diseñar el boceto de la imagen que se realizará sobre el cuerpo. De acuerdo al diseño realizado se encuentran diferentes ramas de este arte corporal, por ejemplo el Animal Print, que consiste en dar apariencia de algún animal al cuerpo humano, este es muy utilizado hoy en día. Lo que hace ahora un poco más fácil esta práctica, es la fabricación de plantillas que se ponen sobre la piel y se pintarán teniendo especial precaución. Antes de comenzar a pintar se debe corroborar que la piel del modelo esté suficientemente hidratada y no grasosa, de lo contrario la pintura se quebrará. Una técnica excelente para lograr la adherencia de la pintura es limpiar el cuerpo con agua mineral. Algunas de las técnica para pintar del Body Paint son las siguientes: “ Con pincel” Es ideal la utilización del pincel en la realización del Body painting que desea realizarse con velocidad. Con el pincel es más sencillo realizar los bordes y rellenar los diferentes espacios con velocidad. “con esponja” Es muy recomendable su uso para aplicar colores fluorescentes. Primero se aplica la base y sobre ella la pintura con esponja. “con aerógrafo” El aerógrafo logra que la pintura se aplique uniformemente y permite lograr degradados y efectos de textura. Pero como toda arte hay precauciones que hay que tener en cuenta cuando se realiza el Body Painting, como la de usar siempre la pintura adecuada, actuar sobre piel sana y limpia y no olvidar higienizados los implementos utilizados. A continuación mostraremos algunos ejemplos de esta nueva arte que cada día llama más la atención por sus seguidores.

2.JPG
3.JPG
4.jpg
5.jpg
6.jpg

7.jpg
8.jpg
9.jpg
10.jpg
11.jpg


Fuenteshttp://www.artesaniasymanualidades.com http://elcofredealdara.blogspot.com/2011/04/ddd.html

BODY ART

1018852467_9ebf45569e.jpg-galleries-gtgt-diana-whiting-gt-body-art-tattoo-am-jam-expo-liverpool-ny-s-.-tattoodonkey.com.jpgPara comenzar explicaremos lo que es el Body Art o arte corporal. Este consiste en trabajar el cuerpo como material plástico, el cual se puede pinta, calca, ensuciar, cubrir, etc., es decir el cuerpo es el lienzo o el molde de un trabajo artístico.

Surge a finales de los años sesenta y se desarrolla en la década siguiente. La obra de los artistas que practican este arte, tratan temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Dentro de la categoría general de Body Art, podemos definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza. Muchas personas en el mundo al ver el "Body Art" piensan que solo es ver piercings o tatuajes, y lo ven como una simple moda pasajera que los jóvenes utilizan para dar un toque de rebeldía a su cuerpo; pero el Body Art es algo más que eso, este tiene una historia, tiene zonas y un significado determinado. Este arte a veces se realiza ante un público especialmente convocado o en soledad, con el artista ante una cámara de video o de fotografía, para así dejar plasmando el resultado del trabajo artístico. Así el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento, etc. Podemos diferenciar en el Body art una línea más analítica que se practica en Estados Unidos por artistas como Vito Acconci, Chris Burden o Dennis Oppenheim que ponen el acento en las posibilidades del cuerpo, y otra más dramática, la europea representada por Herman Nitsch, Gunter Brus, Rudolph Schwarzkolger o Gina Pane, que incide en la reelaboración de arquetipos, junto a aspectos relacionados con el travestismo, el tatuaje o la sublimación del dolor. Como precursores del Body art encontramos el dadaísmo, el happening y más tarde está muy relacionado con la práctica de las "performance" (acciones), el teatro y la danza. Body Art tiene diferentes variaciones según su contexto social, por ejemplos en las sociedades occidentales se utiliza con objetivos sobre todo lúdicos, artísticos y decorativos. Su carácter espectacular convierte a esta actividad en algo sumamente valorado debido a la técnica en conjunto con la creatividad de los artistas que la desarrollan. Fuentes:http://www.hotels-espana.eu http://es.wikipedia.org http://www.artemza.com.ar


Mi PERFORMANCE









Producto segundo Corte

DSC07050.JPG

DSC07045.JPG


DSC07046.JPG



Peliculas
Frida Kahlo


frida-kahlo.jpg


Nacida el 6 de julio de 1907 en Coyoacán cuidad de México. Sin duda una gran artista que aunque se desenvolvió entre grandes muralistas mexicanos y con quienes compartía sus ideales, Frida creó una pintura absolutamente diferente algo más personal, ingenua y intensamente metafórica, que exaltaba su sensibilidad en cada momento. Varios de los acontecimientos que marcaron su vida se encontraban plasmados en sus pinturas de una forma única. Frida es quizá más conocida por su estilo al pintar que por su vida personal, aunque sin duda esto influyo de gran manera en sus obras y en su personalidad como pintora. Por lo que nos muestra la película y lo averiguado por otras fuentes, ella a los dieciocho años sufre un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual mejoro su técnica al pintar, e influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Frida Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, con el que tuvo un aborto en 1932, lo cual afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. Otra de las cosas que más me llama la atención es la persistencia de hacerse autorretratos de sí misma y cada uno de compleja interpretación como lo son: Autorretrato con monos, Las dos Fridas. Al hacerme esta pregunta de ¿por qué se pintaba siempre a ella? Leyendo encontré la respuesta en una cita dada por ella misma “Ellos creen que soy surrealista, pero no es cierto. Yo nunca he pintado lo que sueño. Yo pinto mi propia realidad”. Es por esto que realizó tantos autorretratos de sí misma, porque era lo que más conocía en su mundo. Lo que más admiro de esta mujer es como veía el mundo, y la facilidad de trasmitir sentimientos de forma tan compleja y simple a la vez. Me imagino que para eso hay que ser diferente, no ver como todos ven y aunque la vida que llevo no fue la mejor en la parte sentimental la veo como una mujer capaz de salir adelante a pesar de todas las tribulaciones que tuvo. Lamentablemente murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se le realizó ninguna autopsia y fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional.

Dibujo.JPG

pelicula-frida.jpg
Dirección: Julie Taymor.

País: USA.

Año: 2002.

Duración: 120 min.

Estreno en USA: 25 Octubre 2002.

Estreno en España:14 Febrero 2003.




Amadeus
HistoricosdecineMozart.gif


Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, 1756 - Viena, 1791)

Compositor austríaco nacido en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Sus prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que decidió educarlo y, simultáneamente, exhibirlo como fuente de ingresos. A la edad de seis años, Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. El año 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes europeas. Primeramente a Munich y a Viena y, en 1763 los Mozart emprendieron un largo viaje de tres años y medio que supuso para el pequeño Wolfgang valiosas experiencias.Con la cabeza apoyada en la pared de su habitación y la partitura manuscrita del Réquiem inconcluso en el lecho, la muerte lo alcanza el 5 de diciembre de 1791.Mozart tenía treinta y cinco años, y nos dejaba más de seiscientas obras…Del talento y vida de este hombre fue que se creó el Films Amadeus. La película cuenta la historia de Wolfgang Amadeus Mozart, contada por su mayor enemigo, Antonio Salieri (F. Murray Abraham). El film comienza cuando el anciano Salieri intenta suicidarse. Es por esta razón que lo llevan a un centro psiquiátrico. De un momento a otro llega un Sacerdote, para ver en que puede ayudar al anciano.De allí en adelante se produce un dialogo ente Salieri y el sacerdote donde el anciano le cuenta su vida y la del destacado músico Mozart, esta historia comienza narrando el pacto que realizo Salieri con Cristo, el que consistía en entregar su castidad a cambio del triunfo en la música. Aunque el tiempo pasa el sigue siendo un músico más en Viena, mientras que Mozart ya era famoso desde pequeño. Sin embargo la suerte después sonríe y es llamado maestro de cámara del emperador José II de Austria (Jeffrey Jones). Por las vueltas de la vida Salieri conoce a Mozart (Tom Hulce), en una escena un tanto graciosa con la que después será su esposa.Este viejo juzga a Mozart como alguien muy infantil, pero que en el fondo de su alma lo envidia con todas sus fuerzas por su música.


