SANDOVAL+CRISTIAN


 * **Cristian Fabian Sandoval Galindo** ||< [[image:220185_10150165377176693_611066692_6901420_7617356_o.jpg width="120" height="174"]] ||

=Performance - El Tiempo Es Ahora =
 * [|Arte Positivo] || [] ||

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 * PROYECTO 016 **

**BODY ART ** El Body Art, derivo del Arte Conceptual durante el final de los años sesentas y en los setentas; precursores del Performance, sus representantes utilizaban su propio cuerpo como material para realizar la obra en una concepción que ellos denominaban escultórica o pictórica, mas que teatral. Las obras de Body Art motivadas por creencias espirituales o masoquistas, variaban enormemente. Las primeras experiencias de arte corporal se dieron casi simultáneamente en Estados Unidos y Europa a finales de los años sesenta. Mientras en Paris, en plena resaca del Mayo de 1968, el crítico Francois Pluchart defendía la integración del cuerpo en el proceso creativo, Michel Journiac presentaba acciones en las cuales oficiaba el sacramento de la comunión con su propia misa, en Estados Unidos, Vito Acconci, Chis Burden, Bruce Nauman y Dennis oppenheim empezaban a considerar al cuerpo como un lugar y un medio de expresión artística. Yves Klein, en la ultima declaración pragmática, el critico y teórico francés, establece unas reflexión sobre el papel desempeñado por el arte corporal en las vanguardias, afirmando que el arte corporal emergió en el seno de unas serie azarosa de vanguardias falsificadas ajeno a cualquier tipo de interés decorativo o discursivo, con una clara voluntad perturbadora y desaliente. El arte corporal se presenta como una cura para la enfermedad social puesta en evidencia por los desordenes políticos y culturales del mayo francés del ¨68, y como la mas contundente y violenta reacción contra lo establecido que, conscientemente o no, es el responsable de poner el mundo al revés, un mundo que lugar de dar vida, esclaviza, mutila y castra al ser humano: “Hoy en dia el arte corporal ya no tiene por que producir belleza, sino lenguaje, un lenguaje inédito, no codificado que, rechazando la historia, el sentido y la razón, sea capaz de hablar del cuerpo, aquí y ahora, con el fin de preparar también el mañana” **//BODY PAINTING //** El //body painting// o pintura corporal es una [|pintura artística] aplicada a la [|piel] y se considera una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. El [|hombre prehistórico] descubrió la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros pigmentos que tal vez sirvieron, como pinturas de guerra, para impresionar al enemigo o se utilizaron como señal reconocimiento en la propia [|tribu]. Esta técnica de [|maquillaje] primitivo pudo también servir de [|camuflaje] para la [|caza]. Probablemente incluso antes de que se grabase la primera piedra, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente. Esta práctica servía como instrumento de transformación; los dibujos y los [|colores] permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o se utilizaban sencillamente como ornamento. La pintura corporal reapareció en [|Occidente] a finales del [|siglo XX]. Se trata de un [|arte] transitorio, en el que el pintor crea un [|dibujo] sobre su [|modelo], y al que se dedican varios festivales, entre ellos el de [|Seeboden] en [|Austria] "World bodypainting festival" y el de [|Bruselas] en [|Bélgica] en el Festival Internacional de la película fantástica, "The International Body Painting Contest". Colores: utilización y significado simbólico Las materias utilizadas para fabricar un color pueden ser de origen vegetal, mineral o animal; carbones, cenizas, jugos y semillas de frutas, etc. Los pigmentos universalmente más apreciados son el rojo, el negro, el blanco, y el ocre. Los colores más utilizados por los [|Amerindios] son: El blanco, tomado del polvo de arcilla, se asocia generalmente al luto o a la purificación. El ocre rojo, tomado de la tierra fértil, color de sangre, es símbolo a menudo de energía vital y fecundidad. Por último, el negro, evocador de la noche y el caos primordial, simboliza la nada. El Onges pigmeos de las islas Andamán emplean pigmentos minerales (rojos, amarillos, blancos y negros) mezclados con aceite de tortuga, como símbolo de protección. [] <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Los **tatuajes** fueron una práctica eurasiática en tiempos neolíticos, aunque en principio era mágico-religioso y la <span class="ilad" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">creencia <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">de la vida ultraterrena encontrándose incluso en algunas momias con una antigüedad de hasta 7000 años. Algunas culturas tribales crean los tatuajes cortando la piel y untando la herida con ceniza, tinta u otro material o punzando la piel con huesos de animales. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">El **Tatuaje Egipcio** estaba relacionado con el lado erótico, emocional y sensual de la vida, en aquel tiempo estaba caracterizado por diseños gruesos lineales y solo de color negro, que se asemejan a los diseños tribales actuales, y en muchas de las culturas los animales eran el tema frecuente a tatuar. Están asociados tradicionalmente con la magia, protección y el deseo de la persona tatuada, de identificarse con el espíritu del animal. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Los europeos redescubrieron el tatuaje durante la exploración del Pacífico meridional en los años 1770. Los marineros los tomaron como un símbolo Identificativo en la cultura europea tras la Primera Guerra Mundial. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Desde hace varias décadas el tatuaje ha ganado auge como forma artística. Muchas galerías de arte contemporáneo exponen fotos y grandes diseños de tatuajes de todo tipo, ya sea artistico, <span class="ilad" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">contemporaneo <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">o de otro tipo. Son muchas las competiciones y <span class="ilad" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">exposiciones <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">a nivel mundial que se desarrollan todos los años, como la convención internacional del tatuaje de Londres. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Los **diseños de tatuaje** que se venden a los tatuadores y estudios de tatuaje se conocen con el término inglés "flash". <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">La palabra tatuaje proviene de la palabra inglesa <span class="ilad" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">tattoo <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">, que a su vez proviene del término samoano tátau, que siginifica marcar o golpear dos veces. Los marineros que viajando por el Pacífico encontraron a los samoanos, y quienes quedaron fascinados por sus tatuajes, equivocadamente tradujeron la palabra "tatau" como tatuaje. En japonés la palabra usada para aquellos diseños que son aplicados usando métodos tradicionales es "irezumi" mientras que tattoo se usa para diseños de origen no japonés. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">En español los que estudian tatuajes pueden referirse a los tatuajes como <span class="ilad" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">tattoos <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">, o tatu, aunque ninguno de estos dos términos están todavía recojidos en el <span class="ilad" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Diccionario <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">de la Real Academia de la Lengua. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">[] **<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">CULTURA ONAS ** <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">El pueblo de los onas o selk´nam se aposentó en la Isla Grande de Tierra del Fuego, y como desconocían la navegación, se supone que estaban en este lugar cuando se formó el Estrecho de Magallanes, que separó la isla del continente. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">La pintura es la forma de decoración personal que más cultivan los onas, sobre todo los hombres, y el uso exagerado que de ella hacen revela el grado de salvajismo en que se encuentran, siendo como son el tatuaje y la pintura, aplicada al cuerpo, atributos de razas primitivas. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Las mujeres, si bien reconocen que es el mejor adorno, no siempre se pintan con tanto esmero, ni todo el cuerpo, debido quizás a sus numerosas ocupaciones; solo lo hacen en la cara, brazos y pecho, dando preferencia a la grasa pura para la cara, a causa del lustre que les proporciona. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Como colores usa el ona, por orden de importancia, el rojo, el blanco, el amarillo y el negro. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Entre los diferentes dibujos que se hacen citarse, por ser admirado como el más elegante, el conocido con el nombre de <JOJTALEM> toilette que consiste en hacerse con un peine mojado en pintura blanca y luego en roja una serie de puntos en el pecho, sobre los hombres y en ambas mejillas, cuidando que estas queden exactamente iguales. Este dibujo es usado por los jóvenes de ambos sexos y como peine sirve una mandíbula de delfín.
 * 1) <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">1. El rojo muy vivo, extracto del Urucù (Roucou (Bixa orellana) ou rocouyer).
 * 2) <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">2. El negro verdoso, que viene del jugo de jenipapo (fruta del árbol Genipa americana).
 * 3) <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">3. El blanco de arcilla.
 * 4) <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">4. El negro, que se obtiene a partir de la pulpa de la fruta genipapo (Genipa americana) o del carbón de madera.
 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">HISTORIA DEL TATUAJE **

