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SU NOMBRE
SU FOTOGRAFÍA
Andrea Delgadillo Herrera
Estudiante Comunicación Social
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EL ESPÍRITU DE LA NAVIDAD


















PROYECTO 16

BODY ART
‍‍Este estilo enmarcado en el arte conceptual, tuvo gran relevancia en los años 60 en Europa, y especialmente en Estados Unidos
En esa técnica el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico, se pinta se calca, se ensucia, se retuerce, normalmente se hace a modo de acción o performance, con documentación fotográfica o videografía posterior.
Artistas como,Yves Klein, Bruce Naumann, Vito Acconci Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.
Este arte conceptual como movimientbody_art.jpgo, nace a la mitad de los siglos sesenta, su nacimiento se debe en parte a la reacción del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greeberg. Gracias al trabajo del artista francés Marcel Duchamp en las décadas de 1910 y 1920 en sus obras llamadas ready made aportaría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.
El body art emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.
De este arte han nacido otras formas artísticas como el fluxus y el mail art.
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BODY PAINT
También conocido como el Body painting, es el arte de pintar el cuerpo desnudo con diferentes colores, motivos, formas y dieños que llegan a evocar incluso un estilo de vida. Lo curioso de esta arte es que es muy antigua, la cultura ancestral chilena tiene uno de sus más claros referentes, los muertos eran pintados con colores azules y rojizos.
Algunos de los temas tratados por estos artistas en sus obras son la violencia, la sexualidad, el exhibicionismo, o la resistencia corporal a fenómenos físicos. De esta manera el cuerpo puede ser transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida o agredido o puesto a prueba hasta los limites del sufrimiento e,t,c.
Se encuentra una diferencia en el body art de Estados Unidos donde hay una línea más analítica por artistas como Vito Acconci, Chris Burden o

Dennis Oppenheim que body_painting_camouflage.jpgel acento en las posibilidades del cuerpo. Un poco más dramático el toque que le dan los artistas Europeos representada por Herman Nitsch, Gunter Brus, Rudolph Schwarzkolger o Gina Pane, que incide en la reelaboración de arquetipos, junto a aspectos relacionados con el travestismo, el tatuaje o la sublimación del dolor. Como precursores del body art encontramos el dadaísmo, el happening y más tarde está muy relacionado con la práctica de las "performance" (acciones), el teatro y la danza.

Fuentes

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_corporal
http://stilo.es/2007/03/body-paint-arte-diseno-moda/

Expresión Corporal
Se considera como una disciplina, con el objetivo de usar el cuerpo armónicamente con finalidad expresiva comunicativa y estética en la que los movimientos del cuerpo y el sentimiento son básicos para expresar diferentes sentimientos.
Danza y Baile: Una de las formas más antiguas de comunicación humana, es la danza, transmite cultura, las tradiciones y las costumbres de cada pueblo o país. La danza es un medio de muy importante de expresión y comunicación, elementos que la componen son: el cuerpo, el espacio, la intensidad y el ritmo.
El Mimo: es una forma de hacer teatro, a través de la cual los actores representan emociones mediante gestos y movimientos corporales, sin usar su voz. Es una comunicación no verbal.
El aerobic: Se incluye como expresión corporal por su aspecto coreográfico, consiste en realizar ejercicios al ritmo de una melodía.
Tatuajes Diferencias Culturales:
Polinesia: Esta región del mundo es la que posee la tradición tatuadora más amplia. Diferentes tribus de esta región utilizaban el tatuaje como ornamentación corporal, sin que por ello éstos pierdan su fuerte sentido comunal. Desde muy temprana edad los niños se tatuaban hasta cubrir por completo todo su cuerpo.
Los tatuajes no solo tenían un sentido estético, el tatuaje confería jerarquía y propiciaba el respeto en la comunidad, entre más tatuado el cuerpo más respeto merecían.
De manera particular, los maoríes utilizaban el tatuaje para la batalla. Estos dibujos contribuían a su famosa estrategia de asustar a sus enemigos. La práctica de tatuar se desarrolló durante miles de años y alcanzó un punto culmen con el perfeccionamiento de motivos geométricos. El tatuaje se utilizaba para identificar a un individuo. Además, indicaba el paso de la adolescencia a la madurez.
Egipto: Las mujeres eran las que se tatuaban principalmente. Se atribuían a los tatuajes funciones mágicas y protectoras. El carácter sobrenatural de los tatuajes no fue exclusivo de Egipto, otras culturas también otorgaron estos poderes a los tatuajes. Las mujeres que se tatuaban mostraban valentía y los hombres las marcaban como si fueran de su propiedad.
América: Los indígenas de América del Norte utilizaban los tatuajes como parte del ritual de paso, es decir cuando una persona pasaba de la pubertad a la adultez se tatuaba para proteger su alma. En América central, las tribus utilizaban los tatuajes en conmemoración por los caídos en las batallas y como forma de adoración a los dioses.
En América del sur, tribus indígenas también pintaban sus cuerpos, pero no de manera permanente utilizaban pigmentos hechos con flores y grasas vegetales de animales daban nuevos tonos que acompañaban sus rituales de manera temporal con significados igual de profundo y espirituales, los cuales lavaban al terminar los ritos.
Lejano Oriente: tatuajes.jpgtatuaje llego a Japón aproximadamente en el siglo X a C. El tatuaje se hizo popular en los sectores más poderosos de la cultura nipona, incluso fue utilizado por el Emperador del siglo V como ornamento corporal. En Japón también existía la costumbre de tatuar los delincuentes, para que quedaran marcados de por vida por sus malos actos.


Medio oriente y zonas aledañas: En India, Pakistán, Irán, Yemen, Oriente Medio y África del norte, , utilizaron la henna o jena es un tinte natural de color rojizo que se emplea para el pelo y que además se usa en una técnica de coloración de la piel llamada mehandi. Se hace con la hoja seca y el pecíolo de Lawsonia alba Lam. Del mehandi son bastante complejos y en algunas culturas se emplean como ornamento nupcial.
Occidente: Los tatuajes llegaron a Occidente porque en las expediciones del Capitan James Cook los marineros tuvieron contacto con los indígenas y tribus que les enseñaron el arte de tatuar. Los marineros abrieron sus estudios para de tatuaje y popularizaron esta disciplina. Durante la Guerra de Secesión el arte del tatuaje experimentó un gran crecimiento y popularización. Fellows, Hildebrandt y O'Reilly, el inventor de la máquina de tatuar, fueron los encargados de hacer de la práctica tatuadora una profesión.se
Cabe resaltar que el tatuaje no aparto de su tradición inhumana, en la Alemania Nazi se utiizó el tatuaje para marcar a los prisionerotatuaje_2.jpgs en los campos de concentración.
Actualmente el tatuaje no distingue clases sociales y cumple funciones puramente estéticas.