500_amadeus.jpg
Título: Amadeus
Dirección: Milos Forman
País: USA
Año: 1984
Duración: 158 min
amadeus_10.jpg




Goya
220px-Vicente_López_Y_Portaña_001.jpg


Francisco de Goya fue un Pintor y grabador español. Fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo. Goya comenzó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de que en 1785 ingresó en la Academia de San Fernando y en 1789 fue nombrado pintor de la corte por Carlos IV. Goya trabajó como retratista no sólo para la familia real, sino también para la aristocracia madrileña, y de hecho entre estos retratos se encuentran algunas de sus obras más valoradas, como La condesa de Chinchón o las famosas La maja vestida y La maja desnuda; sobre estas últimas dice la leyenda popular que representan a la duquesa de Alba, quien habría mantenido con el artista una relación. En los retratos de Goya destaca, en líneas generales, su atento estudio de las posturas y las expresiones, así como los contrastes de luces y sombras que realzan la figura del protagonista. En la película “Los fantasmas de Goya” se ven involucrados muchos cambios históricos, como la inquisición española, invasión del ejército de Napoleón a España, la derrota de los franceses y la restauración de la monarquía, todos estos hechos históricos se ven narrados por el gran artista de una forma única y particular dejando en manifiesto una realidad en sus pinturas. Como cada artista, este se ve inverso en un contexto, el cual va direccionando su vida y sus prioridades, es por esto que la relación con la protagonista (Inés) se hace fundamental a lo largo de la trama mostrando su parte emocional y de interés por el bienestar de la joven, siendo ella una de las principales inspiraciones para el gran Francisco de Goya. Con base en esto podemos decir que aunque trascurren diversos cambios sociales, este siempre está interesado en ayudar y proteger a Inés, quien sufrió en demasía por la inquisición y los abusos de Lorenzo. Otras de las cosas que debemos resaltar es la facilidad que tenía al momento de pintar un retrato y la perfección de estos, mostrando en cada escena, como un acto de su total naturalidad y satisfacción. La mejor escena en mi opinión es la última, en donde se llevan a Lorenzo después de su muerte en una carreta e Inés le sigue tocando su mano, con un bebe en sus brazos, y detrás aparece Goya llamándola. Sin duda esa última escena sintetiza la trama de la historia, combinando todos estos elementos para dejar con expectativas al espectador. El cine como en otras artes se convierte en un medio para denunciar ciertos eventos ya sean cotidianos o de índole histórico y esta no es la excepción, ya que la iglesia católica es duramente cuestionada por sus prácticas en épocas pasadas, basando la mayoría de historia en este contexto.


collage.JPG


Dirección: Milos Forman.

País: España.

Año: 2006.

Duración:106 min.

Género: Drama.

Estreno en España: 10 Noviembre 2006.
poster_peli.jpg





Rembrandt
Autorretrato_a_los_22_años_de_edad.jpg



A Rembrandt se le considera uno de los pintores más personales de toda la historia del arte europeo por su capacidad de representar las reacciones de los individuos ante situaciones dramáticas, mostrando sus emociones y de esa manera explora la condición humana.En 1642, Rembrandt Harmenszoon Van Rjin, el famoso pintor holandés se encuentra en su mejor momento de su carrera, cuando muere su adorada esposa Saskia. Tras ese duro golpe su trabajo se vuelve oscuro y recibe una gélida acogida por parte de críticos y mecenas. En 1656 está en bancarrota y se consuela con un nuevo amor, una joven criada con la cual no puede casarse por la sociedad en la que viven y por sus deudas. Pero Rembrandt encontrará una manera de manejar sus dificultades. Esta relación le lleva al destierro, pero también le traerá algunos momentos de felicidad.Murió totalmente arruinado después de que sus acreedores le despojaran de su casa, de sus muebles y de todos los cuadros que poseía, así como de los que tuviera que pintar durante el resto de su vida. Aunque la vida de Rembrandt haya sido llevada al cine en varias ocasiones, sin duda ésta es una de las más interesantes aproximaciones a la vida del pintor holandés.

mmm.jpg

Año de producción: 1936

País: Reino unido

Dirección: Alexander Korda

Duración: 85 min.

Público apropiado: Jóvenes

Género: Biográfico Drama






Vermer

1.jpg
La joven de la perla también conocida como Muchacha con turbante es una de las obras maestras del pintor holandés Johannes Vermeer y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra en el Mauritshuis en La Haya. A veces se la denomina como "la Mona Lisa del Norte" o "la Mona Lisa holandesa".
Con respecto a esta película que lleva como nombre “La Joven de la perla” vemos como trascurre la creación de una de las obras más reconocidas de Vermeer y algunos aspectos psicológicos del artista que nos llevaran a entender su personalidad.
La historia transcurre de esta forma: Una joven Griet entra a servir en casa de Johannes Vermeer después que su padre quedara ciego tras una explosión. Esta joven comienza a inmiscuirse sentimentalmente con el pintor. Por otro lado, Maria Thins, la suegra de Vermeer, al ver que Griet se ha convertido en la musa del pintor, decide no entrometerse en su relación con la esperanza de que su yerno pinte más cuadros. Griet se enamora cada vez más de Vermeer, aunque no está segura de cuáles son los sentimientos del pintor hacia ella. Griet pasa por muchos conflictos, por la peligrosa relación expuesta por la volátil esposa de Vermeer.
Van Ruijven, quien era el jefe de Vermeer se sentía frustrado por no poder manejar a su antojo al artista. Este sentía también cosas por la joven criada, consciente de la relación entre ambos idea un plan para que Vermeer reciba el encargo de pintar a Griet sola. El resultado de todo esto será una magnífica obra de arte.
Según los datos de la historia cuentan que Vermeer enfermó y murió el 15 de diciembre de 1675, donde fue enterrado en el sepulcro familiar de la
Oude Kerk (Iglesia vieja, en español) en Delft. Su mujer tuvo que renunciar a su herencia para anular las deudas y sus bienes fueron a parar sus acreedores.




1942-la.joven.de.la.perla-.jpg
Título: La joven de la perla
Dirección: Peter Webber
País: El Reino Unido, Luxemburgo
Año: 2003
Fecha de estreno: 20/02/2004
Duración: 100 min.





ELECTROPOLIS 2011

DSC06913.JPG


Hoy en día la tecnología nos sorprende cada vez mas y no es la excepción del pasado viernes 30 de Septiembre, especificamente en la plaza de Lourdes. Allí se realizo el primer festival multimedia de intervención urbana en el que confluyen las proyecciones tridimensionales y el video-arte. Electropolis contó con el apoyo de la empresa Intel más el departamento de Arte de la Universidad de los Andes, estos fueron los principales organizadores de un evento que sigue llamando la atención de quienes no conocíamos el video Mapping. A mi parecer es muy importante poder utilizar la tecnología en cosas positivas como lo es en la creación de nuevas artes, más que en la utilización de fines negativos, es por esto que me agradó mucho el poder apreciar este tipo de evento, para así ampliar mi conocimiento y ver como la creatividad juega un papel fundamental, expresando así un pensamiento o una ideología. Por lo leído acerca de esta nueva invención humana, la técnica del mapping se ha usado extensivamente en publicidad y en diversos espectáculos pero pocas veces como un medio para la reflexión artística, es por eso que me pareció muy bueno lo que puede llegar a generar este tipo de acontecimientos.


La WWW y la Internet

internte.jpg

Para contextualizar un poco la creación de la internet lo haremos comentado que sus inicio se remontan a los años 60, en plena guerra fría, Estados Unidos crea una red exclusivamente militar, esta red se le llamó ARPANET, que contaba con 4 ordenadores distribuidos entre distintas universidades del país. ARPANET siguió creciendo y abriéndose al mundo, ya que cualquier persona con fines académicos o de investigación podía tener acceso a esta. Las funciones militares se desligaron de ARPANET y fueron a parar a MILNET, una nueva red creada por los Estados Unidos. Más tarde La NSF (National Science Fundation) crea su propia red informática llamada NSFNET, que más tarde absorbe a ARPANET, creando así una gran red con propósitos científicos y académicos. El desarrollo de las redes fue abismal, y se crean nuevas redes de libre acceso, que más tarde se unen a NSFNET, formando así el embrión de lo que hoy conocemos como la INTERNET. Pero más que la historia y como sucedió este proceso de creación humana, quisiera hablar de lo que hoy en día es la internet y las páginas web. En el mundo en que hoy vivimos esta es una herramienta primordial en todos los aspectos de nuestra cotidianidad y hemos visto como se han desplazado otras fuentes de información que anteriormente existían, uno de estos ejemplos podría ser, la disminución de audiencia en las bibliotecas, que antes eran uno de los principales núcleos de información académica, o el recurrir a libros fisicos. Hoy esto ha cambiado y gracias al internet podemos explorar un mundo nuevo con el solo hecho de tener una conexión a esta. Es así como todo se va modificando y evolucionando ¿para mejor o peor? la verdad no lose, pero si podemos decir que con mayor frecuencia se crean cosas para la comodidad del ser humano. Una de las herramientas importantes dentro esta gran invención, son las páginas web, este es un documento o información electrónica adaptada para la World Wide Weby (la WWW es un sistema de distribución de información basado en hipertexto o hipermedios enlazados y accesibles a través de internet) que puede ser accedida mediante un navegador para mostrarse en un monitor o un dispositivo móvil. Esta información se encuentra generalmente en formato HTML O XHTML, y puede proporcionar navegación a otras páginas web mediante enlaces de hipertexto. El acceso a las páginas web es realizado mediante su transferencia desde servidores. La web, tal y como la conocemos hoy día, ha permitido un flujo de comunicación global a una escala sin precedentes en la historia humana. Personas que están separadas en el tiempo y el espacio, usando la Web intercambian sus pensamientos más íntimos, o alternativamente sus actitudes y deseos cotidianos, también experimentan experiencias emocionales, ideas políticas, cultura, idiomas, negocios, arte, fotografías, literatura... todo puede ser compartido y esparcido digitalmente con el menor esfuerzo, haciéndolo llegar casi de forma inmediata a cualquier otro punto del planeta. Es así como este avance tecnológico ha cambiado la comunicación del futuro generando nuevas interacciones entre los eres humano. Si hablamos de ventajas y desventajas entre ellas podríamos mencionar que esta información no utiliza recursos físicos como las bibliotecas o la prensa escrita. Sin embargo, la propagación de información a través de la Web no está limitada por el movimiento de volúmenes físicos, o por copias manuales o materiales de información, haciendo duradera y accesible a todas las personas. Gracias a su carácter virtual, la información en la Web puede ser buscada más fácil y eficientemente que en cualquier medio físico, y mucho más rápido de lo que una persona podría conseguir por sí misma.