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Los hombres tienen la costumbre de pintarse todas las mañanas, restregándose previamente con las manos la poca pintura que haya quedado de la víspera, la que al caer, como lo hemos dicho, lleva consigo la suciedad que se encuentra adherida al cuerpo. Además, los diferentes colores les sirven para ciertos actos y demostraciones teniendo reglas fijas para su uso; así, por ejemplo: el rojo es el color de pelea y con el se pintan todo el cuerpo; el blanco es el de alegría. En otras compañías, las mujeres, hombres y niños, cuando están de luto se pintan de colorado el cuello y cabeza. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Cuando se va a cazar se utiliza el color amarillo y si es invierno el color blanco para disimularse en la nieve. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">En caso de buscar novia el indio usa el color blanco para pintarse la cara a pintitas pequeñas y cuando ya se casó hace las mismas pintitas de color negro.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;"> ** PROYECTO 017 **

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;"> **CARLA MORRISON UNA CANTANTE POCO HABITUAL**

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Carla Morrison es una cantante mexicana que radica en Baja California Mexico, cuyo oficio es crear musica con pedales con secuencias y loops, junto con su teclado de efectos y guitarra electroacustica, basados en construir sus canciones en vivo con capas musicales de segundas hasta terceras y cuartas voces de ella misma…Dentro de su sonido se puede sentir la melancolia y el sentimiento de una propuesta muy novedosa y vanguardista, como al igual muy entretenida que da chipazos de mucha melodia y felicidad.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;"> media type="youtube" key="v3hDSz86MfA" width="425" height="350" align="center"


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">STOMP OUT LOUD **

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">El Arte es Cultura pero no necesariamente esta sentencia funciona como un anagrama porque toda Cultura no es Arte y hay locuras que sí lo son.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Stomp Out Loud es algo de lo último, expresionismo hecho de lo simple y cotidiano, es Arte que se nutre de la calle, de lo doméstico, de cada detalle. Stomp Out Loud, es el nombre de una de las presentaciones realizadas por el grupo STOMP, artistas de la percusión minimalista, que emplea los objetos de los más inusuales para hacer música, objetos de los cuáles nadie pensaría obtener ese conjunto de notas musicales porque sencillamente no fueron creados para eso. Así que resulta muy divertido verlos en acción inventando coreografías y música golpeando toda clase de objetos, algunos de desecho como lavaderos de baño, bateas, cilindros, aros de llanta, tapas de ollas, tuberías corroídas, relojes, cajas y tachos de basura... extraídos me imagino de olvidados depósitos de chatarra ó, simplemente, haciendo también números geniales con pelotas de básket, escobas y juegos de naipes.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Lo que me llamó la atención fué que el espectáculo goza de una bien definida linealidad, es una homogénea narrativa visual de situaciones de lo más triviales que sin embargo nos hechizan por la creatividad y los sonidos naturales.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Aunque esta propuesta de los STOMP's no es original porque ya existía desde los 70's bajo una corriente que se denominó "Sonido Industrial" y que compartía más ó menos la misma singularidad, es decir, utilizar sonidos al azar, de la vida diaria ( taladros, serruchos, timbres, etc) para hacer música y de allí dar el siguiente paso fué recurrir también a cualquier material de desecho aparente, para crear diferentes tipos de sonidos por lo que la adaptación de los STOMP podría "catalogarse" como Post-Industrial, corriente en que también podríamos "clasificar" a los extraordinarios Le Luthier's argentinos, verdaderos artistas de lo insólito en frac, quiénes de igual modo "inventaron instrumentos" de lo más disparatados para sus "óperas primas", obras de exquisito humor refinados a partir del mismo concepto de reciclar lo desechado y trastocar el valor de lo que significa "cultural" .. ellos nos heredan su "dactilógrafo", máquina sonora hecha de una máquina de escribir ó su "tugófono parafínico cromático" creado a partir de pedazos de tubos de cañerías de variadas medidas.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Esta "movida" de de los STOMP nos viene desde el verano de 1991, nacida en los suburbios ingleses, de las callecitas que sobreviven de la era victoriana, esas de ladrillo quemado y rústica piedra, las que se hicieron después del último gran incendio de Londres, un pasado que se enfrenta y da refugio a toda la diversidad cultural que ha enriquecido las orillas del Támesis. Lo que vemos en este magnífico espectáculo llamado STOMP OUT LOUD fué resultado de casi 10 años de colaboración entre sus creadores: Luke Cresswell y Steve McNicholas y que, fiel a sus orígenes, ha ido incorporando escenas <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">y armonías dispersas en casi todos los rincones del planeta y eso se ve en el mestizaje de los percusionistas y sus bien sincronizadas performances.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">Actualmente los STOMP's tienen 5 compañías en gira por el mundo, enseñándonos a disfrutar de esos detalles que están a la orden del día y que desdeñamos de nuestras fantasías, ruidos hechos canción y poesía.... sonidos del mundo, como diría Mabela Martínez y que devuelven el asombro a nuestros ojos.