http://es.wikipedia.org/wiki/Tatuaje



PROYECTO 17
MUSICA INDUSTRIAL
Es un tipo de música experimentar, utilizaba sonidos que encontraba en objetos de la vida cotidiana como taladros, serruchos, timbres etc. El término fue acuñado a mediados de 1970 a raíz de la fundación de Industrial Records por la banda de YorkshireThrobbing Gristle y con la creación del eslogan irónico "música industrial para gente industrial").
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STOMP OUT LOUD
Es un arte muy novedoso impregnado de la cotidianeidad, de lo domestico de la calle. Stomp Out Loud es el nombre de una de las presentaciones realizadas por el grupo STOMP, ellos son artistas de percusión minimalista, los instrumentos que emplean son objetos de los más inusuales para hacer música, aquellos de los cuáles nadie imaginaría obtener ese conjunto de notas musicales porque su función no es esa precisamente.
Sus presentaciones son StompOutLoud.jpgy divertidas, además que las complementan con coreografías, golpean toda clase de objetos entre los cuales encontramos baños, cilindros, bateas, aros de llantas, ollas, tuberías, relojes, cajas entre otros, también hacen presentaciones impresionantes con balones, escobas y juegos de naipes.
Sin duda verlos en acción es un espectáculo porque sus presentaciones son homogéneas y al oído y la vista resultan muy interesantes. Resalta la creatividad y los sonidos naturales.




PROYECTO 18
Happening
Es una manifestación artística, surgida den 1950, normalmente multidisciplinaria, caracterizada por la intervención de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado //performance art// y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. Lo que busca el happening artístico es producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a happening+2.jpgy la participación de los "espectadores".
La idea es que los espectadores interactúen y se involucren en la actividad artística, alcanzando una participación emotiva y representación colectiva. El happening se diferencia del performance, por la improvisación. Normalmente se producen en lugares públicos, simulando un gesto de interrupción a la cotidianeidad que se desarrolla, Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a //masas// de gente desnuda.


Fuente

http://lauradorado.blogspot.com/2008/05/happening.html

Performance
Es una muestra escénica, con un alto contenido de improvisación, donde factores como: la provocación, el asombro y el sentido de la estética juegan un papel importante. Tuvo su cúspide en los años 70.
El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está estrechamente relacionado con el arte conceptual, los happenings, flexus events y al body art.
Este arte es aquel en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo en un lugar determinado y un tiempo concreto. El performance puede ocurrir en cualquier lugar y su duración no es precisa.
El performance tiene parentescos con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
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PROYECTO 019

ARTE KITCH
Se denomina kitsch al arte que surge de un estilo inferior a alguno existente, a una manifestación artística pretenciosa, exagerada o de mal gusto.
La palabra kitsch surge también de una palabra alemana que significa “barrer mugre de la calle”, algo que se refiere a objetos de dudosa calidad estética obtenidos por los nuevos adinerados para mantener su status social y económico. Casi siempre kitch.jpgobjetos eran copias de mala fabricación de estilos originales y que al mezclarlos con otros estilos daban un resultado ecléctico de mal gusto.
En la actualidad se dice que el kitsch es un género que trata de parecer sentimental, glamuroso, teatral o creativo, no deja de ser un gesto imitativo de las apariencias superficiales del arte. El kitsch se basa en repetir formulas dejando de lado el sentido de creatividad y originalidad desplegado en el arte genuino.
El artista más representativo de este género es Jeff Koons.
Fuente Miscelanea cultural

PROYECTO 020

LAND ART
Es una corriente artística contemporánea que se vale de los paisajes y los componentes de la naturaleza como escenarios y medios para realizar una obra de arte. Nació en la década de los 70's, y su fin es recordar la y acordarnos de no maltratarla.
Materiales como la madera, la tierra, piedras, arena, rocas, fuego, agua, etc. Esta expresión inglesa se conoce también como “arte de la construcción del paisaje” o “arte terrestre”. Usualmente estas obras se encuentran en el exterior expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; por ello, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico.
Los lugares donde se realizan estas obras son muy remotos, lejos de la mirada de los espectadores, y son de tamaño monumental. La naturaleza no es maltratada en ningún momento por la intervención de estos artistas.
Este tipo de arte normalmente no se puede presenciar en vivo ya que sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial y sólo llegan a ser conocidas por medio de registros como la fotografía, videos o dibujos que se exponen en museos y galerías, o que pueden ser compradas por coleccionistas.
land-art2.jpgFuente
http://loatr.blogspot.com/2010/11/land-art.html

PROYECTO 021
DANZA CONTEMPORÁNEA
Es un estilo creado para expresar los sentimientos, de la misma manera que los sentimientos cambian, los bailarines contemporáneos deben cambiar constantemente. Es un tipo de expresión artística, basado en la técnica del ballet clásico y que conlleva la menor rigidez del movimiento.
Los bailarines deben caracterizarse por el individualismo, la abstracción y la entrega al arte. En la actualidad existen dos técnicas: La Graham, y la Cunningham, pero los bailarines contemporáneos suelen revolverlas.
Características:
ü Se baila con la ropa que sea, usualmente no se usan zapatos.
ü Las coreografías están inspiradas en sentimientos e ideas.
ü Las formas expresan lo bonito y lo feo de la vida.
ü Hay muchos estilos de pasos.
ü El hombre carga a la mujer de maneras inusitadas. Inclusive la mujer carga al hombre.
ü Se trabaja en el suelo danza_contemporánea.jpgen caídas.
ü El cuerpo puede pesar o medir lo que sea mientras este fuerte y flexible.
Historia
Los orígenes de este movimiento se remontan a finales del siglo XIX, cuatro bailarines se sentían muy inconformes por las restricciones que había en el ballet. Los estadounidenses Loie Fuller e Isadora Duncan influyeron mucho en Europa mientras que los europeos Rudolf Von Laban y Mary Wigman marcaron a los estadounidenses.


PROYECTO 022
ARTE CINÉTICO
Es una corriente artística basada en el movimiento, principalmente pictórica y escultórica. En estas obras hay un juego de efectos ópticos que hacen que el espectador crea que hay un movimiento real.
  • El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
  • Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
  • La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
  • Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
  • Busca la integración entre obra y espectador.
Tipos de arte Cinético
De acuerdo a como se produzca la sensación del movimiento encontramos tres tipos de obras cinéticas.
ü Los Estables: En estas obras los elementos son fijos de tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir su movimiento.
ü Los móviles: Producen un movimiento real debido a diferentes causas, cambiando su estructura constantemente.
ü Los penetrables: Usualmente la obra es un ensamblaje en un espacio real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.
El arte cinética tuvo su auge desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.