tech.jpg
Nuevas intereciones
pagina-web-dinamica.jpg
Paginas Web

La Historia del Computador

Los computadores hoy en día son los que dirigen gran parte del mundo, los que se han convertido en una herramienta esencial para la vida de cada individuo, ya se laboral o personal. Es por esto que vamos a dar una pincelada por la historia de esta máquina que ha cambiando el mundo de la comunicación. Como ya sabemos el computador es una máquina electrónica que recibe y procesa datos para convertirlos en información útil, pero esta ha tenido diversos cambios que hacen que cada día sean más eficientes y fáciles de manejar, es por esto que hablaremos de cuatro generaciones en las que se puede sintetizar este proceso de evolución:

Primera Generación (1951 a 1958)

Eckert y Mauchly contribuyeron al desarrollo de computadoras de la Primera Generación formando una compañía privada y construyendo UNIVACI la primera computadora comercial fabricada en Estados Unidos, que el Comité del censo utilizó para evaluar el censo de 1950.Las computadoras de la primera Generación emplearon bulbos que son un dispositivo de control de flujo de corriente eléctrica, también conocido como tubo de vacío, estas procesan la información. Los operadores ingresaban los datos y programas en código especial por medio de tarjetas perforadas. El almacenamiento interno se lograba con un tambor que giraba rápidamente, sobre el cual un dispositivo de lectura/escritura colocaba marcas magnéticas. Sin duda esas computadoras de bulbos eran muchísimo más grandes que las actuales y generaban más calor que los modelos contemporáneos.Fue así como la primera entrada fue con la IBM 701 en 1953. Las siglas IBM quieren decir, Internacional Bussines Machines, es la empresa que consiguió hacer de su modelo de PC un estándar. En otras palabras, es la culpable de que la mayoría de nosotros tengamos un PC que opera con Windows. Después de un lento pero excitante comienzo la IBM 701 se convirtió en un producto comercialmente viable. Sin embargo en 1954 fue introducido el modelo IBM650, el cual es la razón por la que IBM disfruta hoy de una gran parte del mercado de las computadoras. A la mitad de los años 50 IBM y Remington Rand se consolidaban como líderes en la fabricación de computadoras

Segunda Generación (1959-1964)

El transistor hizo posible una nueva generación de computadoras, ya que eran más rápidas, más pequeñas y con menores necesidades de ventilación. Sin embargo el costo seguía muy alto para el presupuesto de una Compañía. Las computadoras de la segunda generación utilizaban redes de núcleos magnéticos en lugar de tambores giratorios para el almacenamiento primario como lo hacia las de la primera generación. Todo se fue simplificando ya que los programas escritos para una computadora podían transferirse a otra con un mínimo esfuerzo y el escribir un programa ya no requería entender plenamente el hardware de la computación.La marina de E.U. utilizó las computadoras de la segunda generación para crear el primer simulador de vuelo. Estas maquinas se comenzaron a usar mucho como en los sistemas para reservación en líneas aéreas, control de tráfico aéreo y simulaciones para uso general y las empresas comenzaron a aplicar las computadoras a tareas de almacenamiento de registros, como manejo de inventarios, nómina y contabilidad.

Tercera Generación (1964-1971)

Las computadoras nuevamente se hicieron más pequeñas, más rápidas, desprendían menos calor y eran energéticamente más eficientes, todo esto porque emergieron el desarrollo de los circuitos integrados (pastillas de silicio) en las cuales se colocan miles de componentes electrónicos, en una integración en miniatura ya que antes del advenimiento de los circuitos integrados, las computadoras estaban diseñadas para aplicaciones matemáticas o de negocios, pero no para las dos cosas. Los circuitos integrados permitieron a los fabricantes de computadoras incrementar la flexibilidad de los programas, y estandarizar sus modelos.La IBM360 una de las primeras computadoras comerciales que usó circuitos integrados, podía realizar tanto análisis numéricos como administración ó procesamiento de archivos, las computadoras trabajaban a tal velocidad que proporcionaban la capacidad de correr más de un programa de manera simultánea Por ejemplo la computadora podía estar calculando la nomina y aceptando pedidos al mismo tiempo.Con la introducción del modelo 360 IBM acaparó el 70% del mercado, para evitar competir directamente con IBM la empresa Digital Equipment Corporation DEC redirigió sus esfuerzos hacia computadoras pequeñas. Mucho menos costosas de comprar y de operar que las computadoras grandes, las mini computadoras se desarrollaron durante la segunda generación pero alcanzaron su mayor auge entre 1960 y 1970.

Cuarta Generación (1971 a los días de Hoy)

La evolución en la tecnología de las computadoras marcan el inicio de la cuarta generación, esto se debe a dos avances significativos en este mercado:

1. Es el reemplazo de las memorias con núcleos magnéticos, por las de chips de silicio.

2. La colocación de muchos más componentes en un Chip: el tamaño reducido del microprocesador y de los chips, fue lo que hizo posible la creación de las computadoras personales. Hoy en día las tecnologías LSI (Integración a gran escala) y VLSI (integración a muy gran escala) permiten que cientos de miles de componentes electrónicos se almacenen en un chip. Usando VLSI (integración a muy gran escala), un fabricante puede hacer que una computadora pequeña compita con una computadora de la primera generación que ocupaba casi un cuarto completo.

Sin duda el avance del tiempo en este objeto tecnológico ha hecho la diferencia entre una y otra generación, pero con el único objetivo de facilitar el trabajo humano. Hoy en día la computación rige el mundo, sobre todo cuando se conoce muchos más avances tecnológicos sobre esta materia, es por esto que este invento sigue haciendo de las suyas en su proceso de evolución.

IBM701.jpg
IBM_650.jpg
ibm-360.jpeg
IBM 701
IBM 650
IBM360

Louis Braille y la escritura para invidentes.

Louis_Braille[2].jpg


En la historia de la humanidad muchos individuos se han destacado por sus aportes intelectuales y científicos, para así construir una mejor sociedad y en otras materias facilitar la vida de las personas. Este no es el caso ajeno de un hombre de nacionalidad francés llamado Louis Braille, el inventor del sistema de lectura y escritura táctil para invidentes, el cual lleva su nombre. Este método consiste en un código de 63 caracteres, constituidos por un rectángulo de seis puntos que conforman una figura determinada. El método Braille es en la actualidad es el sistema de lectura y escritura punteada universalmente adoptado en los programas de educación de invidentes.

¿Pero que fue lo que motivo a este hombre el crear esta técnica tan conocida hoy en día? Louis a los tres años de edad sufrió un accidente que le privó de la vista, cuando trataba de imitar la labor de su padre en el taller familiar de talabartería, dañándose uno de los ojos con un punzón que utilizaba para perforar el cuero. Tiempo después, el ojo enfermo infectó el ojo sano y el pequeño Louis perdió la vista para siempre.

A pesar de su deficiencia física, Braille asistió durante dos años a la escuela de su localidad natal, y aunque demostró ser uno de los alumnos más aventajados, su familia creyó que el muchacho nunca podría aprender a leer y escribir, ni acceder a través de la educación a un prometedor futuro.

Cuando ya cumplió los diez años ingresó en la escuela para jóvenes ciegos de París, una de las primeras instituciones especializadas en este campo que se inauguraron en todo el mundo.