<span style="color: windowtext; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;">La escena que más me divirtió fué la del restaurante de un suburbio Neoyorkino dónde, en medio de las atareadas labores de una gran cocina, se va haciendo música mientras cortan las verduras y la carne producidos por los golpes de los cuchillos y hachas contra las tablas de picar ó, mientras tapan y destapan las ollas de tallarines ó enjuagan la vajilla y dejan las nuevas órdenes de pedido... genial secuencia que terminan barriendo el piso.


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">PROYECTO 018 **


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">PERFORMANCE – HAPPENING **

<span style="font-family: Arial,sans-serif;">**Performance** ====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">La historia del "performance" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> dadaísmo <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;"> y al <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">surrealismo <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> Cabaret de Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">y <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> Tristan Tzara. ====

==== <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">En la performance, el cuerpo del artista asume la creación redefiniendo todo espacio tradicional y actúa como un medio para desafiar la noción de representación. <span style="font-family: Arial,sans-serif;">Esta corriente permite siempre la reflexión acerca de nuevas formas de relación, cada vez menos previsibles, entre artista y espectador. Esta voluntad de desafiar y hacer estallar los límites desde la acción escénica le otorga a la performance un rasgo de inmediatez que la caracteriza y la inscribe como un arte del presente, del aquí y ahora, un arte de fuerza y vitalidad. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">“La performance nace en el campo de las artes visuales con el surgimiento del informalismo en la pintura, entre los años ’40 y ’50. Hasta el momento, la problemática del cuerpo sensible estaba excluida pero, a partir de este movimiento aparece, además de la materia pictórica, el gesto del artista. Algo similar sucede con la denominada escultura expandida, que rompe con el volumen y la especialización, creando obras que involucran al espectador” explica Jorge Zuzulich. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">En este sentido, el arte performático cuestiona la idea de la obra como un hecho cerrado y propone la reflexión en torno al cuerpo, tanto el del artista como el del espectador. Según Zuzulich, “ambos cuerpos, artista y público, con todos sus sentidos despiertos, componen sus fuerzas para generar un espaciamiento, esto es, delimitar un territorio para que algo suceda, para que algo se construya”. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">Mediante la necesidad de integrar la acción al arte, se redefine entonces la noción de “espacio” sumando, a la vez, el comportamiento del cuerpo en dicho espacio y su relación con el espectador, factores intrínsecos de la performance como nueva tendencia. Desde el advenimiento de la instalación, los cruces con otras prácticas son posibles: “Las instalaciones apelan a todos los sentidos del receptor de la obra, ya que incluyen texturas, sonidos y hasta aromas. Por otra parte, en los happenings el artista convoca a un público que es además autor para una participación activa con gran dosis de azar y de juego, de componente lúdico”, dice Zuzulich. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">Como arte de acción, la performance es un espacio en el que pueden converger distintas disciplinas artísticas en cruces que la fertilizan. La fotografía y el video se acoplan como nuevas posibilidades de generar obras, de registrar acciones realizadas para la cámara en una especie de “performance en solitario”. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">A principios de los años ’70, el video ya no es sólo registro, sino que adquiere autonomía y pasa a formar parte del acontecimiento performático. En el reciente evento “5.5 Performance”, organizado por el Grupo de Estudios de la Performance (GEP) del IUNA, estos cruces se reflejaron claramente: cada una de las performances presentadas tuvo como correlato un videoperformance. Zuzulich, quien tuvo a su cargo la curaduría de la muestra, señala: “Buscábamos producir tensión entre ambos soportes, performático y videográfico, partiendo del mismo concepto y marcando cercanías y distancias”. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">El evento, de carácter internacional, reunió trabajos de artistas que llegan al IUNA desde distintas ciudades del mundo para especializarse en Tendencias Contemporáneas de la Danza. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Así como la fotografía y el video se incorporaron en su momento a la performance, las denominadas Nuevas Tecnologías proponen otros cruces a través de interfases y sensores que, adosados al cuerpo del performer, ponen en funcionamiento secuencias lumínicas, grabaciones o proyecciones y posibilitan nuevos modos de acción-interacción entre éste, su público y la obra. ====

====**<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Happening **<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los <span class="apple-converted-space" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> 1950 <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">caracterizada por la participación de los <span class="apple-converted-space" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> espectadores <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado <span class="apple-converted-space" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> teatro de participación <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">. ====

==== <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una <span class="apple-converted-space" style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> obra de arte <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el //happening// con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la <span class="apple-converted-space" style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> improvisación <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">. ====

==== <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por <span class="apple-converted-space" style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> Spencer Tunik <span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">en los cuales se implican a masas de gente desnuda. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">A partir de las experiencias realizadas en 1952 por el músico y compositor norteamericano John Cage y su discípulo Allan Kaprow, surge este movimiento. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Es difícil establecer características comunes a los artistas pertenecientes a esta corriente, puesto que cada uno de ellos lo adapta a su forma personal. Entre los representantes más significativos podemos mencionar a: Beuys, Vostell y Kaprow; quienes aunque hayan sabido dibujar y llevar a cabo importantes obras, no implica que sean considerados pintores. ====

==== <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">El Happening no ha tenido gran repercusión, ni ha aportado demasiado a la historia de la pintura. Pero en Japón, durante la década del ‘50, los miembros del grupo Gutai se dedican íntegramente al Happening, emprendiendo interesantes trayectorias dentro de la pintura. De todos ellos, el más destacado, es el jefe Jiro Yoshihara. Entre los representantes argentinos de este movimiento podemos destacar a <span class="apple-converted-space" style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;"> Marte Minujin <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">En sus principios en los Estados Unidos de América donde se rea­lizaron las primeras manifestaciones de happenning, es­timuladas por las obras neodadaístas de Jasper Johns y de Rauschenberg. En la Reben Gallerg, Kaprow montaría, en octubre de 1959, su primer happening, que llevaba por título 18 happenings in 6 parts. A este le siguieron otros, como Coca Cola Shirley Cannonball?, A Spring Happen­ing, The Courtyard, A service for the Dead. Kaprow se sentía muy cercano al automatismo de la «action painting», en especial al de Pollock, porque existían diferencias notables, pues mientras ésta prescindía de la capacidad crítica de reflexión, el «arte acción» de Kaprow activaba no sólo la imaginación, sino también la reflexión, así como el distanciamiento del espectador con respecto a la acción. Con similar intensidad, y dentro del contexto americano, han realizado happenings Robert Whitmann, que trabajó, fundamentalmente con celofán; Claus Oldenburg, que utilizó objetos en movimiento (los hombres entraban, asimismo, en la categoría de “objetos”); y Jim Dine. Para algunos críticos, estos montajes no fueron más que manifestaciones antiburguesas; un rechazo o una crítica al conformismo desplegado por los artistas pop. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">En cambio, en Europa, el happening adoptó un carácter más agresivo y revolucionario, introduciendo en sus montajes motivos o acontecimientos extraídos de la realidad político-social. Pretendió influir sobre ésta para crear una conciencia del individuo, que hiciera “prevalecer en plena realidad el derecho a la vida psíquica”, tal y como aparece recogido en un documento firmado en 1966 por Jean-Jacques Lebel, Wolf Vostell y Jóseph Beuys, entre otros. No obstante, muchas de las situaciones políticas utilizadas no fueron más que simples pretextos para explorar su lado estético y catártico. Para Lebel, que participó en el happening permanente del Barrio Latino en el mayo del 68, la revolución del arte termina justo en el acto mismo de su realización (con motivo del incendio de la Bolsa de París el 24 de ese mes declararía a Vostell haber experimentado un “orgasmo absoluto” ante el mismo). Las cosas fueron muy otras cuando se entabló la lucha callejera entre los estudiantes y la policía, poniendo en evidencia los equívocos o interpretaciones ilusorias de la pretendida identificación arte-vida o arte-política. Los happenings de Vostell realizados en Amsterdam en 1962­ y 1963 constituyeron, asimismo, otra muestra del divorcio existente entre la provocación artística y la provocación política. Sin embargo, no podemos negar el carácter de crítica simbólica que estos happenings tuvieron respecto de una determinada realidad social y política. ====