FUENTE
http://jonathanartes.blogspot.com/

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Instalación Artística

Es un género de arte contemporáneo, adquirió un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones se crearon con el objetivo de generar una nueva experiencia en el espacio tanto visual como sensorial.


La instalación artística es una expresión artística que se realiza a partir de multidiciplinas, llevándose a cabo principalmente en Estados Unidos y Europa, las instalaciones consisten en un trabajo en el cual la elaboración toma forma artística como técnica dentro de la pieza teniendo la presencia activa del espectador.


Esta expresión artística a dejado huella en el mundo con grandes obras como lo son las del artista francés Daniel Buren, por ejemplo los Instalacion.jpgrojos en donde se pueden conjuntar las instalaciones artísticas a la arquitectura.


Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.

















PROYECTO 24


VIDEO ARTE


Este movimiento artístico nació en Estados Unidos y Europa en 1963 muy de la mano con la consolidación de los medios de comunicación de masas y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y aplicaciones artísticas de dichos medios. Se usan medios electrónicos (analógicos o digitales) con un fin artístico.


En el video arte se utiliza video o audio, esta tendencia no debe confundirse con la televisión o el cine experimental. Una de las diferencias entre el videoarte y el cine es que el videoarte no necesariamente cumple con las convenciones del cine, ya que puede no emplear actores o diálogos, carecer de una narrativa o guion, u otras convenciones que generalmente definen a las películas como entretenimiento.


En cuanto a costos el videoarte es más económico que a la producción tradicional de cine, es una alternativa más enfocada a personas que rompen con los parámetros comerciales y buscan un medio más económico pero no por este motivo con menos valor que las formas tradicionales de producción.


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TALLER CREATIVIDAD




PROYECTO 7
CONFORMIDAD

La inconformidad es quizás lo que le falta a mucha gente, en el caso de Andrea es algo que de algún modo la ha llevado a salir adelante y conseguir cosas que quizás mucha gente consigue en el doble de tiempo que ella, inconformidad con su primer primer salario mínimo la llevo a conseguir mejores trabajos, no solo con mejores condiciones económicas, sino humanas y profesionales. Inconformidad con pagar arriendo la llevo a comprar un apartamento con un crédito hipotecario a mucho tiempo, pero por algo se empieza y ya no está votando la plata al vacío, inconformidad con la tecnología que estudio en el Sena la llevo a estudiar lo que realmente le gusta, la comunicación social. Lo que no le puede faltar a esta mujer es la vida, la salud y su familia para seguir adelante.
Producto o Solución:
VIDA

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PROYECTO 8

CUADERNILLO 3

EL LIBRO ALEMAN ILUSTRADO
  • Gracias a la creación de la imprentalibro_ilustrado.jpg de Gutember, se dio paso a uno de los medios masivos de comunicación, la alfabetización, la globalización, la expansión del conocimiento y la propagación de los derechos del hombre, entre muchos otros beneficios que dejo este invento.
  • El primer libro ilustrado conocido es el “Agricultor de Bohmen”, impreso por Albrecht de Bohmen, utilizando el tipo de Gutemberg y cinco bloques de madera, de esta manera renace el diseño gráfico que se tenía olvidado por el uso del tipo únicamente.
  • Las empresas pioneras en la impresión de libros ilustrados fueron las de Gunther y la de Joann Zainer, la propagación y el crecimiento de la imprenta genero perdidas para algunos pues al haber tanta competencia los precios bajaron y los libros de hicieron asequibles para todos, por ende las empresas que no podian costear las impresiones en gran formato se vieron obligados a reducir costos.
  • En las innovaciones de diseño editorial Ernad Reuwich tiene un gran mérito y aporte con la ilustración que hizo del libro de “Peregrinaciones en el monte de Sion” haciendo ilustraciones sombreadas y desplegables.
  • Otro gran ilustrador que marco una pauta a finales del siglo 1498 fue Alberto Durero con la impresión e ilustración del libro “Apocalipsis” dando un toque emotivo lleno de luz, sombra, profundidad y textura que nunca se había visto reflejado sobre el papel, este artista también escribió 3 libros que hablaban de la técnica para ilustrar observando la superioridad que los italianos tenían en sus libros. Uno de sus libros resalto por la construcción de una tipografía dando paso así al estudio de diferentes estilos de letras.
  • Esto dio paso a la creación del alfabeto en minúsculas y mayúsculas como lo hacían los romanos en la antigüedad. Además de decorar algunos tipos con algunas gráficas y produciéndolos para introducirlos es las tipografías usuales sin usar los bloques de madera, cosa que algunos no creían pues no pensaban que fuera imposible imprimir una gráfica con un tipo metálico.
  • Nace así la publicidad, con la impresión de hojas sueltas, donde anunciaban diferentes eventos, festivales obras de teatro, y retratos de líderes famosos o religiosos. El periodismo hace uso de estos formatos, divulgando causas políticas, creencias religiosas, desastres, etc. Se empieza a emplear una hoja de pliego simple por un lado o por ambos, una hoja doblada que se convertirá en folleto y si seguía doblando se convertiría en periódico.


DISEÑO GRÁFICO DEL RENACIMIENTO
La religión produjo la creencia de que a valor de la vida era primordial en el juicio de Dios después de la muerte. Nace una nueva preocupación por el potencial y valor humano caracterizo el humanismo en el renacimiento.El diseño de tipos, los bocetos de páginas y ornamentos en las impresiones, fueron preconcebidos por los impresores y eruditos italianos. El alfabeto romano de Sweyhey y Pannartz fue el primer paso para el estilo del diseño renacentista.Johanes de Spira (1470) la imprenta durante cinco años, innovo con su tipo romano y elegante, descartando algunas de las cualidades encontradas en las fuentes de Sweyheym y Pannartz Vindelinus. En 1470 publico el primer libro tipográfico con los números de páginas impresos.EPOCA DE JENSONUno de los diseñadores tipográficos más importantes de la historia fue Nicolás Jenson (1420-1480 aprox).Fue un estupendo grabador de moldes y parte de la influencia que dejó fueron los tipos con extrema legibilidad y sobre todo el diseño de espacios entre las letras.nicolas_jenson.png
Jenson imprimió alrededor de 150 libros durante su vida, en una imprenta que estableció en Venecia. Nicolás Jenson utilizó la orbe y la cruz, uno de los símbolos más antiguos.
En el renacimiento destacan la decoración de floral, flores silvestres y parras se aplicaron a muebles, arquitectura y manuscritos.
Henri Estienne diagramó usando figuras geométricas. Debido a su increíble profusión de ideas, la iglesia católica inició una persecución a los intelectuales, sobre todo en Italia, por ello Francia tomo la posta del desarrollo intelectual y artístico.