En 1821, un oficial del ejército llamado Charles Barbier de la Serre visitó la escuela para presentar un nuevo sistema de lectura y escritura táctil que podía introducirse en el programa educativo del centro. Era una técnica básica para que los soldados pudieran intercambiarse mensajes en las trincheras durante la noche sin necesidad de hablar, bautizado con el nombre de Sonography. Este consistía en colocar sobre una superficie plana rectangular doce puntos en relieve que, al combinarse, representaban sonidos diferentes.

En los meses siguientes Brailler experimentó con Sonography encontrando diferentes posibilidades y combinaciones hasta que halló una solución idónea para reproducir la fonética básica que sólo requería la utilización de seis puntos en relieve. Continuó trabajando varios años más en el perfeccionamiento del sistema y desarrolló códigos diferentes para la enseñanza de materias como la música y las matemáticas.

Pero como todo genio, sus aportes no se utilizaron de inmediato ya que existieron reticencias entre los docentes sobre la utilidad del sistema, y un profesor de la escuela llegó incluso a prohibir a los jóvenes su aprendizaje, afortunadamente, hubo un efecto alentador entre los alumnos, que, a escondidas, se esmeraban por estudiar las composiciones de puntos ideadas por su compañero. Más tarde Braille se convirtió en profesor de la escuela y se ganó la admiración de todos sus alumnos.

El gran aporte de Louis Braille a la educación y a la calidad de vida de la población invidente fue finalmente reconocido en su país en 1952, cuando se cumplía el centenario de su muerte. Durante el siglo XIX se habían realizado otros intentos para mejorar este método para conseguir que los invidentes pudieran leer y escribir, pero ninguno de los proyectos anteriores al de Braille fue lo bastante bueno.

Es sí como sumamos uno más a la lista de genios reconocidos por sus aportes a la humanidad, dejando así un legado a las futuras generación.



Braille.jpgbraille_alfabeto.jpg





Actividad en Clases.


Leonardo da Vinci y la Anatomía

leonardo-da-vinci.jpg
Leonardo fue, Conocido por artista, pensador e investigador. Nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina. Se destaco por su profundo amor por el conocimiento y la investigación lo que fue la clave para su comportamiento artístico como científico
Al ver este documental puedo admitir lo poco que sabía sobre sus conocimientos y aportes anatómicos a la humanidad, es de esta forma como pude ampliar la percepción que tenía, ya no solo como el artista sino como el gran investigador que fue.
Leonardo conocía perfectamente la anatomía del cuerpo humano, debido a las diversas investigaciones que realizó con cadáveres humanos. El sabía como era cada musculo, tendón, huesos y órganos, ya que a través de su don, el dibujo, pudo plasmar cada elemento del organismo humano, hasta los detalles más imprescindibles. De esta misma forma perfecciono sus pinturas dándole más realismo a cada una de ellas.
Aparte de estos conocimientos, estudia geología, construcción, Botánica, filosofía, música, poesía, e ingeniería militar, aunque su fuerte fue la anatomía. Sus discernimientos de la Antonia eran masivos, pero solo después de su muerte fueron utilizados esporádicamente, ya que tuvieron que pasar varios siglos para que su trabajo anatómico salga a la luz y se publiquen en todo el mundo.
Sin duda Leonardo da Vinci no es el padre de la anatomía, pero si podemos decir que sienta las bases para el descubrimiento del cuerpo humano.
Este gran hombre falleció en Amboise 2 de mayo de 1519, a los 67 años por una de las enfermedades que el mismo investigo, la Arterosclerosis.
Posiblemente no haya en la historia de la humanidad un hombre con un historial tan completo, quien se desarrollara en tantas aéreas, y precisamente este documental fue una ayuda visual muy importante para reconocer cada atributo de este gran personaje del renacimiento.
wwww.JPG




Johannes Gutenberg y la Imprenta
johannes-gutenberg.jpg
Sin duda en la historia de la humanidad ha habido mentes brillantes, las cuales han creado los cimientos de la sociedad en la que hoy vivimos. Este no es el caso ajeno de Johannes Gutenberg, nacido en Maguncia, Alemania, en 1400, su apellido verdadero era Gensfleisch, pero más tarde seria cambiado por el de Gutenberg.
Mucho se ha discutido del merito de la creación de la imprenta por Gutenberg, ya que antiguamente ya los romanos tenían sellos en donde imprimían inscripciones sobre objetos de arcilla, alrededor del año 430 a.c. y el 440 a.c. y entre 1041 y 1048 en la China Bi Sheng creó un sistema de imprenta que estaba elaborada a base de piezas de porcelana.
Es por esto que el verdadero mérito de Gutenberg fue el perfeccionar estas técnicas, hasta conseguir un procedimiento tipográfico el cual permaneció sin cambios hasta los inicios del siglo XX. Para ello procedió a sustituir la madera y piedra por el metal, siendo así mucho mas detallistas en los moldes, para así ser capaces de reproducir tipos metálicos suficientemente regulares como para permitir la composición de textos. Sin duda este aporte fue fundamental para el origen al libro moderno y las bases del mundo de la comunicación actual.

La creación de libros, facilito el acceso de un mayor número de personas en todo el mundo, para así aprender a leer y escribir, lo cual conllevo cambios radicales y trasformaciones en la política, religión, las artes y la cultura.

Lamentablemente Gutenberg no disfruto mucho de su aporte a la historia, ya que más tarde su prestamista le pidió el pago de su crédito, aquel dinero que se estaba utilizando para la impresión de su propia biblia. Esto lo llevo a perder su imprenta y todos los ejemplares de su creación.

El inventor muere el 3 de febrero de 1468, pero dejo su huella en la historia la cual fue marcada por el predominio de la letra impresa.









LINK EXPO::
http://prezi.com/rueqssgneuyp/la-vestimenta-en-el-renacimiento/?auth_key=07cc18544e63ad024c8f596882fc201c270edd0c



Capítulo 10
Mecanización de la Tipografía



La conversión de la sociedad agrícola a la sociedad industrial se dio por el impulso de la energía y algunos cambios desarrollados en esta época fueron los siguientes: James Watt perfeccionó la máquina de vapor, durante el transcurso del siglo XIX la cantidad de energía generada por vapor se incrementó por más de 100 veces.
Durante la últimas tres décadas del siglo, la electricidad y los motores de gasolina aumentaron más productividad.
La gente abandonó la tierra como medio de subsistencia y busco empleo en las fábricas, las ciudades crecieron rápidamente y la riqueza se distribuyó más ampliamente. Se estableció un ciclo de producción en espiral. La demanda de la población urbana crecía de forma acelerada, a la par que su poder adquisitivo, lo que estimuló su desarrollo tecnológico.
Las artes gráficas desempeñaron un papel importante en la producción industrial. Sin embargo, no todo fue positivo ya que los trabajadores que cambiaron lo urbano por lo rural, trabajaron jornadas muy extensas recibiendo salarios muy bajos. Los críticos de la nueva época industrial se quejaron de que la civilización estaba sustituyendo el interés en los valores humanos hacia una preocupación por los bienes materiales.
Las comunicaciones graficas cobraron mayor importancia y estuvieron disponibles durante este periodo de inestabilidad y de cambios. Es así como la época de las comunicaciones en masa se inició.
La naturaleza de la comunicación visual cambió la variedad de tamaños tipográficos y los estilos de letras aumentaron. La fotografía también jugó un papel importante en la documentación visual.
Las Innovaciones en la tipografía, se produjeron con el cambio de la sociedad urbana e industrializada produjo una rápida expansión de trabajos de impresión. Los impresores tipográficos estaban bajo una fuerte presión competitiva por parte de los litográficos. También recurrieron a los fundidores de tipos para ampliar sus posibilidades de diseño. En Londres, Inglaterra, los fundidores de tipos lograron importantes innovaciones de diseño.
También se condujo a la invención de caracteres gruesos, una categoría importante de diseño de tipos.
Al final del siglo, Vincent Figgins había diseñado y fundido una completa variedad de letras romanas y había comenzado a producir caracteres tipográficos para eruditos y extranjeros. En 1845, William Thorowgood and Company adquirieron los derechos de autor de una variación de letra egipcia llamada ‘Clarendon’.
El muestrario de Figgins de 1815, también presentaba la primera versión del siglo XIX de letras de estilo Toscan. Al parecer, los ingleses fundidores de letras trataban de inventar cada variación de diseño posible. La mecanización del proceso de mecanización durante la Revolución Industrial hizo que la ampliación de la decoración fuera más económica y eficiente. Durante la primera mitad del siglo, retratos, motivos florales y diseños decorativos fueron aplicados en las muestras de tipos de letras, la tercera innovación tipográfica más importante de principios del siglo XIX fue el tipo Sans-Serif, cuya característica mas obvia fue la ausencia de patines. La letra sin patines llamó poco la atención, lo hizo tan solo hasta principios de 1830, cuando varios fundidores de tipos introdujeron varios tipos de letras sin patines.
Muchos impresores encontraron que las letras grandes en metal eran muy costosas, quebradizas y pesadas. Es por esto que el impresor estadounidense Darius Wells comenzó a experimentar con caracteres en madera tallados a mano. En 1827 inventó un delineador lateral que permitió la fabricación masiva y económica de estos.
A partir de marzo de 1928, cuando Wells puso en marcha estos tipos con sus primeras hojas de muestrario, los estadounidenses importaron de Europa diseños de letra y exportaron a esos mismos países los tipos de letra para la imprenta en madera. Con el delineador de 1834, fue posible introducir nuevos tipos de maderas y era tan fácil que los mismos a clientes podían mandar un dibujo con la letra deseada.
La creciente demanda de los carteles públicos iba desde circos ambulantes, compañías de teatro hasta tiendas de ropa.
El progreso ininterrumpido de la Revolución Industrial alteró de forma radical la impresión. Los inventores aplicaron la teoría mecánica y partes metálicas a la presa de mano, lo que aumento su eficiencia y tamaño de la impresión. Estas innovaciones sirvieron para mejorar un oficio parcialmente mecanizado.