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> ** PROYECTO 019 **


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">ARTE KITCH **

====<span style="font-family: Arial,sans-serif;">La palabra kitsch se utilizaba en los mercados de arte de Munich, entre los años 1860 y1870, para describir los dibujos y los bocetos de artistas, que se comercializaban baratos y de manera fácil. Además define al arte considerado como copia inferior de un estilo existente, o cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de mal gusto. En Alemania sudoriental se utilizaba la palabra, que origina el término kisch, para referirse a hacer la limpieza en las calles de manera apresurada, y por consiguiente se aplicó la misma a los trabajos realizados de manera precipitada y con descuido, provocando que los críticos hablaran del kitsch como un arte "chatarra" que se fabrica con el único interés de satisfacer el gusto popular, la ganancia económica y como respuesta a las masas consumidoras en las sociedades del siglo XX. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">La nueva y adinerada burguesía de Munich creía que podría alcanzar el status de la clase tradicional de elite copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales. Lo que provoca que adquirieran estos objetos de gusto mediocre para aparentar status social. ====

==== <span style="font-family: Arial,sans-serif;">Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido, de mala <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">manufactura, fraudulento, no auténtico, de imitación y moralmente dudoso. Busca dar un efecto sentimental y convencer a otros de comprarlo, apelando ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">directamente a las emociones sobre la razón. Existe la versión de que este término pudo derivarse del inglés sketch (bosquejo), término utilizado por los turistas estadounidenses en Europa, y que vendían a bajo costo. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">En realidad todos los significados que se le atribuyen, independientemente del origen etimológico, son las acepciones con que el concepto es utilizado. Un objeto puede ser kitsch por sí mismo, o convertirse en kitsch según su contexto o uso. El "arte" kitsch no es necesariamente barato, puede incluso ser más caro y hasta coleccionarse; son objetos destinados a divertir o satisfacer al comprador momentáneamente. ====

==== <span style="font-family: Arial,sans-serif;">El kitsch muestra objetos industrializados sin gusto definido, por ejemplo: conejos, perros, gatos o patos de cerámica, gnomos de yeso, Nigüentas de yeso, reproducciones de pinturas enmarcadas, tapetes de plástico, flores de papel, ropa con leyendas de todo tipo, objetos con el diseño de ítems de películas o de animales en poses humanas, madonas de plástico, figuras de miniatura en el jardín, plantas, flores y fruta de imitación y otros. Son imágenes que despiertan el sensacionalismo, sentimentalismo, patriotismo, romanticismo, <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">simplificación y clichés sociales. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif;">Para muchas personas el kitsch representa el apogeo de arte malo y la falta de buen gusto; sin embargo, es más que eso y está mucho más extendido de lo que usualmente se admite. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Esta palabra se utiliza tanto para arte como para el entretenimiento, la política o la religión. El mal gusto no es el atributo principal de lo kitsch, también puede implicar un gusto corrompido o una originalidad fingida, dándole un sentido más de ética que de estética. Corresponde a la falta de originalidad, a las cuestiones comunes o trilladas, la hipocresía o la deshonestidad en diversas formas ====

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> ** PROYECTO 020 **


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">LAND ART **

<span style="font-family: Arial,sans-serif;">Desde sus inicios, el arte siempre ha buscado la forma de crear nuevos medios, lenguajes, materiales y significados para crear obras novedosas, pero siempre manteniendo su fin real: la reflexión de la existencia humana y de los mundos que la rodean. Y uno de esos mundos es el de la naturaleza, el cual guarda un gran respeto y misticismo que el ser humano siempre trata de comprender. Y tal vez una de esas formas de descifrarlo es a través del Land Art. El //<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">Land Art //<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> es una corriente artística contemporánea que usa los paisajes y elementos de la naturaleza como escenarios y medios para realizar una obra de arte. Nació en la década de los 70's, y tiene como fin recordar la naturaleza que no sólo estamos olvidando, sino también maltratando. <span style="font-family: Arial,sans-serif;">El principio más importante del Land Art <span class="apple-converted-space" style="font-family: Arial,sans-serif;"> es intervenir en el espacio de la naturaleza, pero en ningún momento quiere ni busca maltratar el espacio, todo es con sentido artístico. Estas obras son realizadas en lugares muy remotos, lejos de la mirada de los espectadores, y son de tamaño monumental. Sin embargo, la mayoría del <span style="font-family: Arial,sans-serif;">//Land Art// <span class="apple-converted-space" style="font-family: Arial,sans-serif;"> es efímero, y desaparece con el paso del tiempo, ya que fenómenos como la erosión, la lluvia, las mareas van desgastando los materiales hasta demolerse por completo. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">E <span style="font-family: Arial,sans-serif;">s muy difícil poder llegar a observar el Land Art en vivo y en directo, ya que sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial y sólo llegan a ser conocidas por medio de registros como las fotografía, videos o dibujos que se exponen en museos y galerías, o que pueden ser compradas por coleccionistas.Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. El paisaje es parte fundamental de la obra, el que indica muchas veces el que hacer. El arquitecto dialoga primero con el entorno y posteriormente la obra seguirá esta conversación. Así podrá surgir esta transformación que permita esta experiencia artística, recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, pensamientos y sensaciones. Muchos artistas meticulosamente realizan una creación de documentos con fotografías y vídeos para tener un registro. Especialmente en el caso de instalaciones de arte a distancia, estos registros pueden ser vitales, ya que permiten a la gente a ver el arte sin tener que viajar. Y otros artistas consideran que la interacción física con el Land Art es una parte importante del proceso de visualización.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> ** PROYECTO 021 **