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Geoffry Tory: Tradujo textos al latín y griego, introdujo el apóstrofo, acento y cedilla a la escritura francesa, se destacó por ser profesor, erudito, traductor poeta, editor, vendedor de libros, diseñador, ilustrador y grabador.Uso letras romanas elegantes con mucho color que adornaron sus libros. Diseño el libro de las horas. Reflejaba una claridad en el pensamiento, precisión en el manejo del texto, iniciales, orillas e ilustraciones.

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Claude Garamond fue un cortador de troqueles, la perfección de sus diseños hicieron que los impresores Franceses los usaran. Se basó en el diseño original de Grifo, los diseñadores tipográficos de Garamond influenciaron a toda Europa (1540) desplazando al diseño gótico alemán, donde este permaneció usándose. Geramound consiguió una armonía entre mayúsculas, minúsculas e itálicas sin par para la época.



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PROYECTO 9



EXPOSICIÓN ARQUITECTURA RENACENTISTA

El renacimiento arquitectónico se manifesto en Europa hasta el siglo XVI. Sólo se vislumbran unos detalles que se enmarcan dentro de contrucciones plenamente góticas, sin embargo se construyen otro tipo de edificios civiles con un concepto alejado de lo gótico.

Este nuevo estilo llega a Europa gracias a los artistas italianos, ellos son contratados por paises ricos como España, en general el Renacimiento entro en las regiones que tenian una clase rica, iglesia, monarquía, nobleza o Burguesía.

Otra de las características de este movimiento es la nueva óptica hacia los arquitectos, ya no se consideran artesanos, nace una nueva concepción de la profesionalidad, con un toque de estilo personal, finalmente la sociedad reconoce su trabajo como artistas interdisciplinares y humanistas.

Características de la Arquitectura Renacentista
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  • Tiene una relación directa con la visión del mundo durante ese periodo: el clasicismo y el humanismo.
  • La arquitectura intento concretar conceptos clásicos como la belleza,naciendo de esta forma la teória y ordenación del movimiento, fundamentos en la arquitectura griega y romana.
  • Hay una influencia clara de la naturaleza considerada como la creación suprema de la obra de Dios, así se pasa a la inspiración en las formas de la propia naturaleza, tal como lo manifistan los clásicos, convirtiéndose esto en un valor autónomo.
  • En la definición de espacialidad del renacimiento se incorpora la perspectiva como instumento del proyecto arquitectónico y la noción de diseño como forma de conocimiento.
  • Francia es el primer país que acoge con entusiasmo el estilo renacentista. Aquí destacan los castillos señoriales, que se convierten en centros culturales de primer orden. Reúnen en torno a sí a los más importantes artistas italianos y franceses.

  • En Alemania las formas góticas se confunden con las renacentistas, como sucede en Núremberg o en el castillo de Heidelberg. Destacan arquitectos como Jacob Bahr: palacio de Brieg, Wilhelm Vermukken: pórtico del Ayuntamiento de Colonia, Hans Lampe y Baltasar Kircher: lonja de los Paños en Brunswick.

En los Países Bajos también continúa la tradición gótica, pero se traduce a Vitrubio y se crea un tipo de construcción de ladrillo y piedra. El arquitecto más destacado es Cornelis de Vriendt: Ayuntamiento de La Haya, palacio municipal de Amberes.

Portugal es parte de la corona española. Aquí está vigente el estilo manuelino. Destacan Juan y Diego de Castillo: Santa María de Belem, claustro de

Alcobaça, y Filipo Terzi, con un estilo herreriano: San Vicente de Lisboa, La Gracia de Évora.

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PROYECTO 10

Leonardo da Vinci y su aporte a la Anatomia

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La primera asociacion que muchas personas hacemos cuando escuchamos Leonardo da Vinci es su obra del cuadro de la Mona Lisa, sin duda aunque este cuadro es una de las obras más importantes del mundo, este famoso artista hizo aportes muy importantes a la ciencia con su sabiduria y dotes de invetigador, analizando cadaveres humanos lograr ilustrar cada parte de nuestro cuerpo.Este hombre es un ejemplo de inteligencia y talento, combino estudios de geología, poesía, construcción, botánica y su mayor aporte lo hace con la anatomía. Sus dibujos e investigaciones son un gran aporte a esta ciencia.En sus pinturas Leonardo trabaja una innovación importante en la pintura, la perspectiva, comparando la representación en leonardo.gifde un cuerpo con sus proporciones reales, es aquí cuando su interes por la geometría se despierta, su interes por el realismo se evidncia en todas sus obras.Este documental deja ver la grandeza de este artista, me deja una gran admiración por un hombre inquieto por el arte y la ciencia, posiblemente no exita un artista tan completo como él en toda la historia, mucho menos ahora donde las máquinas y la tecnología abruman el desarrollo intelectual de los hombres.

Considerado como uno de los más grandes pintores de toda la historia, genio universal y filósofo humano, Leonardo Da Vinci nace el 15 de abril de 1452 en el castillo de vinci, cerca de Florencia y pasa sus últimos años en Francia, donde muere el 23 de abril de 1519.


Louis Braile y la escritura para Invidentes

Hasta el siglo XXI los invidentes no tenian un código que les permitiera leer y escribir, por tanto estaban marginados y no podian desarrollarse en ninguna arte visual ni escrita. Gracias a louis Braile esta limitación se acabo para ellos, este joven a los 16 años creo en 1825 un sistema de escritura para invidentes.

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Louis Braile perdio su visión a los 5 años, apesar de su condición asistio a un colegio normal y aprendió el abecedario y las tablas de multiplicar, aunque en esta época nadie se preocupaba por darle una vida más humana a los ciegos, en Francia el profesor Valentin creo el primer colegio para ciegos y un sistema de método de impresión de libros para

ciegos que consistía en presionar una cartulina mojada sobre caracteres de gran tamaño hechos de plomo. Los libros resultantes eran enormes y muy pesados, sin embargo esto no limito a Louis Braile que asistio a este colegio y le leyo todos los libros que encontro.