Capitulo 9
Una época de genios tipográficos
La innovación en el diseño grafico y la imprenta declino durante los últimos años del siglo XVI. Por un esfuerzo de mejorar esto, Luis XIII de Francia, estableció la imprenta real en 1640, para construir las nuevas letras mayúsculas romanas. Al nuevo tipo de letras se le llamo romain du roi.Los tipos diseñados para la imprenta eran exclusivamente para el uso real, ya que cualquier otra utilización contenía un delito capital. El nuevo libro que empleo los tipos fue medailles en 1702.
Luis_XIII_de_Francia
Luis XIII de Francia


Diseño gráfico en la era del Rococó

El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1720 hasta y 1770. El rococó se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros, predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos, e arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos, es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.Pierre Simón Fournier, a la edad de 24 años estableció una operación independiente de diseño de tipo y fundición, después de estudiar arte, dirigida por su hermano mayor.En el siglo XVII el tamaño de los tipos eran caóticos debido a que cada fundidora tenía sus propias medidas y nomenclatura. En el año 1737 Fournier inicio la estandarización del tamaño de los tipos, cuando publico su primera tabla de proporciones. En 1742 el joven publico su primer libro de modelos, este libro presenta 4600 caracteres que el mismo diseño y tallo durante seis años. Este hombre también influencio la decoración con flores tipográficas con efecto decorativo.Su imprenta se llamo “La Artillería del Intelecto”, puede decirse que Fournier el joven surtió a los impresores del rococó un sistema completo de diseño. Durante muchos años Fournier planeo un manual typographique de cuatro volúmenes, en donde solo publico dos type, tallado y fundido en el año 1764. Fournier produjo más innovaciones en la tipografía y tuvo un impacto en el diseño grafico mayor que cualquier otra persona de su época.El grabado floreció durante el siglo XVIII debido a que su línea libre era un medio ideal para expresar las curvas floridas de la sensibilidad de rococó. Esta práctica se hizo preferida para las etiquetas, las tarjetas de comer y los anuncios.
Pierre_Simón_Fournier.jpg

Pierre Simón Fournier

Caslon Baskerville

Inglaterra busco en el continente los modelos predominantes del diseño y la tipografía durante más de dos siglos y medio después de la invención de tipo móvil.

Las ideas sobre la impresión y el diseño fueron importantes a través del canal de la mancha desde Holanda. William Caslon abrió su propio negocio añadiendo a su repertorio de habilidades los filetes de plata, el corte de adornos y los sellos de letras para encuadernadores. El impresor ingles William Bowyer animo a Caslon para emprender el diseño de tipos y fundición, cosa que lo hizo en 1720, su primer libro encargado fue una fundición arábiga para la sociedad promotora del conocimiento católico, con el cual su reputación llego al máximo. Más tarde el impresor Benjamín Franklin introdujo los tipos de Caslon en las colonias americanas. La fundición de Caslon continúo bajo sus herederos y opero hasta 1960.

William trabajo con la tradición del diseño tipográfico romano estilo antiguo que había empezado hacia unos 200 años atrás durante el renacimiento italiano, esta tradición había sido destacada por John Baskerville, un innovador que rompió con las reglas predominantes del diseño e impresión. Los diseños de tipos de Baskerville, que llevan su nombre hasta hoy, representan el punto culminante de estilo transitorio que forma el puente entre el diseño de estilo antiguo y el moderno.

Los diversos ensayos y errores de Baskerville lo llevaron a perfeccionar las tintas y avances importantes en el papel. Puesto que Baskerville guardaba celosamente todas sus innovaciones, solo se puede adivinar cuál de estos eran los métodos para sus creaciones. Aunque su trabajo había alcanzado un alto nivel de calidad los celos profesionales de los críticos de Baskerville hicieron que lo descartaran como un “amateur”. Mientras Baskerville se enfrentaba a la indiferencia en las islas británicas, el diseño de sus tipos y de sus libros se volvió de importante influencia en el continente, gracias a Giambattista Bodoni y la familia Didot quienes reconocieron su trabajo.


Caslon_portrait.jpg
John_Baskerville
William Caslon
John Baskerville
El Estilo Moderno

Giambattista Bodoni, fue un innovador impresor y tipógrafo italiano. Trabajaba inicialmente en roma para reordenar el patrimonio tipográfico de la imprenta vaticana, concretamente en la célebre sacrae congregationis de fide, que se dedica a la impresión de publicaciones religiosas, donde pronto se destaca y se convierte en el protegido del abad ruggieri. Bodoni recibe una carta del infante don Ferdinando, luego duque, en la que le ofrece la dirección de la imprenta real de parma. El acepta y se instala en la ciudad en 1768, ciudad que no abandonará hasta su muerte. Inicialmente utiliza los caracteres de Pierre Simón Fournier, referencia en aquella época pero pronto se distinguen de éstos por el contraste acentuado y la estructura vertical bien cuadrada, el afinamiento y la horizontalidad de las zapatillas.Las ediciones de Bodoni tuvieron un enorme éxito debido a la excelente calidad de las mismas, utilizando para ello ricas ilustraciones y elegantes tipografías. En 1788 publicó el primer volumen del manual tipográfico, el más importante tratado sobre tipografía de la época. Bodoni incluyó en el manual principios que constituyen la belleza de una tipografía:Su aparición desplazó a las tipografías antiguas y transicionales gracias al enorme contraste existente entre las líneas finas y gruesas, sus remates delgados y rectos y su apariencia clara y racional.Muere en 1813, luego de una vida plena de honores. En 1818, su viuda Signora Bodoni y su asistente Luigi Orsi, varios años después de la muerte de Bodoni (1813) publican el resto de volúmenes del manuales tipográfico, el cual, a pesar de estar inconcluso, es una de las joyas de la tipografía moderna, un libro maravillosamente impreso y de enorme rareza, que quedó como el testamento artístico del tipógrafo más importante de su época.François Didot. Primogénito de François Didot, reconocido librero e impresor y principal responsable de la internacionalización del apellido de la familia. La constante en su trabajo como impresor fue mejorar sus ediciones hasta el punto de hacerlas inigualables y codiciadas en toda Europa. La influencia de la familia Didot, la más célebre familia de impresores franceses que comenzó a trabajar en este oficio en el siglo XVIII y continúa hasta nuestros días.Todo comenzó con François Didot, padre de once hijos. De todos ellos, el que le dio renombre internacional a la familia fue François Ambroise Didot (parís 7 de enero de 1730 – 10 de julio de 1804). didot revisaría el sistema de puntos de Fournier y define un nuevo sistema de medida: el punto Didot, que es igual a 0,376 mm. Introdujo el papel vitela en Francia y incorporaría importantes avances científicos a su taller en estrecha colaboración con su hijo Firmin Didot, crea un nuevo tipo de letra, caracterizada por la regularidad del trazo, así como por el abandono definitivo de los residuos del estilo caligráfico que supone en definitiva, el abandono de la tendencia barroca en favor del nuevo estilo neoclásico.La tipografía Didot, junto a la Bodoni en Italia definieron las características del nuevo estilo romano moderno con su extrema tensión vertical, gran contraste entre palos finos y gruesos proporcionándoles una apariencia muy clara y elegante. Su éxito fue tal que se convirtió en el tipo de Francia y en el estándar nacional para las publicaciones francesas.Los márgenes generosos realzaron la tipografía moderna de Firmin Didot, la cual era aun más precisa y mecánica que la de Bodoni. Bodoni y los Didot eran espíritus rivales y afines, por lo que las comparaciones y las especulaciones son que quien innovaba y quien imitaba se hicieron inevitables.