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">DANZA CONTEMPORÁNEA **

====<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de más de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">La danza son movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados generalmente de música y que sirven como forma de comunicación o expresión. Todo ser humano tiene la cualidad de expresarse a través del movimiento. La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios, por ejemplo, una acción tan normal como el caminar, al realizarse en la danza de una forma establecida, en círculos o en un ritmo concreto y dentro de una situación específica. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">La danza contemporánea o moderna es un estilo creado para expresar los sentimientos. Así como los sentimientos cambian, los bailarines contemporáneos deben cambiar constantemente. Es importante el individualismo, la abstracción y la entrega al arte. Los bailarines tienen poco en común además del rechazo de las tradiciones existentes y del deseo de reexaminar los principios fundamentales de la danza como medio de comunicación. Actualmente existen dos técnicas: La Graham y la Cunningham, pero los bailarines contemporáneos suelen revolverlas. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">La danza contemporánea surgió como una reacción en contra de las posiciones y movimientos estilizados del ballet clásico, alejándose de su estricto criterio tradicional y romántico, de cualquier código y regla académica. Fue conocida después de la I Guerra Mundial y ha sido la portadora de una importante función: la comunicación. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Según muchos, esta danza se define más a través de lo que no es que de lo que es. En la danza contemporánea la dinámica del cuerpo proviene de la energía de la persona haciendo que el movimiento alcance cada parte del cuerpo. El espacio es utilizado como una vía natural de expresión a través de cada gesto y del dinamismo del movimiento. Influenciada por diferentes estilos que fueron desarrollados durante el último siglo en América y Europa, sólo uno de ellos es permanente en la danza contemporánea de hoy: la libertad. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Su ejecución no sólo se desarrolla en posición vertical, es tan rica que se pueden usar diferentes posiciones y niveles. La forma en la que ocurre es siempre caracterizada por la simplicidad y elegancia de su técnica. ====

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> ** PROYECTO 022 **


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">ARTE CINÉTICO **

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan. Este término apareció por primera vez en 1.920 cuando Gabo en su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Utilizó esta expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla de acero movida por un motor y da valor al término utilizado hasta ese momento en la física mecánica y en la ciencia, pero comienza a utilizarse de forma habitual a partir del año 1.955. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Pero específicamente el Arte cinético es una corriente artística, principalmente pictórica y escultórica, basada en el movimiento. Las obras cinéticas están dotadas de movimiento real, juegan con efectos ópticos que lo simulan o incluso provocan que sea el propio espectador el que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Debido a la gran diversidad de obras existentes dentro de la tendencia artística del Cinetismo, se ha realizado una clasificación de las mismas para clarificar y diferenciar estas aportaciones. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">En primer lugar, se encuentran las obras de carácter bidimensional o tridimensional con movimiento real. Generalmente, están dotadas de mo­tores que permiten que toda la obra, o bien determinadas piezas de la misma, se mueva. Se incluyen dentro de esta tipología las realizaciones basadas en proyecciones lumínicas, pues se considera que el movimiento luminoso también corresponde a este grupo en el que el dinamismo es fundamentalmente real. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">En segundo lugar, se consideran las obras bidimensionales o tridimensionales estáticas, pero que poseen efectos de carácter óptico. Esta topología corresponde al denominado Op-Art (abreviatura del Optical Art). ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Y, por último, las obras bidimensionales o tridimensionales transfomables, en las que se requiere el desplazamiento del espectador para ser aprehendidas en su totalidad, o bien la manipulación directa que éste pueda realizar sobre ellas, con la que se logra un movimiento que puede ser vibratorio, de vaivén, etc. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">La segunda tipología apuntada, la que corresponde al Op-Art. es sin duda, la que más adeptos tuvo; y, no obstante, para ciertos sectores de la crítica de los años sesenta, no debía incluirse en el seno del Cinetismo, pues en sus obras el movimiento no es real sino ilusorio, ya que proviene de toda una serie de efectos derivados de la incapacidad de la retina hu­mana para situar como estáticos determinados objetos que, por el modo en que están constituidos, dan la sensación de movimiento. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Aún así, según el historiador Frank Popper -el mayor estudioso del Arte Cinético- todas las tipologías mencionadas corresponden a esta ten­dencia artística, pues lo esencial es la sensación que se produce en el observador. ====

====<span style="background-color: white; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Dentro de la modalidad del Op-Art existen obras muy distintas, pues responden a diferentes tipos de ilusiones ópticas. Así, entre las piezas más significativas que generan ilusiones de carácter óptico pueden distinguir­se dos grandes grupos: por un lado, las figuras de carácter ambiguo, for­madas por un juego de figura-fondo o bien por un juego de perspectivas opuestas; y, por otro, las que suponen una agresión a la retina, creadas gracias a imágenes persistentes, al efecto de muaré o a la ubicación inestable de formas y colores. ====

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> ** PROYECTO 023 **


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">INSTALACIONES **

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> ** PROYECTO 024 **


 * <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">VIDEO ARTE **

<span style="font-family: Arial,sans-serif;">El videoarte, es utilizado como medio para la creación artística, nace cuando un grupo de artistas vinculados a las vanguardias de los años sesenta comienza a utilizar la nueva tecnología de la imagen electrónica con fines artísticos.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Cuando en **<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11.5pt;">1 **<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">965 se lanzan al mercado las primeras cámaras portátiles de video y, por lo tanto, la tecnología del video se vuelve accesible, una nueva generación de artistas visuales incursiona en el arte de la imagen en movimiento. Un magnetoscopio portátil permite que las imágenes electrónicas se registren sobre una cinta magnética. La cámara de mano aportó movilidad, facilidad y, sobre todo, accesibilidad al arte de la imagen en movimiento.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Aunque eran costosas, estas cámaras eran mucho más económicas que las cámaras de televisión y que las cámaras cinematográficas de 16 mm. -hasta entonces la herramienta utilizada por artistas independientes. Con las nuevas cámaras portátiles desaparecían las restricciones impuestas por Hollywood y por las productoras de televisión. Rápidamente estas cámaras se convirtieron en un medio autónomo de la industria televisiva en manos de artistas, documentalistas, coreógrafos, que veían en ella una herramienta que les permitiría acceder a los espacios antes reservados a las productoras de televisión.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">El video arte defiende un lenguaje audiovisual que se conforma en la indagación de cualquier razón alternativa para sintetizar y articular códigos expresivos procedentes de diversos ámbitos del audiovisual. Sus producciones se diferencian de otras prácticas como el video clip, el video documental y el video de ficción, porque, sobre todo, intenta crear nuevas narrativas y nuevas formas de visualizar al operar con presupuestos que no se restringen a las premisas de estos géneros. De manera que se trata de una manifestación que significa una ruptura con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros espacio-temporales e interactivos completamente distintos.