Louis recordo un dado especial que le habia fabricado su padre, tenia los lados hundidos y un máximo de seis puntos, él lo identificaba fácil con las yemas de sus dedos, esta fue la idea que lo llevo a crear un sistema de escritura denominado braile.Unos meses más tarde, había encontrado un medio de formar todas las letras, los acentos, los signos de puntuación y los signos matemáticos utilizando sólo seis puntos y algunas rayas horizontales que más adelante eliminaría.Este joven a sus 16 años revoluciono el mundo de los invidentes, porque con la ayuda de su padre también creó un utencilio para poder escribir. El sistema fue reconocido oficialmente 2 años despues de la muerte de su mentor 1854. Posteriormente en 1878 en un congreso en Paris el código Braile se estableció como sistema de escritura internacional para invidentes.Sin duda este fue un gran invento para la humanidad, rescata la igualdad que debemos tener todos los humanos sin importar nuestras limitaciones físicas y económicas.




JOHANNES GUTEMBERG Y LA IMPRENTA

Durante muchas décadas, el conocimiento era un privilegio para pocos, por supuesto los que tenían los recursos para adquirir libros, su valor era incalculable, aunque a la masa no le preocupaba porque no sabían ni leer ni escribir. En 1450 un invento cambio el curso de la humanidad, Johannes Gutenberg creo un método de impresión, posibilitando que los libros se fabricaran en un número muy elevado y más asequible para todos.
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Este invento hizo que el conocimiento estuviera al alcance de todos y sentó las bases técnicas para los cambios intelectuales, políticos y religioso de los siglos posteriores. Tres innovaciones aporto Gutemberg para mejorar la impresión de la época: las tintas, la prensa y los tipos móviles.
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Es injusto que el conocimiento sea privilegio de pocos, gracias a Gutember esta desigualdad se balanceo un poco, sin embargo en la actualidad y en un país como este, sigue habiendo privilegio para los que pueden acceder a internet, pagar una educación de calidad en universidades privadas, porque las universidades públicas son muy buenas pero son pocas y los cupos limitados.

LA WWW Y EL INTERNET


Internet como una " red de redes", es decir, una red que no sólo interconecta computadoras, sino que interconecta redes de computadoras entre sí.

La World Wide Web internet.jpgen ofrecer una interface simple y consistente para acceder a la inmensidad de los recursos de Internet. Es la forma más moderna de ofrecer información. el medio más potente. La información se ofrece en forma de páginas electrónicas.

El World Wide Web o WWW o W3 o simplemente Web, permite saltar de un lugar a otro en pos de lo que no interesa. Lo más interesante es que con unas pocas ordenes se puede mover por toda la Internet.

Esta herramienta era inicialmente para buscar información muy concreta, hoy en día se convirtió para muchos en una herramienta fundamental para su trabajo y para hacer una vida social muy activa. El crecimiento o más bien la incorporación de tantas personas a la red hace que las calles de lo que en principio era una pequeña ciudad llamada Internet se conviertan en todo un planeta extremadamente conectado entre sí entre todos sus miembros.

Es un despertar de intenciones que jamás antes la tecnología había logrado en la población mundial. Para algunos usuarios Internet genera una sensación de cercanía,comprensión y, a la vez, de confusión, discusión, lucha y conflictos que los mismos usuarios consideran la vida misma.
Como todas las herramientas que nos da la tecnología, depende de nosotros darle un uso adecuado para abrir nuestros conocimientos e impulsar negocios, ideas y convocar gente para hacer protestas pacíficas y mover masas para buenas causas.
HISTORIA DEL COMPUTADOR

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PROYECTO 011

*4 HISTORIA & DISEÑO

- Capítulo 9 "UNA ÉPOCA DE GENIOS TIPOGRÁFICOS"

UNA ÈPOCA DE GENIOS TIPOGRÀFICOS

La falta de innovación en el diseño gráfico y la impresión que trajo el siglo XVII quiso refrescarla el rey Luis XIV de Francia creando la imprenta real con el principal objetivo de crear un nuevo tipo para las publicaciones reales únicamente. Fue llamada Romain du Roi y rompieron la tradición de los estilos caligráficos, los rasgos finales cerrados y trazos cargados. Este fue el comienzo de las tipografías romanas de transición.La imprenta real creó diseños en base a principios matemáticos, construyendo así 74 unidades pero se tomaban mucho en cuenta la percepción del ojo humano.DISEÑO GRÀFICO EN EL ROCOCOEste periodo se dio entre y 1770 especialmente en Francia. Sobre todo fue una exacerbación estética del barroco manifestado en la pompa monárquica Francesa. Todos estos excesos desencadenaron la revolución Francesa en 1786.El diseñador rococó más importante fue Pierre Simón Fournier le Jeune (1712- 1768), él proporcionaba bien las letras romanas, además de gran número ornamentos florales, curvilíneos y geométricos.Robert Clee, etiqueta comercial para un vendedor de licores, siglo 18.

robert.jpgSe imprimían desde placas de cobre, usaban configuraciones de orillas extravagantes e inscripciones floridas.

George Bickham, poema sobre el calígrafo universal



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William Caslon 1734 y sus diseños tipográficos muy utilizados en el imperio Británico.

Sus tipografías fueron muy populares en y usadas para muchos trabajos impresos importantes, entre los cuales resalta la primera versión de la Declaración de Independencia de Estados Unidos, no obstante, estos tipos cayeron en desuso a principios del siglo XIX, reviviéndose nuevamente en la década de 1840, siendo muy utilizadas de nuevo. Con la aparición de la informática y los sistemas de impresión con base en los computadores, las tipografías de Caslon fueron rescatadas y revividas digitalmente

John Baskerville

Su tipografía es Baskerville haciendo alusión a su nombre en 1757. Se clasifica como un tipo de transición entre el antiguo estilo de la de Caslon y los estilos más modernos de Bodoni y Didot.

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Mejoro la tipografía deWilliam Caslom. Aumentó el contraste entre los palos finos y anchos, haciendo los serif más afilados, los palos curvos más redondeados y los caracteres más regulares. Estos cambios le dieron una gran consistencia en tamaño y forma.

El resultado fue una mayor legibilidad, siendo los más característicos el palo inferior de la Q mayúscula y los serif de las cursivas.


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GIAMBATTISTA BODONI


En Italia su obra tiene una gran importancia para el arte tipográfico, fue nombrado director de la imprenta real de Ducado de Parma, elabora y afina los caracteres franceses de Fournier y de Didot, se dedica después realización de un carácter construido sobre módulos constantes y sobre precisas geometrías pero también rectificado según una particular sensibilidad óptica a fin de que fuera perfecto en las proporciones y en los contrastes y, por lo tanto, funcional.

El individualiza las virtudes que debe tener un buen carácter:


Regularidad.

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De buen gusto: si es sobria.