Giambattista_Bodoni
François_Didot.gif
Giambattista Bodoni
François Didot

Una impresión Iluminada de William Blake

Al aprender grabado y estudiar el la real academia, Blake abrió una imprenta a la edad de 27 años, donde lo asistía su hermano menos Robert. Después de la muerte prematura de Robert, tres años más tarde, Blake conto a sus amigos que Robert se le aparecía en sueños y le decía que imprimiera sus poemas e ilustraciones en relieve sin tipografía, cosa que saco adelante. Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado sería perjudicial para entender la magnitud de su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos medios de un esfuerzo espiritual unificado, y son inseparables para apreciar correctamente su trabajo. Por esta razón, las ediciones ilustradas de la obra de Blake no habían sido especialmente valoradas en el pasado, hasta que los avances en las técnicas de impresión han permitido una mayor difusión, al hacerse éstas más accesibles.
William_Blake.jpg
William Blake



Capitulo 8
El Diseño Gráfico del Renacimiento
cartel_renacimiento_1.jpg


Orígenes del RenacimientoEl renacimiento tuvo su origen en Italia en los siglos XIV y XV, llegando a su apogeo al iniciarse el siglo XVI. De Italia se extiende lentamente por Europa excepto Rusia. A lo largo de los cincuenta años que van desde 1520 a 1570, discurre la madura plenitud del Renacimiento y también se percibe su puesta. Toda la Europa de Occidente toma parte ahora en el movimiento de las artes y de las letras. La recepción de los gustos italianos se generaliza, los grandes maestros surgen ya no solo en Italia, sino en todo el ámbito de las monarquías occidentales.Pero el desarrollo normal de la cultura renacentista se ve afectada por el hecho simultáneo de las luchas religiosas derivadas de la revolución protestante. Así, en Alemania, se corto el brote renacentista, al igual que en Francia con las guerras civiles de la segunda mitad de quinientos. Además en los países adheridos a las confesiones protestantes, el credo iconoclasta de los nuevos evangelios suprimió la ocasión de ejercitar el mecenazgo eclesiástico y, al menos en la pintura y la escultura, suprimió la temática abundante de los motivos iconográficos, con la rara salvedad de los temas bíblicos.

El Diseño Gráfico del Renacimiento Italiano.

En Venecia se inicio el cambio de diseño tipográfico del libro italiano. Johannes de Spira, orfebre de Maguncia se le otorgo el monopolio de la imprenta durante cinco años. Con la muerte inesperada de Johannes de Spira, su hermano heredo la imprenta, aunque no significo el derecho exclusivo de imprimir en Venecia.

Nicolás Jenson proveniente de Francia, monto la segunda imprenta en Venecia, casi de inmediato después de la muerte de Spira. Se comenta que Jenson fue muy destacado en su oficio siendo uno de los diseñadores más importantes de la historia. Durante su última década de la vida Jenson diseño fundiciones griegas y góticas e imprimió aproximadamente 150 libros, que le aportaron dinero y fama. Otras de las cosas que se destaca este hombre es la precisión de su trabajo.Como antecedentes de la época, en el renacimiento se produce una inclinación hacia la decoración con flores ya sean en la arquitectura o en los manuscritos y la tipografía fue llamada como “escritura artificial”Erhard Ratdolt de Ausburgo fue un gran maestro impresor, diseñador de tipos y el tipógrafo más creativo de finales del siglo XV y principios del XVI. Desde 1474 a 1486 trabajó en Venecia imprimiendo bellos libros para los que empleaba grabados xilográficos e iniciales decoradas. Ratdolt se especializó en misales, trabajos litúrgicos, calendarios y ediciones sobre astronomía, astrología y matemáticas y solía incluir diagramas que ilustraban el texto. Con la creación de calendarios, se dejo de lado las diversas supersticiones, como ejemplo: los eclipses pasaron de ser magia negra a un hecho predecible por estos. Otros aportes que realizo Ratdolt fue el uso de orilla e iniciales grabadas con elementos de diseño. Cuando Ratdolt decide dejar Venecia y regresar a Asburgo, publico su regreso imprimiendo el primer modelo de hoja suelta. Pero como todo buen aporte sus avances no fueron utilizados inmediatamente por otros impresores en Venecia, ya que la decoración no comienza sino hasta que termine el siglo.Aldus Manutius, un importante erudito del renacimiento italiano estableció una imprenta a sus 45 años todo esto para precisar su propia visión de los trabajos más importantes de los grandes pensadores del mundo griego y romano, en donde llamo a Francesco de Bologna apodado Griffo como uno de sus colaboradores. Los tipos de letras de Griffo se convirtieron en el modelo para diseñadores de los tipos franceses, los que se perfeccionaron en el siglo siguiente. Manutius puso fin a la época con su edición del año 1499 con “la lucha del amor en un sueño o el sueño de Poliphili” siendo el único libro ilustrado de Manutius. En 1501 este advirtió la necesidad de editar libros de bolsillo que fueran más económicos y accesibles a todos.El libro tipográfico llego a Italia desde Alemania como un libro manuscrito impreso en tipos.
Nicolas_Jerson_1.jpg
Erhard_Ratdolt_2.gif
Aldus_Manutius_3.jpeg
Francesco_de_Bologna_apodado_Griffo_4.jpg
Nicolas Jenson
Erhard Ratdolt
Aldus Manutius
Francesco de Bologna apodado Griffo


Los maestros italianos de la escritura

Con el crecimiento del alfabetismo se creó una gran demanda de maestros para enseñar la escritura, es por esto que Ludovico Arrighi de nacionalidad italiana, fue el primero en crear un manual para tal utilización, aunque después Giova Battista produce manuales más completos El renacimiento en Italia comenzó a debilitarse por los saqueos a Roma en 1527 y una de las víctimas de este ultraje fue Ludovico Arrighi quien desapareció sin dejar ningún rastro

Las innovaciones pasan a FranciaEl rey francés Carlos VIII en el año 1494 cruza a Italia con vientos de Conquista, aunque se logro poco. Más tarde Francisco I ascendió al trono, con quien floreció el renacimiento francés dándoles apoyo a todos los artistas.Sin embargo a pesar de la guerra y la censura, el espíritu humanista se hacía presente en Francia, lo que produjo una excelente escolaridad, como una escuela elegante de diseño grafico.Geoffroy Tory, se emplea como profesor en los colegios de Plessis, Coqueret y Borgoña, enseñando Gramática y Filosofía y en su tiempo libre se dedica a traducir y corregir textos clásicos latinos para los impresores parisinos. Después procedió a desarrollar el estilo único del renacimiento francés del diseño del libro y la ilustración. La influencia de Tory cobro fuerza en 1525 con el libro de las horas, impreso por Simon DeColines.Más tarde Robert Estienne alcanzo una gran reputación como impresor, al mismo tiempo que Colines quien se gano la reputación de elegancia y claridad de sus diseños de libros. Durante 1540 Robert fue atrapado por el torbellino de la reforma y aunque el tenia la protección del rey Francisco I, termino con la muerte del rey y de su trabajo como impresor de biblias.En 1549 tras su visita a Ginebra se encontró con el líder de la reforma protestante Juan Calvino, siendo un principal acontecimiento para llevar al año siguiente su empresa a ese lugar. Por lo leído sabemos que el no tuvo un final feliz ya que fue quemado en la hoguera y sus libros puestos en el está para avivar el fuego.Durante la época de oro de la tipografía francesa la estructura y el tono unificados del libro francés, fueron admirados en todo el continente. Los impresores empezaron a emular la elegancia y claridad de los libros parisinos. Después de Paris, el mayor centro de impresión en Francia era Lyon. En 1542, Jean de Tournes abrió su firma en Lyon utilizando los tipos de Garamond con las iniciales y los ornamentos diseñados por tory cosa que no le simpatizaba mucho a Tournes al imitar el diseño grafico parisino.El primero de marzo de 1562 un conflicto en las tropas francesas y una congregación de la iglesia de la reforma, término en una masacre, este evento puso fin a las innovaciones de la edad de otro de la tipografía francesa. Es por esta razón que muchos impresores huyeron Suiza, Inglaterra y los países bajos. Es así como la innovación del diseño grafico paso de Italia a Francia y de Francia los países bajosEn el siglo XVII fue una época tranquila para el diseño grafico y de notable progreso. La imprenta llego a las colonias norteamericanas durante este siglo. A pesar de la fuerte censura y de los impuestos sobre periódicos y la publicidad, la imprenta creció en demasía en las colonias. Hacia 1775 había 50 impresores en las 13 colonias, que alimentaban la fiebre revolucionaria que se estaba gestando, ya que la imprenta ayudo e impulso a las colonias hacia la revolución tal cual paso en Europa con la reforma protestante, siendo esta una herramienta fundamental de esparcimiento de informaciónDurante este siglo, Holanda prospero como una nación mercantil y navegante y sus logros culturales incluyen a maestros como Rembrandt y Vermeer. Los libros también se convirtieron en un importante artículo de exportación.