<span style="color: windowtext; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">[|http://es.wikipedia.org]

<span style="color: windowtext; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">[|http://www.oni.escuelas.edu.ar]

<span style="color: windowtext; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">[|http://www.actuallynotes.com]

<span style="color: windowtext; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">[|http://ntic.educacion.es]

= = = = =<span style="color: #ff4900; font-family: 'Comic Sans MS',cursive;">**Censura En El Renacimiento** =

<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Censura en el Renacimiento <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Dos fueron las principales formas de censura luego de la aparición de la imprenta y las ejerció la iglesia y la monarquía. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">La Iglesia y monarquía decidían a quien conceder o no el permiso de imprimir. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Las impresiones sin permiso era reprimidas cruelmente. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Por medio de leyes, decretos que emitía el rey por orden de la Iglesia. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">A través de esta ley, quienes poseían un negocio – imprenta debían mostrar sus textos a los censuradores (iglesia y monarquía) para que ellos decidan si se publican o no. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Estas disposiciones promovieron la aparición de publicaciones clandestinas impresas y manuscritas. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Luego, cuando las imprentas llegaron a países dominados por los protestantes, la libertad de publicación fue mayor. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Enrique II en Francia, estableció la pena de muerte para los impresores de escritos sin permisos oficiales. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">En España se prohibió el ingreso de libros de romance de otros países. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">La violación de la norma incluía pena de muerte y pérdida de bienes. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Autoridades civiles y eclesiásticas visitaban librerías para revisar los libros y quemar los no autorizados. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">El siglo XVI se caracteriza por un incremento notable de publicaciones clandestinas. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">En 1559 se publica el primer índice romano sobre publicaciones clandestinas.

<span style="color: #ff4d00; font-family: 'Comic Sans MS',cursive; font-size: 12pt; vertical-align: baseline;">Leonardo da Vinci
====Leonardo da Vinci (1452-1519) es, con Miguel Angel, la figura máxima del Renacimiento no sólo italiano, sino en general. Formado en los talleres del Verrocchio y Pollaiuolo, pronto se independizó y comenzó a crear verdaderas obras maestras del arte, entre las que se encuentra "La mona lisa" o "Gioconda", que es, probablemente, la pintura más famosa del mundo. Reconocido también por sus conocimientos de anatomía, aeronáutica, ingeniería militar y muchos otros campos, como artista fue un gran innovador, interesado tanto en experimentar con nuevas técnicas del óleo, como en hacer -por ejemplo- numerosos estudios para perfeccionar la caída de los pliegues de la ropa de los personajes de sus cuadros. Desarrolló gran parte de su obra bajo el mecenazgo de Ludovico Sforza, en Milán, hasta la caída de la dinastía Sforza en 1499. Un año después se trasladó a Florencia, donde recibió el encargo, junto con Miguel Angel, de crear dos gigantescos murales para la Cámara del Consejo de la República, conmemorativos de las victorias florentinas; ninguno de los dos murales fue terminado. Además de la Gioconda dejó al mundo obras tan hermosas como La adoración de los magos, la Virgen de las rocas o Dama con un armiño. Este libro presenta la aportación teórica de da Vinci con respecto al manejo de la luz en la pintura.====

<span style="color: #ff4d00; font-family: 'Comic Sans MS',cursive;">Louis Braille ====El sistema que ideó Braille para que los ciegos pudieran leer y escribir se basa en el método de Barbier, que emplea puntos y guiones en relieve sobre cartón. La invención se centra en el tacto de las personas, de manera que mediante los dedos consigan distinguir una serie de puntos que representan las letras. Cada una de ellas se diferencia del resto por el número y la localización de seis puntos dentro de unos límites máximos de tres de altura y dos de anchura. Además, también se representan los números y los signos de puntuación==== ====En un primer momento, para la escritura en Braille se empleaba un armazón metálico o de madera con surcos y en forma de pequeños cuadrados sobre el que se colocaba el papel para marcar un relieve con un punzón. Los puntos se graban de derecha a izquierda desde la parte posterior de la hoja, para que aparezcan correctamente por el lado contrario. Hoy en día se usan máquinas de escribir como la Perkins o la Hall Braille, ordenadores y aparatos habituales, como las calculadoras, que se adaptan para los ciegos con un teclado de Braille y que crean caracteres en ese alfabeto====

** Johann Gutenberg. **


<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Fuese quien fuese el descubridor, parece estar reconocido en la actualidad de forma prácticamente universal que fue Gutenberg el primer impresor, al menos, el primer impresor conocido. Ello no excluye que con anterioridad se hubieran llevado a cabo experimentos en este campo: en efecto, todo parece indicar que así fue y probablemente, Gutenberg supo aprovecharse de estas experiencias en las que también participó activamente.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Pertenecía Gutenberg a la familia de los Gensfleisch -Gutenberg era un apodo-, famosos orfebres de Maguncia. Apenas se sabe nada de su vida, y las noticias que han llegado hasta nosotros no son directas, sino que proceden de los múltiples procesos en los que se vio envuelto y que a veces nos permiten reconstruir sus pasos o suponer ciertos hechos con bastantes probabilidades de acertar. Por estos indicios se sabe que estuvo desterrado en Estrasburgo, donde entró en contacto con orfebres con los cuales mantuvo una serie de extrañas relaciones que parecían ir encaminadas hacia la experimentación de algún descubrimiento pero que terminaron en pleito. De vuelta a Maguncia monta su taller con ayuda del banquero Johann Fust y en 1450 aproximadamente publica su primera obra, la llamada Biblia de las 42 líneas o de Mazarino, por haberse encontrado el primer ejemplar en la biblioteca de este cardenal. La Biblia se compone de dos volúmenes y las páginas tienen cuarenta y dos líneas -de ahí su nombre- y dos columnas y están escritas con letra gótica. Se tiran 150 ejemplares en papel y 50 en pergamino: se conservan unos 46 o 47 -los autores no se ponen de acuerdo en este punto. Es la única obra que se considera completamente suya sin duda, aunque no lleva marca de imprenta, firma ni fecha o lugar de publicación.