Belleza: si no da la impresión de no haber sido realizada con afán, sino gracias a un detenido análisis y a un trabajo apasionado.Los Didot- padre e hijo (1689-1804). Desarrollo diseños delgados y gruesos similares a los actuales condensadas y expandidas.

Ambroise Didot, perfecciono el sistema de medición tipográfico de Fournier desarrollando el sistema de medición de puntos. Dividió cada pulgada de pied de roi (12 pulgadas francesas) en 72 puntos.

Incorpora a su taller una máquina de imprimir de un sólo golpe que le permite más precisión y rapidez.

En estrecha colaboración con su hijo Firmin crea un nuevo tipo de letra, en la que se constata el abandono de la tendencia barroca en favor del nuevo estilo neoclásico.

Su vida concurre paralela a la historia de la impresión, aporta sus conocimientos en mecánica, cálculo y su genio. Impresor destacable que reemplaza a otras dinastías, como las de los Estienne o los Elzevir.

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Entre Bodoni y Didot hubo rivalidad y admiración mutua, impulsaron el estilo moderno hasta los límites.

Bodoni fue más hábil como diseñador y los Didot tenían más conocimientos y eran más extravagantes, siempre quedo la polémica y la pregunta de ¿quién copio a quien?

Capítulo 10 "MECANIZACIÓN DE LA TIPOGRAFÍA"

Tipografía

Sistema de impresión en el que se utilizan piezas de metal independiente, movibles e intercambiables. Fue buscado intensamente por los impresores alemanes, franceses e italianos, debido al aumento de la demanda de libros. Fue uno de los adelantos más importantes en la historia, jugó un papel clave en las revoluciones, ya que fue un poderoso propagador de ideas acerca de los derechos del hombre.

Este invento fue una de las primeras mecanizaciones de una actividad manual. Así, puso en movimiento, durante los siguientes 300 años, la mecanización que condujo, finalmente, a la Revolución Industrial.


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Johann Gutenberg, de Maguncia, fue quien unió complejos sistemas y subsistemas para imprimir el primer libro tipográfico (hecho que sucedió alrededor de 1440). Dentro de las adaptaciones que tuvo que hacer, se encuentra el tipo de tinta que se utilizaba hasta ese entonces, ya que era muy líquida y manchaba las impresiones; para ello formuló una tinta compuesta por aceite de linaza y ollín.
Biblia de 42

Primer libro tipográfico, que imprimió Gutenberg. Se llama de '42 líneas', debido a que la mayoría de sus páginas poseen 42 líneas de texto en cada columna; aunque las primeras nueve páginas tienen 40 líneas.


Para llevar la empresa a cabo, Gutenberg necesitó un prestamista y socio, Johann Fust; quien terminó quedándose con el trabajo de impresión debido a que Gutenberg no pudo saldar su deuda. La Biblia fue terminada por el capataz del impresor, Schoeffer, quien se asoció a Fust.


Medidas de las páginas 30x40,5 cm. Posee dos columnas con márgenes generosos, con iníciales decorativas. Comenzó a imprimirsecon dos prensas, y luego se incrementaron a seis. Cada línea tenía 33 caracteres.


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Las reediciones de la Biblia y el aumento de su estudio, condujo a los hombres a formular sus propias interpretaciones, en vez de apoyarse en los líderes religiosos. Esto los llevó a la Reforma luterana, que dividió al catolicismo.




PELICULA LA OLA

Lo que comienza en un aula de clase como un experimento para que los alumnos aprendieran acerca de la autocracia como forma de gobierno, término en un fatídico desenlace.Las intenciones de el profesor Rainer Wenger era que sus alumnos aprendieran acerca de este concepto político, por ello hizo que sus aprendices se comportaran como soldados, en la clase le llamaban señor, tenían que pedir la palabra para hablar y poco a poco todos fueron aportando nuevas ideas para formar un grupo que se llamo la OLA.

la_ola.jpgToda esta clase práctica se desarrolla en una semana, los alumnos y el profesor acordaron crear un símbolo para su grupo, un saludo y hasta decidieron uniformarse con camisas blancas. Como en todo siempre hay personas en desacuerdo, unos estudiantes no quisieron hacer parte del experimento y recibieron rechazo por parte de los integrantes de la Ola.Todo empezó a salirse de las manos del profesor, porque los alumnos le dieron un sentido a su práctica errónea, empezaron hacer actos de vandalismo y uno de ellos se lo tomo muy apecho, con todo esto el maestro decide dar fin a su práctica porque los estudiantes se volvieron extremistas y se dejaron manipular por sus ideas, con lo que no contaba era que ya era demasiado tarde.En una reunión en un salón del colegio uno de los alumnos mata a otro y luego se suicida al ver que su profesor ya no seguiría con este proyecto.ConclusiónEn particular los adolecentes se dejan llevar fácilmente por las ideas que otros les imponen, religión, política, ideas de revolución, rechazo y rebeldía. Si hay unas buenas bases familiares y espirituales esto no ocurriría porque la mayoría de jóvenes lo hacen porque en estas ideas o grupos encuentran compañía, la que cada vez existe menos en sus hogares por matrimonios inestables o padres que se dedican a trabajar todo el día.La película deja un reflexión para que no seamos extremistas con las ideas que otros nos manifiestas, todos los excesos son malos, hay que aprender a respetar los ideales de los demás y no juzgar o rechazar a quienes no los comparten.

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PROYECTO 013
VIDEO MAPPING
ELECTROPOLIS 2011

Un viernes frío en la ciudad capitalina, deja de ser aburrido gracias a la muestra única de arte y tecnología en el parque de Lourdes, escenario perfecto que congrega muchas culturas urbanas, sirve de escenario para deleitarnos con el festival multimedia que integra proyecciones tridimensionales y video-arte.

Estudiantes de la Universidad de los Andes e Intel se encargaron de deleitarnos con proyecciones de videos muy reales que se proyectaron a lo largo de la noche. Lo bueno de ello es que las de los estudiantes de dicha universidad tenían un toque se critica a la intervención del hombre al medio ambiente. La música de fondo era acorde y complementaba las comunicaciones visuales que veíamos.

La emisora radio polis, también acompaño la noche fría y lluviosa, pero sobre todo muy productiva para mirar como la tecnología se presta para hacer una crítica social pacifica a través del arte y la imaginación.