Francisco_I.JPG
Reconstrucción_dibujada_de_la_Q_de_'Champ_Fleury'_de_Geoffroy_Tory,.jpg
Robert_Estienne.jpg
Jean_de_Tournes.jpeg
Francisco I Rey de Francia
Reconstrucción dibujada de la Q de 'Champ Fleury' de Geoffroy Tory.
Robert Estienne
Jean de Tournes





Capitulo 7 “El libro Alemán Ilustrado”.
Los escritores del siglo XVII adoptaron el nombre de “Incunabula”, que en latín significa “Cuna”, para el periodo que se extiende desde la creación de la imprenta por Gutenberg, hasta el final de siglo. En este periodo que comprende a la historia del ser humano el aporte de la imprenta, produjo un gran avance en educación, cultura y la formación de los mismos. Este invento se expandió en 1480 por el norte de Europa y finalmente por todo el mundo.
Pero este proceso de educación, mediante los diversos libros que ahora si estaban al alcance de la mayoría, no fue fácil ya que en algunos lugares como en Italia, los copistas de Cenova se unieron para no permitir el ingreso de las imprentas en aquel pueblo, lo cual no se llevo a efecto, por la negación del consejo de la cuidad. Otra consecuencia que trajo la implementación de la imprenta fue la baja de libros manuscritos cosa que los iluminadores parisinos presentaron demandas en la corte por la aquella situación. Sin duda la ola de progreso por parte de la imprenta no paro y cada vez fue declinado los libros manuscritos. Dentro de la comunicación la tipografía es el adelanto más importante para el desarrollo de las sociedades, esta jugó un papel fundamental en las revoluciones sociales, económicas y sobre todo religiosas.
La imprenta además de ser un medio de propagación de información unifico muchas naciones con base en sus ideales y disminuyo el analfabetismo en la sociedad campesina.
Los innovadores del renacimiento crean dos visiones que alteraron la percepción de la información: primero, la pintura evocando ilusiones del mundo natural en una superficie plana y segundo la tipografía que creó un orden de la información y un espacio secuencial e irrepetible. Con base en esto se produce un pensamiento lógico lo cual se convirtió en las base de la investigación científica. Un ejemplo de esto es el aumento del estudio de la biblia por las personas sin necesidad de depender de las interpretaciones de los líderes religiosos, lo cual causo la reforma que dividió el cristianismo con Martin Lutero, cosa que hubiera sido casi imposible sin la imprenta.
La innovación en el diseño tuvo gran cabida en Alemania, en donde los artistas grabadores de madera e impresos tipográficos colaboraron de gran manera para crear el Libro Ilustrado.



1_imporenta_antigua.gif
libro_manuscritos_1.jpg
El_libro_manuscrito_alcanza_su_más_alto_nivel_con_el_libro_gótico,_justo_antes_de_la_aparición_de_la_imprenta..jpg
Imprenta Antigua
Libro Manuscritos
El libro manuscrito alcanza su más alto nivel con el libro gótico,justo antes de la aparición de la imprenta.



La_biblia_de_lutero.jpg
Aparición_de_las_Universidades.jpg
La biblia de Lutero
Aparición de las Universidades

El desarrollo del libro Ilustrado

Los centros de impresión se convirtieron también en centros de producción de libros ilustrados, con bloques de madera. El primer libro tipográfico con ilustraciones de grabados en madera fue Der Ackerman Aits impreso por Bamberg en 1460.
En 1470 Gunther Zainer comenzó una imprenta de libros ilustrados en Asburgo, el primer libro ilustrado uso letra gótica redondeada y grabados en madera. Aunque sus inicios no fueron fáciles ya que tuvo algunos problemas con el gremio de grabadores de Asburgo cosa que después mejora al tener un acuerdo con dicho grupo. Sin duda la fortuna le sonrió a Gunther Zainer, ya que gracias a su trabajo se convirtió en un hombre muy adinerado e influyente.
Con esta nueva técnica el libro impreso se fue haciendo independiente del manuscrito, ya que ahora las ilustraciones también se podían imprimir. Después se introdujeron sombras y otras técnicas de ilustración.
Como dato curioso en 1497 la miniaturización de libros se diseño para la biblia de Johann Froben, con páginas de 11.5 por 17cm y tan solo 6.4cm de grueso. De esta misma forma otros hombres diseñaron sus propios libros según sus fines.
En 1490 los impresores tuvieron diversos problemas para vender los libros de gran tamaño, como lo eran casi todos en su mayoría, por el alto costo de la inversión es por esto que comenzaron a adaptar a formatos más pequeños en donde se invertía menos y eran más accesible para el público, sin embargo Koberger continuo con la publicación de libros grandes. Entre sus piezas se destaca: En 1491 El “Schatzbehalter”, un tratado religioso con 92 páginas, en 1493 “Liber Chronicarum” de 600 páginas y la crónica de Nuremberg con 1809 ilustraciones grabadas.
Koberger fue padrino de Alberto Durero, cuyo padre era orfebre, este lo coloco de aprendiz en el año 1486 con Michael Wolgeniuth durante un periodo de cuatro años. Durero era artista grafico y pintor, cuando tenía 27 años fue aclamado por lo largo de Europa, después de la publicación en alemán y latín de El apocalipsis en 1498, utilizando las mejores técnicas. Durero se convirtió en el personaje más importante del intercambio cultural debido a sus diversos viajes que le ayudaron adquirir conocimiento, a lo cual agrego que percibía que los artistas alemanes producían trabajos inferiores a los italianos, lo cual lo incentivo a crear el primero de tres libros Underweisung der Messung Mit den Zirckel and Richtscheyt (un curso arte de la mediación con el compás y la regla en 1525.
Cuando se habla de un pliego suelto, era una hoja de papel impresa por una sola cara, pero cuando ambas estaban impresas se llamaba hoja suelta y cuando esa hoja se doblaba el resultado era un follero y más tarde un periódico, esto se convirtió clave en difusión de la información. El diseño de un pliego suelto generalmente era asusto del compositor, quien podía disponer del espacio y tipografía, en cambio las ilustraciones en bloques de madera eran dirigidas a los artistas.
Durante la primera década del siglo XIX Brasilea igualo a Nurember como uno de los centros importantes de diseño de libros e impresión. Johann Froben visito una universidad de Brasilea, en donde quien comenzó a imprimir en el año 1497, quien llego a convertirse en el impresor más importante del territorio. En 1519 llega a Brasilia Hans Holbein, un pintor de 23 años, comprometido con Froben para la ilustración de libros. Su mayor obra grafica fue, los 41 grabados ilustrados imageries Mortis (la danza de la muerte), las tumbas esqueletos, cadáveres, tumbas era un tema importante en las artes visuales así como en la música, el drama y la poesía. Después de la muerte de Froben Iohann Oporinus se convirtió en el principal impresor de Brasilea con su obra de 667 páginas, este importante libro está ilustrado con cuerpos disecados bajo la supervisión de Vesalius.
En la universidad en Wittenber se dio de mucha importancia la `presencia de Martin Lutero y a los impresos allí producidos. Lutero encuentra un artista Lucas Cranach, este operaba un taller de imprenta, una librena y una fábrica de papel. Cranach apoyo la reforma con gran entusiasmo retratándola los reformadores y su causa en libros y pliegos sueltos. Aunque como dato curioso podemos decir que Cranach aceptaba trabajos de sus clientes católicos, y muchos de los grabados que produjo la biblia Luterana fueron usados para ediciones posteriores la biblia católica.
1477_Gunther_Zainer.jpg
Gunther_Zainer_Primeros_libros_ilustrados_en_Asburgo,.jpg
1477 Gunther Zainer
Gunther Zainer Primeros libros ilustrados en Asburgo

Alberto_Durero.jpg
Johann_Froben_creador_de_la_biblia_en_miniaturiz.jpg
Johannes_von_Tepl_Der_Ackermann_aus_Böhmen_2.jpg
Alberto Durero, el artista más famoso del Renacimiento Alemán
Johann Froben creador de la biblia en miniatura
Johannes von Tepl Der Ackermann aus Böhmen