<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Poco tiempo después Fust plantea un proceso contra Gutemberg a causa de las deudas de este, y en pago a sus créditos consigue quedarse con los talleres. Asociado con Schoeffer, antiguo copista, dibujante y grabador de iniciales de Gutenberg, y ambos publican en 1457 una colección de Salmos conocida con el nombre de //<span style="font-family: Arial,sans-serif;">Salterio de Maguncia //, primer libro con fecha de impresión, nombre de los realizadores y hasta marca de imprenta -los escudos con las iniciales de sus impresores colgando de una rama de árbol. La asociación entre Fust y Schoeffer continúa hasta 1470 año en que muere Futs; Schoeffer siguió publicando hasta 1502-3. <span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13pt;">Por su parte Gutenberg vuelve a rehacerse y montar un nuevo taller en el que publica la Biblia de las 36 líneas, obra que tampoco lleva nombre de realizador y sobre la cual no existe unanimidad en considerarla obra suya. De cualquier modo, la Biblia de las 36 líneas es sensiblemente de inferior calidad que la de la Biblia de las 42 líneas. Según parece, Gutenberg aún se vio envuelto en nuevos procesos por motivos económicos y terminó sus días en pobreza protegido por el arzobispo de Maguncia.

<span style="color: #ff4900; font-family: 'Comic Sans MS',cursive;">La World Widw Web - WWW

====<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">En 1989, Tim Berners-Lee creó la World Wide Web.Acuñó el término "World Wide Web", desarrolló el primer servidor para la World Wide Web, <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">"httpd," y el primer programa de cliente (un navegador y un editor), "WorldWideWeb" en octubre de 1990. Creó la primera versión del "Lenguaje de Etiquetado de Hipertexto" (HTML), lenguaje de formateo de documentos con enlaces de hipertexto que se convirtió en el formato de publicación principal para la Web. Sus especificaciones iniciales para URI, HTTP y HTML fueron mejoradas y debatidas en foros más amplios, mientras la tecnología Web se extendía. ====

====<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">Graduado por la Universidad de Oxford, Inglaterra, Tim Berners-Lee ha sido el director del Consorcio World Wide Web (<span style="font-family: Arial,sans-serif;">W3C ) desde su creación. ====

====<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">En octubre de 1994, Berners-Lee fundó el Consorcio World Wide Web (<span style="font-family: Arial,sans-serif;">W3C ) en el Laboratorio de Ciencias Informática del Instituto de Tecnología de Massachusetts [<span style="font-family: Arial,sans-serif;">MIT/LCS ], en colaboración con el <span class="apple-converted-space" style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;"> CERN <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">, donde la Web tuvo su origen (más información sobre el <span class="apple-converted-space" style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;"> servidor original del CERN <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">), con la colaboración del <span class="apple-converted-space" style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;"> DARPA <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">y de la <span class="apple-converted-space" style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;"> Comision Europea <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">. Para obtener más información sobre la iniciativa conjunta y las contribuciones del <span style="font-family: Arial,sans-serif;">CERN, <span style="font-family: Arial,sans-serif;">INRIA y <span style="font-family: Arial,sans-serif;">MIT , consulte la declaración sobre la Iniciativa Conjunta World Wide Web. ====

====En Abril de 1995, INRIA<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;"> (Instituto Nacional de Investigación en Informática y Automática) se convirtió en la primera sede Europea del W3C, seguida de la Universidad de Keio en Japon (Campus de Shonan Fujisawa) en Asia, en 1996. En 2003, ERCIM (Consorcio Europeo para la Investigación en Informática y Matemáticas) sustituyó, en el papel de sede Europea, a INRIA. ==== ====<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">En diciembre de 2004, en Boston, Massachusetts (EE.UU), en junio de 2005, en Sophia-Antipolis, (Francia), y en diciembre de 2006 en Tokio, (Japon), el W3C celebró su décimo aniversario con tres simposios sobre el pasado y el futuro ====

<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 13.5pt;">de la Web y del W3C.

 * <span style="color: blue; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">VIDEO MAPPING **

Las primeras proyecciones del Mapping no fueron de mi total agrado, pero como pueden ver el video, la proyección a la iglesia de Lourdes fue genial, es como poder estar al frente de una máquina del tiempo, que te deja ver como serian las cosas en un futuro; como serian las cosas en un pasado. Los colores, los sonidos y hasta el mismo ambiente hace que uno se traslade y viva el arte como una experiencia

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 * <span style="color: blue; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">PELICULA LA OLA **

<span style="color: #333333; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">Quizás hoy en día, en todas partes del planeta, no exista nadie que no conozca el nombre de Adolf Hitler. Algunas sabrán un poco más, otros un poco menos, pero a rasgos generales tienen idea de su historia, de su ideología y de sus acciones. <span style="color: #333333; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">Detractores, opiniones cruzadas y matanzas generalizadas unidas a la historia de un país y del mundo entero. El totalitarismo, el sentimiento de Nación, los prejuicios, la sangre y una Segunda Guerra Mundial donde el Nazismo de este líder alemán fue protagonista. <span style="color: #333333; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">Esto podría ser el resumen de una clase de historia, pero ¿cómo explicar a un grupo de adolescentes qué fue este peligroso movimiento? ¿Cómo hacerles entender a chicos separados de este hecho por la geografía y por el tiempo que una población pudo caer bajo el carisma de este hombre? ¿Qué ideas fueron inculcadas? ¿Qué sentimiento fue el que los unió para esta atrocidad? <span style="color: #333333; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">Sí, puede ser fácil de explicar, pero difícil de ver y comprender, mucho menos si no nos ponemos en el lugar del otro. Por eso tal vez es que esta idea de “ponerse en los zapatos de otro” fue lo que llevó a un profesor de un colegio secundario a hacer un pequeño experimento con sus alumnos. <span style="color: #333333; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">Para hacerles entender a este grupo de adolescentes cómo funciona la autocracia, decidió impartir sus clases con mucha autoridad, generar un clima de unión, donde todos podrían destacarse. Los juntó con un fin común y al mismo tiempo los separó: no todos eran iguales. <span style="color: #333333; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">Pero lo que empezó como un simple experimento en una clase, llamado La Ola, con una seña que los identificaba y uniformes acordes, comenzó a tomar forma por sí solo, de a poco, y terminó convocando a más estudiantes e iniciando una serie de acciones, enfrentando a estos jóvenes en bandos opuestos. <span style="color: #333333; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">El terror se sembró en el aula y se extendió de forma alarmante. La pequeña prueba se le fue de las manos. Ahora, ¿cómo frenarla? "La Ola" es una película alemana basada en hechos reales, que viene a demostrar que el totalitarismo y un régimen fascista podrían volver a instalarse nuevamente entre las nuevas generaciones, aún en la actualidad.