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PROYECTO 15
PELÍCULAS
FRIDA KAHLO


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Sin duda Salma Hayek hace una magnífica interpretación de la vida de Frida Kahlo, una mujer con muchos matices, la película ilustra su vida de política revolucionaria, artista y sexual. El film muestra la compleja y duradera relación que esta mujer mantuvo con su esposo y mentor Diego Rivera, así mismo la fortuita relacióncon Leon Trotsky y las aventuras románticas y provocativas que mantuvo con mujeres.A través de la película pude conocer mejor la vida de esta pintora Mexicana, mostraba a veces su lado femenino y otras su lado masculino, moría de amor por un infiel y respondía de la misma manera hasta con mujeres. Su carácter de hierro se muestra en esta caracterización y su amor por la cultura mexicana, dejándose seducir en ocasiones por el progreso industrial americano, paradójicamente pensaba que la libertad era una pertenencia muy preciada, pero dependía sentimentalmente de un hombre infiel.Una mujer de admirar artísticamente, aspectos para resaltar en su vida personal, algunos polémicos pero no cuestionables, cada quien vive su vida como quiere.



REMBRANDT

Aunque Holanda en el siglo XVII era gran potencia mundial gracias al transporte de oro de sus barcos a Ámsterdam, Rembrandt Van Rijn era su mayor gloria, hijo de un modesto molinero. Este pintor alcanzo una solidez económica y reconocimiento artístico en 1630, contrajo matrimonio con una joven llamada Saskia y lleva una vida mundana gracias a su fama.



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El film muestra el trágico suceso que marco su vida, la muerte de su esposa, esto genero un gran cambio en sus obras, convirtiéndose en oscuras, con un tinte sardónico que ofende a sus mecenas. Aunque más adelante se consuela con la compañía de una mujer atractiva, no es capaz de casarse nuevamente pero consigue alivianar un poco su pena.====

Murió totalmente arruinado después de que sus acreedores le despojaran de su casa, de sus muebles y de todos los cuadros que poseía, así como de los que tuviera que pintar durante el resto de su vida.

Este film con tinte biográfico me gusto por aportar conocimientos sobre el arte en el barroco, sin embargo la lección que deja es que la fama no lo es todo y puede traernos más sin sabores que alegrías si no sabemos asimilarla, la estabilidad emocional juega un papel importante en nuestra vida personal, profesional y económica.


LOS FANTASMAS DE GOYA

A través de la mirada del famoso pintor y grabador Español Francisco Goya se narra la historia de un grupo de personas en un periodo de convulsión política y cambios históricos. Todo comienza en 1792 y transcurre desde los últimos años de la Inquisición, cuando la iglesia torturaba a las personas que no seguían los postulados de la iglesia, hasta que vinieron los Francés y la erradicaron.En el film destaca una joven llamada Inés, la cual es retratada por Goya y acusada por la iglesia de herejía, es torturada hasta que cante como los ángeles todos sus pecados, ella es defendida por un cura llamado Lorenzo, él cual se sorprende cuando él padre de la joven se opone a su defensa y en cambio lo tortura.En realidad la película es un poco aburrida, pero me gusto los vestuarios y la fotografía, el papel de Goya queda en un segundo plano se muestra como un lo que fue, un pintor, pero podría haber sido más destacado recordando su gran importancia en el inicio del romanticismo el comienzo de la pintura contemporánea.



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LA JOVEN DE LA PERLA


Esta película narra la tortuosa vida de una joven llamada Griet, ella trabajaba como criada en la casa del pintor Vermer, una de las circunstancia que la llevan a tomar este trabajo es la ceguera que adquiere su padre tras sufrir un accidente en su trabajo.

Vermer era un gran pintor holandés de interiores y necesita alguien que le ayude a limpiar su estudio sin mover las cosas, algo que se acostumbro hacer desde que su padre se quedo ciego.la_joven_de_la_perla.png
En casa del artista aprende muchos oficios convive con la esposa de Vermer sus cinco hijas y la suegra del artista, quien es la encargada de negociar sus cuadros. Cuando todo parece ir normal, se entera que el barrio donde vive su familia está en cuarentena por una peste, ella puede ir después de cierto tiempo y se encuentra con la triste noticia de que su hermana ha muerto.
La historia transcurre mientras Vermer pinta sus obras, el artista decide pedirle ayuda a esta joven para que prepare sus pinturas, esto le trae bastantes inconvenientes pero ella disfruta este nuevo rol. Finalmente decide retratar a Griet y le da el toque que le hacía falta a su obra, ella posa con unas perlas de la esposa de Vermer, por lo cual la echan acusándola de ladrona, el artista no la defiende aun sabiendo la verdad y ella se ve obligada a dejar esta casa.
Diez años después cuando Vermer muere, recibe de manos de su esposa las perlas con las que la retrato, esta fue su última voluntad se entera que él también sentía algo por ella.
Es una historia romántica, está inspirada en una de las obras maestras del pintor holandés Johannes Vermeer , la película se adapta con base en una novela que escribió Tracy Chevalier. Lo que más destaco de la película en realidad es la fotografía, el vestuario y por supuesto la pintura de este cuadro, es muy bella.


AMADEUS


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Esta película cuenta la vida del talentoso Wolfang Amadeus Mozart, niño prodigio de la música del siglo XVIII, titulo bien merecido pues a los cuatro años escribió su primer concierto, su primer sinfonía a los 7 y una ópera entera a los 12.Lo curiso de la historia, es que es contada por el también compositor Antonio Salieri su mayor enemigo, quien confiesa como su admiración se convirtió en paulatinamente en un sentimiento de envidia, a lo largo del film se muestra además la hipocresía, no solo de Salieri sino de muchos que sentían recelo por el triunfo de este gran compositor, se encargan de hacerle muchos cosas para empañar su carrera y honra.A lo largo del film se muestra a Mozart como un loco con una tonta y escandalosa risa, muestran sus capacidades de compositor, pero su inmadurez para manejar su dinero y el degenere que vivió, bebiendo desmesuradamente algo que afecto su salud.Algo para resaltar es la banda que acompaña la película es sorprendente. Otro aspecto para resaltar es la cantidad de horas que Mozart dedicaba a sus composiciones, algo que deja como enseñanza la dedicación de un artista y la disciplina son fundamentales para alcanzar el éxito.No se sabe con precisión que aspectos de la vida personal de este magnífico artista son verídicos, sin embargo no se puede olvidar su gran talento, un artista que no se volverá a ver en la historia de la humanidad. Nos deja enseñanzas, acerca de la envidia que termina envenenándonos y amargándonos. Así mismo el derroche en la vida no deja nada bueno.