La Tipografía se Propaga desde Alemania

Italia quien estuvo a la vanguardia de estas nuevas técnicas, fue quien patrocino la imprenta en Alemania. En 1465 el cardenal Turrecremata del monasterio benedictino de subiaco, invito a impresores como conrad Sweynheym y Arnold pannartz para establecer una imprenta en donde saldría clásicos latinos y aportes del cardenal.Estos dos impresores marcaron el paso a la tipografía de estilo romano, basados en la escritura desarrollado por los copistas italianos. También crearon un alfabeto doble tipográfico al combinar las letras mayúsculas de las antiguas inscripciones romanas, después de tres años ambos se mudan a Roma, en donde crearon el alfabeto romano más completo que es un prototipo de los actuales. La sociedad de Sweynheym y Pannart sufre un colapso financiero lo que hade que se disuelva.Los primeros volúmenes impresos en Italia siguen el patrón de los libros alemanes, aunque diez ciudades de Italia tenían impresores no podían absorber la oferta repentina de libros.William Caxton aprendiz del gremio del textil aprendió más tarde la imprenta en donde el año 1470 tradujo Hecuyell of the Histories of Troy del francés al ingles que el 1475 se convierte en el primer libro tipográfico de la lengua inglesa.Cuando Caxton fue obligado a salir de la cuidad por sus acreedores llevo sus tipos e imprenta ubicándose al otro lado del canal tie la Manilla en donde se estableció la primera imprenta en suelo ingles, donde imprimió también el primer libro en Inglaterra el Sign of the Red Pail. Este hombre fue primordial en el desarrollo de la lengua nacional inglesa por su trabajo tipográfico.Después de su muerte su capataz continúo con el trabajo de Caxton, y publico 400 en las siguientes cuatro décadas.La Imprenta llego a Francia en 1470 cuando tres impresores Alemanes Michael Freiburger, Ultrich Gerina y Martin Kranz llegaron a ese territorio patrocinados por el prior y bibliotecario de la Sorbona. En 1473 empezaron a imprimir con tipos góticos que eran más fáciles para el público francés, mas tarde en 1486 Jean Dupre imprimió el primer libro francés destacado, La Cite de Dieu (La cuidad de Dios).España también adquirió tres impresores, que llegaron a Valencia en 1473, una de las firmas más importantes de Alemania. Una de las obras más destacadas se encuentra la Polyglot Bible.Con el descubrimiento de Cristóbal Colon en 1492 sucedieron grandes cambios para ese continente ya que en 1539, el arzobispo de México Juan de Zumarraga hizo los arreglos necesario para establecer la imprenta en el nuevo mundo con el fin de crear libros de instrucción y conversión de los indios.

8.jpg
caxton_william.jpg
Polyglot_Bible.jpg
juan_de_zumarraga.jpg

William Caxton

Polyglot Bible
Arzobispo de México Juan de Zumarraga




Ejercicio de creatividad.
Una palabra: Tiempo”

Andrés es un hombre alto, corpulento, ojos claros, elegante, de temperamento frio y muy precavido. Su cotidianidad se encuentra marcada y basada por el tiempo, ya que todo lo tiene debidamente medido según los segundos, minutos y horas de cada día. Cada movimiento, acción y respuesta la realiza teniendo en cuenta el tiempo que le destinara a cada suceso que ocurre diariamente en su vida. Es una persona dependiente, calculadora y sumamente organizada.
¿Pero qué pasaría si en algún momento no pudiera medir el tiempo?, sin duda se descontrolaría completamente y su vida no sería igual, ya que todo ese orden y pulcritud al momento de hacer las cosas tomarían otro camino y no seguirían ese patrón de orden que lo ha marcado a lo largo de su existencia.


Producto o solución: Este hombre de negocios no podría vivir sin su reloj, quien le da la guía a seguir a cada momento del día.

Reloj_A.jpg



Boletín

maqueta_1.JPG

maqueta_2.JPG

maqueta_3.JPG

maqueta_4.JPG




El Arte y la violencia
El ser humano tiene la capacidad de de trasformar y crear nuevas cosas, con fines positivos, y es gracias a esta capacidad de pensar la que nos hace ser una sociedad frente a otras especies que habita este mundo. ¿Pero qué pasa cuando esa cualidad que nos caracteriza como seres humanos no la utilizamos adecuadamente? La violencia es una conducta que hoy en día afecta a un gran número de personas y es la causal de que este mundo se vuelva cada vez más insensible con quienes nos rodean. Sin duda quienes se oponen a estas prácticas de frivolidad intentan por sus propios medios hacer que la gente cambie esa visión que tiene contra los diversos problemas sociales que afectan a la gran mayoría y dejar esa individualidad de lado para así ayudarnos los unos a los otros.
El arte es una de esas herramientas que nos ayuda a entender de una forma diferente las problemáticas que aquejan a nuestra sociedad. Mediante el arte se puede trasformar y crear con fines positivos, lo cual queda plasmado en un objeto, que nos puede trasmitir un sentimiento, una visión o un mensaje.
Es por esta razón que los artistas de todo en todo el mundo se han volcado en ser uno de los principales motores de denuncia contra violencia como lo vemos en estas imágenes. Utilizando de esta forma la creatividad del hombre con cosas que ayuden a construir una sociedad mejor, ¿se estará logrando? Esperemos que sí, pero mientras hallan persones que utilicen su pensamiento para crear y no para destruir, tendremos la esperanza de creer en algo mejor para todos.
20090518135847_det.jpg
contra_la_violencia.jpg







"Collage sobre mi vida"

DSC06502.JPG


"Collage de mi lugar preferido"


DSC06524.JPG






Interpretación de cuatro obras
cuadros-dali.jpg
Este es un cuadro de Dalí en el cual, a mi parecer, se mezclan varios factores como: la pobreza, la esclavitud, el hambre, la desigualdad, las enfermedades, entre otros. Estos elementosse relacionan para trasmitir una realidad. De igual forma, estas unidades que componen el cuadro, parecen fundirse, formando así otros elementos que a simple vista no se ven, como es el caso de la calavera que se visualiza en la unión de las dos mujeres y la estructura.

















the_rescue_Joseph_Mallord_William_Turner.jpg
“La Esperanza”

Joseph Mallord William Turner lo pintó en 1831. En la pintura aparecen nubes tenebrosas y la furia de un mar turbulento que predicen el peligro y muerte. A lo lejos encontramos la luz de un barco encallado. En primer plano, está un bote salvavidas atacado por las espumosas olas. En la playa está una mujer y dos niños, empapados por la lluvia y azotados por el viento, quienes miran ansiosos hacia el mar, esperando la llegada del pequeño bote.
Con base en esto podríamos interpretar como a pesar de los peligros de la vida siempre hay alguien para socorrernos.











imagenes-de-caballo-02.jpgLa Libertad”
La Libertad se representa de muchas formas, colores y composiciones, pero en el caso de este cuadro, el caballo árabe ejemplifica la libertad de una forma magistral, jugando con otros elementos que allí se encuentran, como el mar, las olas, la tierra, el cielo, generado así una atmósfera de felicidad.

Otro de los temas importantes para analizar es como el artista de este cuadro, trabaja de forma tan real el viento que rueda por el pelo del animal produciendo que nuestra imaginación circule por la mente.










Coca-Cola

historiaVisualBottellaCocaCola.jpg
Este afiche me parece muy interesante ya que, más que exhibir la marca como tal, la idea principal es exponer que Coca-Cola ha estado presente a lo largo de los años, marcando una tendencia publicitaria imperante en cada momento de la historia desde ya hace 125 años.
Otro punto a resaltar es la manera en que se ejemplifica uno de los principios fundamentales dentro del marketing y es, que a través de los años, cada producto tiene que modificarse partiendo de dos factores fundamentales como lo son, el público objetivo y las nuevas tecnologías para la producción de sus productos. De la misma forma, podemos remontarnos al pasado y descubrir una época diferente a la actualidad con solo ver el diseño de cada botella, ya que cada una representa un momento de la historia en especial, para cada uno de los que pudo llegar a consumir este producto en estas botellas.














¿Qué es el Arte?

arte.jpgA mi parecer y con base en el texto de Antonio Monta, el arte es una actividad o talento que se puede adquirir por un conocimiento impartido por otras personas o que nace como esencia en los humanos. Generalmente esta situada en un contexto literario, musical, visual o de puesta en escena. Esta es una manifestación de una actividad humana mediante la cual se quiere expresar una perspectiva personal, la que puede ser muy apegado a la realidad o surrealista pero siempre con el fin de expresar ideas, emociones y visión de mundo, jugando así con estos factores para producir reacciones no solo en el artista, ya que el arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes lo observan.
Mediante esta, se puede trasmitir diversas sensaciones las que podemos captar con nuestros sentidos, lo que hace que sea agradable para uno o desagradable y de mal gusto para otros.