Desde su larga y complicada relación con su mentor y marido, Diego Rivera, hasta su controvertido e ilícito affaire con Leon Trotsky, pasando por sus provocativas aventuras amorosas con mujeres, Frida Kahlo vivió una vida atrevida y absoluta como revolucionaria política, artística y sexual. La película sigue la vida de Frida, centrándose en la tormentosa relación que mantuvo durante años con el también pintor Diego Rivera (Molina), y el lugar que ambos consiguieron labrarse en el mundo del arte de mediados de siglo pasado, y que les permitió codearse con las personas más influyentes del momento: David Siqueiros (Banderas), el rival artístico de Rivera, Tina Modotti (Judd), una famosa fotógrafa italiana, y Nelson Rockefeller (Norton), quien contrató a Rivera para que pintase un mural en el Rockefeller Center, y luego quiso destruirlo por aparecer la figura de Lenin. Otros personajes que también aparecen en la película son Leon Trotsky (Rush), poco antes de ser asesinado por mandato de Stalin, el muralista Jean Charlot, el pintor Pablo O´Higgins y el compositor Silvestre Revueltas. Además de ser la más importante artista latinoamericana del siglo XX, Kahlo mantuvo siempre un halo de misticismo y misterio alrededor de su figura, quizás formado por su poco convencional naturaleza: bisexual y comunista, sufrió el amor de un marido excesivamente abusivo, además de perder una pierna en un accidente de autobús, para terminar muriendo a los 47 años por culpa de las drogas y el alcohol.
 * <span style="color: blue; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">PELICULA ****<span style="color: #0026f8; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;"> FRIDA KAHLO **


 * <span style="color: blue; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">PELICULA ****<span style="color: #0026f8; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;"> AMADEUS **

<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">Mozart nació para enseñarle a Salieri que el genio no es resultado ni de la castidad, ni de los rezos, ni del espíritu religioso o de la inspiración, sino que //es genio quien Dios decide que lo sea// (una lección de humildad). La guerra se inicia en ese preciso instante: Salieri destruirá ahora a la creación de Dios: Wolfgang Amadeus Mozart, el //amado por Dios// (//«Amadeus»//), y no descansará hasta borrarlo de la faz de la tierra. <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">Tal guerra entre Dios y Salieri toma pues a Mozart como su campo de batalla. Luego de haber decidido la destrucción de Mozart para vengarse de Dios, Salieri se encarga de convertir la vida de aquél en un infierno, arrebatándole el cargo de profesor de la sobrina de José II, puesto tan desesperadamente necesitado por Mozart debido a su pobreza, calumniando frente al Emperador su gran ópera cómica Las bodas de Figar <span class="apple-converted-space" style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">o, <span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;"> con tal de hacerle caer. Pero a pesar de todos sus intentos por destruirle, Salieri ve horrorizado cómo parecen ir en favor de su joven enemigo, y como una tenebrosa ironía, lo que parece de Dios un ataque contra Salieri despedaza también a Mozart. Dios riéndose de Salieri en su rostro, destruyendo a su amado mientras Salieri se destruye a sí mismo.

<span style="color: black; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">La película cuenta la vida de Mozart narrada por su rival, Antonio Salieri. El film comienza cuando el ya anciano Salieri intenta suicidarse mientras grita que fue él quien asesinó a Mozart. Sus criados, tras derribar por la fuerza la puerta tras la cual Salieri se intentaba suicidar, lo llevan a un manicomio en donde, ante la gran posibilidad de que vuelva a intentar suicidarse, se decide llamar a un sacerdote, llamado Vogler. El padre Vogler pronuncia una frase conocida y usada hasta hoy por los religiosos: //«Todos los hombres son iguales ante los ojos de Dios»//, la cual resulta indignante para los oídos de Salieri, quien responde sarcástico: //«¿Lo son...?»//. Salieri decide, a raíz de esta frase, contarle su historia. Salieri, de adolescente, había hecho un pacto con Dios, a quien le entregaría su castidad y laboriosidad a cambio de hacerlo un músico tan famoso y brillante como Mozart, que era su ídolo.

<span style="color: black; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;">Comienza en la España de 1792 y narra la historia, a través de la mirada de nuestro genial pintor patrio, de un grupo de personas inmersas en un periodo de convulsión política y cambios históricos. La acción transcurre desde los últimos años de la Inquisición a través de la invasión del Ejército napoleónico hasta la última derrota de los franceses y la restauración de la monarquía española por parte del potente ejército invasor de Wellington. <span style="color: black; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 10pt;"> Javier Bardem es el Hermano Lorenzo, un astuto y enigmático monje perteneciente al círculo más selecto de la Inquisición, que se involucra con la musa adolescente de Goya, Inés (Natalie Portman), cuando es falsamente acusada de herejía y enviada a prisión. Stellan Skarsgard interpreta a Francisco de Goya, nuestro celebrado artista, conocido tanto por sus coloridas obras como por las oscuras descripciones de la brutalidad de la vida y la guerra en España.
 * <span style="color: blue; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">PELICULA ****<span style="color: #0026f8; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;"> GOYA - LOS FANTASMAS DE REMBRANDT **


 * <span style="color: blue; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">PELICULA ****<span style="color: #0026f8; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 11pt;"> VERMER - LA JOVEN DE LA PERLA **

<span style="color: black; font-family: Verdana,sans-serif; font-size: 8.5pt;">Delft, Holanda, 1665. La joven Griet entra a servir en casa de Johannes Vermeer que, consciente de la intuición de la joven para la luz y el color, irá introduciéndola poco a poco en el misterioso mundo de su pintura. Por otro lado, Maria Thins, la suegra de Vermeer, al ver que Griet se ha convertido en la musa del pintor, decide no inmiscuirse en su relación con la esperanza de que su yerno pinte más cuadros. Griet se enamora cada vez más de Vermeer, aunque no está segura de cuáles son los sentimientos del pintor hacia ella. Finalmente, el maquiavélico Van Ruijven, consciente del grado de intimidad de la pareja, se las ingenia para que Vermeer reciba el encargo de pintar a Griet sola. El resultado será una magnífica obra de arte "LATINOAMERICA" Según la definición oficial de la Real Academia Española, «Latinoamerica» es el conjunto de países del continente americano en que se hablan lenguas romances, específicamente español, portugués y francés. Según la mayoría de Norte Americanos «Latinoamerica» representa subdesarrollo, pobreza e inmigración. Segun los Europeos «Latinoamerica» es poca culta y de malos hábitos. Según nosotros «Latinoamerica» es un cuadro pintado por el mismo Dios, es la tierra mas fértil del mundo, su cultura es tan diversa y ancestral, que cada selva tiene su mística. Posee a los hombres y mujeres mas fuertes del mundo que luchan todos los dias una batalla nueva, «Latinoamerica» Es el mismo edén que Moisés nunca pudo ver. "Si fuéramos capaces de unirnos, qué hermoso y que cercano seria el futuro" Ernesto Che Guevara
 * <span style="color: blue; font-family: Arial,sans-serif; font-size: 10pt;">A PARTIR DE UNA “PALABRA” **

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