TRABAJO FIANL FRISO


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ARTE Y VIOLENCIA

Todos los días nos encontramos con noticias y episodios cotidianos violentos, tal vez caemos en el error de mirarlo como algo tan normal que nos volvemos ajenos e insensibles a estos hechos. Gracias a la capacidad y creatividad que poseemos podemos utilizar el arte como una herramienta para crear un cuadro, una escultura o una obra que transmita un mensaje y una visión que generen un sentimiento de rechazo contra la violencia e inviten a sensibilizarnos con estas problemáticas.
Hay muchas formas de expresarnos en contra de la violencia y la indiferencia, el solo hecho de criticar o salir a protestar con papas bombas o crucificarnos no son salidas para expresar nuestro desacuerdo. Por ello artistas de todo el mundo plasman en sus obras mensajes e imágenes que nos invitan a reflexionar y hacer una crítica a esta sociedad de individualismo y falta de solidaridad.





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¿ QUE ES ARTE?

El autor de este ensayo nos explica porque no es preciso ni exacto definir la palabra arte, es algo muy subjetivo y cada persona la define según sus parámetros personales de belleza, armonía y creatividad.

Este significado a mutado a lo largo de la historia, en la actualidad relacionamos arte con pintores, escultores, escritores y todo lo relacionado con creación innovadora y talentosa, pero en la época medieval lo relacionaban con lógica y gramática e incluso nos dice el autor que en el renacimiento los pintores y escultores se consideraban artesanos.
Este término se ha movilizado a lo largo de la historia y ahora cada persona según su criterio define que es arte y que no, entre líneas nos hace pensar que relacionamos todo lo que nos causa emoción con arte, pero una película de erotismo puede ser arte? un silletero Colombiano es un artista?, ahora entiendo porque no es fácil hallar una definición precisa, yo hasta el momento lo relaciono con la creación de pinturas, escritos, esculturas y escenas teatrales y musicales con un don especial para ejercerlas.

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¿COMO MIRAR UN CUADRO?




En este escrito se analizan 4 obras hechas en épocas y estilos diferentes lo primero que nos dice la escritora de este ensayo es mirar el objetivo concreto de cada cuadro.
El primer cuadro realizado por un pintor rupestre muestra un bisonte, las hipótesis dicen que con esta representación el cazador o la tribu conseguían con mayor facilidad capturar el animal, también lo relacionan con el vudú, porque entre sus creencias al chuzar con un alfiler a un muñeco que representaba a una persona lo perjudicaban tal vez hicieron esta apología para que el animal cayera.
La segunda imagen es procedente de una primitiva iglesia cristiana y representa la resurrección de lázaro, la pintura es muy representativa y clara.
La tercera pintura al óleo del pincel de Bronzino no es tan fácil de leer, su principal protagonista es Venus la diosa pagana del amor la descripción que se hace en este escrito es muy detallada y de gran ayuda para entender y contextualizar la obra.
La cuarta obra de Jackson Pollock no tiene una historia concreta para contar, deja ver la pasión del artista lanzando pintura sobre un lienzo para dar y crear una estructura abstracta. .
Con estas miradas, llega la segunda manera de mirar un cuadro, es preguntarnos e indagar por la cultura y la época donde se realiza el cuadro, esto nos sirve para contextualizar y acercarnos a lo que nos quiere decir el artista.
La tercera manera de contemplar un cuadro, es según las apreciaciones de Susan Wood Ford estudiar su grado de realismo, es decir no llegar a lo que parece obvio a primera vista y evitar preguntar qué tan parecidas son estas obras a la realidad cuando el interrogante pueda sea intrascendente.
La cuarta y última manera de mirar un cuadro es por su diseño, colores, formas ya que estas tienen una finalidad y una función dentro de la obra.




MIRADA A CUADRO CUADROS

Cueva de manos Santa Cruz Argentina


Esta es una pintura rupestre es muy antigua, hasta el momento las inscripciones más antiguas están fechadas en el 7350 antes de Cristo.
Esta pinturas es la más celebre y antigua, son siluetas en negativo de las manos , esta es una expresión artística de los pueblos suramericanos.
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La Anunciación de Francesco Albani


Objetivo: Representar la encarnación del verbo.
La historia que todos los cristianos conocemos es plasmada en esta obra, Dios anuncia a través de Gabriel el decreto divino de “hacer rendición del género humano” ser la madre de su hijo Jesús.
Albani deja ver el uso del manierismo en su obra, la virgen, los ángeles y Dios, tienen rostros pequeños y semblante estilizado y posturas artificiales.
Cada detalle de este cuadro nos muestra frescura, tranquilidad y divinidad. Dios con aires celestiales aparece entre nubes y ángeles para descubrir a María la elegida para encarnar a su hijo, la paloma desciende mientras la virgen alza sus manos al cielo y Gabriel observa con aire de sumisión y amor.
Influencias del autor: El clasicismo que aprendió Albani en la escuela de Bologna se refleja en este cuadro. Se evidencia que la composición está construida sobre un triángulo estricto equilátero, se utiliza una restringida gama de colores pero se resaltan los dorados, sin embargo los colores que utiliza en la virgen son más vivos.



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TIZIANO - AMOR SACRO Y AMOR PROFANO


Esta cuadro también llamado Venus y la doncella, es un lienzo pintado al óleo alrededor su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrenade 1515, en este cuadro hay una joven doncella con un vestido blanco, a su lado esta cupido y la Diosa Venus que la asiste. El cabello suelto de la dama la corona de mirto (planta sagrada de Venus), además del velo transparente que cae sobre sus hombros, las rosas y el cinturón que simula la castidad nos indican que la joven es una novia.

La escena está influenciada por la concepción neoplatónica renacentista, la cual dice que la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena. (Investigación en Wikipedia)




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CAPRICHO - ANA CABRERA GROHS

Esta artista se basa en un arte contemporáneo en este caso abstracto, dice que a través de sus pinturas desea lograr paz interior y libertad, sus temas preferidos son la naturaleza, flores, montañas, paisajes, en este cuadro encontramos colores pálidos que dan un aire de tranquilidad.

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SALA DE MI APARTAMENTO
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ARTE Y VIOLENCIA
Todos los días nos encontramos con noticias y episodios cotidianos violentos, tal vez caemos en el error de mirarlo como algo tan normal que nos volvemos ajenos e insensibles a estos hechos. Gracias a la capacidad y creatividad que poseemos podemos utilizar el arte como una herramienta para crear un cuadro, una escultura o una obra que transmita un mensaje y una visión que generen un sentimiento de rechazo contra la violencia e inviten a sensibilizarnos con estas problemáticas.
Hay muchas formas de expresarnos en contra de la violencia y la indiferencia, el solo hecho de criticar o salir a protestar con papas bombas o crucificarnos no son salidas para expresar nuestro desacuerdo. Por ello artistas de todo el mundo plasman en sus obras mensajes e imágenes que nos invitan a reflexionar y hacer una crítica a esta sociedad de individualismo y falta de solidaridad.


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